Die sehr persönlichen Sammlungen, die 7 Künstler hinterlassen haben

In den späten 1940er Jahren verwandelten kluge Designer einen Kunststoff, der zuvor für Kampfflugzeuge verwendet wurde, in Lucite-Geldbörsen – freche Art-Déco-Geräte, deren steife Lollipop-Griffe kaum etwas hineinließen. Robert Gottlieb, der Verlagsgigant und New Yorker-Herausgeber, der sich für Schriftsteller wie John le Carré und Margaret Atwood einsetzte, stieß Anfang der 1980er Jahre auf einem Flohmarkt in Manhattan erstmals auf eines dieser Souvenirs der boomenden Extravaganz. Eine jahrzehntelange Obsession nahm Gestalt an. „Er fand sie amüsant, solche unpraktischen Gegenstände, dann fand er immer mehr“, sagt seine Frau, die Schauspielerin Maria Tucci. „Für ihn waren die Auswahl und der Erwerb wichtig. Die Freude, etwas zu retten.“ (Schriftsteller und andere Hausgäste verstanden ihre Präsentation über dem Bett im Hauptschlafzimmer als Ausdruck von Gottliebs spritzigem Humor, obwohl ein verwirrtes Kind Maria einmal fragte, ob sie „jeden Abend eine andere Tasche benutzte“.) „Er liebte die Arbeit mehr als alles andere“, sagt er seine Tochter, Lizzie Gottlieb, eine Dokumentarfilmerin, „aber als ich ein Kind war, nahm er mich am Wochenende mit auf Flohmärkte, und wir suchten nach seinen Gegenständen, und er kannte die Leute an jedem Stand.“ Sie fügt hinzu, dass ihr Vater die Handtaschen als „wunderschöne Portale zum Leben der Menschen in einer anderen Zeit“ empfand. Gottlieb bewunderte auch Fleiß als Eigenschaft sehr, sagt Lizzie; Zu diesem Zweck sammelte der Mann, der die Arbeit von Robert Caro und Salman Rushdie begleitete, auch 3D-Hundeposter, obskure Barbie-Puppen und Makramee-Eulen.

Kwame Brathwaite, der Fotograf und Aktivist, dessen leidenschaftliche Aufnahmen Bürgerrechtsgespräche anregten und zur Entstehung der „Black is beautiful“-Bewegung der 1960er Jahre beitrugen, ließ sich von der Musik inspirieren und kanalisierte die intuitive Präzision von Jazz-Riffs in seine emotionalen Porträts. Als Bebop-begeisterter Teenager organisierte Brathwaite politische Musikshows in Harlem; Mit 21 fotografierte er bereits Konzerte von Thelonious Monk und Miles Davis und fotografierte anschließend die Jackson 5 in Ghana, Diana Ross und Stevie Wonder auf intimen Geburtstagsfeiern und ein Who-is-Who der schwarzen Ikonen, darunter wegweisende Aufnahmen von Whitney Houston , Sly Stone und Nina Simone. Die rund 700 Schallplatten, die in seinem Wohnzimmer in Harlem gesammelt wurden und von denen einige Albumcover enthalten, die Brathwaite selbst fotografiert hat, sind ein Beweis dafür, wie leidenschaftlich der Fotograf, der sich das Spielen des Tenorsaxofons selbst beigebracht hat, Inspiration und ein Zugehörigkeitsgefühl empfand vom Klang des Liedes. „Er weckte mich jeden Morgen mit Bob Marleys ‚Get Up, Stand Up‘“, sagt sein Sohn Kwame S. Brathwaite. „Für ihn ist Musik in der afrikanischen Diaspora-Kultur ein wirklich wichtiger Teil der Art und Weise, wie wir aufzeichnen, was geschieht, und wie wir über die Dinge sprechen, die in der Welt geschehen – aber auch wichtig als eine Möglichkeit zum Feiern.“

