Seit 2014 veröffentlicht der Pop-Singer-Songwriter Halsey Platten, die Isolation und Selbstzerstörung erforschen. Die ersten beiden Alben des Künstlers, „Badlands“ und „Hopeless Fountain Kingdom“, die beide um ein fantastisches dystopisches Konzept herum angeordnet waren, lehnten sich stark an ein konstruiertes Alter Ego. Ihr Album „Manic“ aus dem Jahr 2020 veränderte die Perspektive und den Fokus: Das unter Halseys Geburtsnamen Ashley Frangipane geschriebene Projekt arbeitete an einer Neuerfindung nach der Trennung. Halseys neueste Veröffentlichung „Wenn ich Liebe nicht haben kann, will ich Macht“ ist von einer anderen Art der Verwandlung inspiriert: der Schwangerschaft. Angetrieben von formbarem Gesang und beunruhigender Alt-Rock-Produktion präsentiert das Album die Mutterschaft als ein erschreckendes Streben nach Ganzheit.
Halsey, die die Pronomen „sie“ und „sie“ verwendet, hat offen über Fehlgeburten gesprochen, einschließlich einer, die während eines Konzerts auftrat. Die Schwangerschaft, sagten sie, brachte Albträume mit sich, in ihrem eigenen Blut aufzuwachen. Aber abgesehen von der Angst, die durch diese Ereignisse ausgelöst wurde, mochte die Künstlerin nicht, wie eine Schwangerschaft die Art und Weise veränderte, wie andere sie sahen. „Ich als sexuelles Wesen und mein Körper als Gefäß und Geschenk für mein Kind sind zwei Konzepte, die friedlich und kraftvoll nebeneinander existieren können“, sagten sie. Der Stachel früherer Verluste und die Gefahr, sich selbst zu verlieren, sind die belebenden Prinzipien des Projekts.
„If I Can’t Have Love“ stellt sich die Mutterschaft als potenzielle Krise vor. Die abschreckende, filmische Sensibilität des Albums lässt sich auf seine Produzenten Trent Reznor und Atticus Ross von der Industrial-Rock-Band Nine Inch Nails zurückführen, die in den letzten zehn Jahren zu versierten Komponisten von Filmmusiken geworden sind („The Social Network“, “Exfreundin”). Die Produktion von Reznor und Ross, die Elemente von Pop und Rock synthetisiert – melancholisches Klavier, Grunge-Gitarre und leichte Verzerrung – verleiht der Platte eine Vorahnung. Textlich beschwört Halsey einen Sturm des Selbsthasses und der Sehnsucht herauf und zeigt gleichzeitig Einblicke in Körperschrecken und psychische Qualen. „Mein Herz ist massiv, aber es ist leer / Ein permanenter Teil von mir, diese unschuldige Arterie / schnappt nach echter Aufmerksamkeit“, singen sie auf „Easier Than Lying“. „Ein ungeteilter Bluthochdruck / Sagen Sie: ‚Ruhe, du bist’ laut.’ ”
Trotz seiner Pannen und Geräusche und verschwommenen Synthesizer-Stürme hat das Album nur wenige Entscheidungen, die sich wirklich unerwartet oder aufsässig anfühlen: Die Popideale von Optimierung und Funktion überholen die transgressiven Provokationen des Industrial- und Alternative-Sounds. Selten kommt das bevorstehende Gefühl von Untergang und Schicksal zum Tragen. Trotzdem, mit Reznor und Ross, die scheinbar begierig darauf sind, die Scheiße aufzurütteln, und Halsey bereit ist, ihren Sound aus der Bahn zu werfen, erreichen sie eine Art kontrolliertes Pandämonium.
Während Halsey dramatische Konfrontationen zwischen äußerer Wahrnehmung und innerem Ruin inszeniert, verfolgt ein anderes neues Album, Cleo Sols „Mother“, einen realistischeren Ansatz. Das Album, das verhaltene Momente mütterlicher Bindung imitiert, versucht das Vererbte vom Gelehrten zu entwirren. Es meditiert darüber, was Mütter an ihre Kinder weitergeben und was passiert, wenn Töchter selbst Mütter werden. Auch diese Lieder werden verfolgt, aber auf eine hoffnungsvolle Weise – eine, die suggeriert, dass wir den Übertretungen der Vergangenheit nicht verpflichtet sind.
In ihrer Arbeit als Mitglied des rätselhaften britischen R. & B.-Kollektivs Sault rifft Sol Riffs auf die Tanzmusik der schwarzen Diaspora. Ihre Solomusik ist weniger groovig: Auf dem letztjährigen „Rose in the Dark“ braute Sol einen langsam brennenden Soul-Sound. Noch leiser, zarter und intimer sind die zwölf Songs hier, produziert mit Sols Sault-Kollaborateur Inflo – einem hochkarätigen Musiker, der für seine Arbeit mit dem Rapper Little Simz und dem Sänger Michael Kiwanuka bekannt ist –: Im Mittelpunkt steht Sols Stimme im Gespräch mit ihre Geschichte und Zukunft. Ihre Stimme beruhigt und hallt nach, und die kleine Band, die um sie herum aufgebaut ist, wurde speziell entwickelt, um ihre Kraft zu verstärken. Die Instrumentals werden vom Klavier angetrieben, mit sanft gemischten Akzenten von Conga-Drums, Streichern sowie akustischer und elektrischer Gitarre, die mit dem sanften Rock einer Wiege kippt.
Sol stellt sich Mutterschaft als etwas Zyklisches vor: Lektionen, die gelehrt und dann wieder verlernt werden. „Vergib mir, ich bin nicht das, was du willst. Aber ich bin unter einem Dach unvollendeter Träume aufgewachsen“, singt sie auf „Build Me Up“ und spricht scheinbar mit ihrer eigenen Mutter. Träume, unvollendet und nicht, treiben die Erzählung voran. „One Day“ und „We Need You“ stellen sich vor, wie ein Kind seinen eigenen Weg geht, und erkenne an, wie notwendig dies sein könnte. „Wir brauchen deine Stimme, sprich deine Wahrheit / Wir brauchen dich“, singt der Refrain auf letzterem. Mutterschaft, wie Sol sie sich vorstellt, ist durch Gegenseitigkeit gekennzeichnet. In vielen der aufschlussreichsten Momente des Albums ist es schwer, die Perspektive zu erkennen – wer singt wem, wer gibt die Lektion und wer empfängt ihre Botschaft.
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