Als sie in den 1980er und 2010er Jahren in Las Vegas auf der Bühne auftrat, spielte die glitzernde Suzanne Somers gern die vampirische, unbekümmerte Sexbombe; Abseits der Bühne war sie „genau dieselbe Person“, sagt ihre Stieftochter Leslie Hamel, die seit Mitte der 80er Jahre auch die Bühnenkostüme von Somers entworfen hat. Hamel erinnert sich an mit Kristallen besetzte Overalls und Kleider, die 45 Pfund Glasperlen mit sich herumschleppten, und zählte zu den Lieblingsoutfits ihrer Stiefmutter. Somers – die durch ihre Darstellung der aufrührerischen Chrissy Snow in „Three’s Company“ berühmt wurde – war „kein Jogginghosenmensch“, sagt Hamel. „Sie mochte es, schön auszusehen. Sie sagte, sie könne nicht einmal flache Schuhe tragen, ihre Füße seien so gewölbt. Ihre Manolos waren ihre Turnschuhe.“ Nachdem sie sich von der Schauspielerei verabschiedet hatte, war Somers auch eine sexpositive Gesundheitsmogulin, Autorin von zwei Dutzend Büchern, vollendete Köchin und gewissenhafte Party-Gastgeberin. „Sie war keine Darstellerin, die als Glamour-Girl auftrat“, sagt Hamel. „Sie war von Natur aus glamourös, in ihrer Seele.“

Eine Skulptur von Fernando Botero hatte immer die Größe einer kleinen Katze – aus weichem, formbarem Ton, der von den Händen des kolumbianischen Künstlers in dem toskanischen Atelier erwärmt wurde, in dem er seine Sommer verbrachte. Von da an ließ der Künstler sie in einem mühsamen Prozess auf fantasievolle Größe wachsen. Dazu gehörte es, die Tonfigur in flüssigen Gips umzuformen, das neue Doppel sorgfältig zu konturieren und es dann an eine Gießerei zu schicken, wo es in massiver Bronze versiegelt wurde. Botero war kein Mann mit vielen materiellen Besitztümern, dennoch behielt er alle seine abgelegten Gipse und bewahrte diese verirrten Gliedmaßen und nach oben gerichteten Wangen auf – von denen einige nie in Bronze verwandelt wurden, da der Künstler in letzter Minute beschlossen hatte, einen Kopf zu vergrößern oder zu drehen Neigung eines Arms – in einem Lagerhaus, nur eine kurze Autofahrt von seinem Studio entfernt. „Es gibt eine zufällige Art und Weise, wie diese Gipse aufbewahrt wurden, und das ist das Schöne: Nur die Person, die sie dort aufbewahrt hat, weiß tatsächlich, welche Hand zu welcher Skulptur gehört“, sagt Lina Botero, die Tochter des Künstlers. „Nichts konnte bewegt werden, sonst wäre es unmöglich zu finden.“ Bis zu seinem Tod im Alter von 91 Jahren ging Botero immer noch in seinem Lager auf und ab, tüftelte an neuen Ideen und überarbeitete alte. „Ich habe ihm oft gesagt, er solle Urlaub machen, aber nichts hat ihm mehr Freude bereitet“, sagt Lina. „Er sagte, die Arbeit in seinem Studio sei für ihn wie Schokoladeneis essen.“

Elvis- und Liberace-Miniaturen, versteinerte Holzstücke, Lentikular-Fotografien und wackelnde Lavalampen – darunter eine der größten, die jemals hergestellt wurden – sind nur ein Bruchteil der Mammutsammlungen, die Paul Reubens, der Comic-Mastermind hinter der arglosen Figur Pee-wee Herman, hinterlassen hat hinter. „Er kaufte nicht eins, sondern fünf davon“, sagt der Schauspieler David Arquette, ein langjähriger Freund, der oft mit Reubens auf Roadtrips ging, um Secondhand-Läden und Auktionen zu durchstöbern. Zeitweise erstreckten sich Reubens‘ Sammlungen über 14 Lagereinheiten. „Er hat einfach nur gesammelt und gesammelt und gesammelt“, erinnert sich der Kreativdirektor Marc Balet. „Er hat Stunden damit verbracht, darüber zu reden und Ihnen Gegenstände zu zeigen – er war einfach besessen davon, genauso wie er besessen von seiner Arbeit war, von Pee-wee.“ Balet fährt fort: „Ich kam immer nach L.A. und blieb in seinem Gästezimmer. Dann gab es langsam kein freies Schlafzimmer mehr. Es war vollgestopft mit Sachen.“ Reubens, sagt Arquette, machte sich auf die Suche nach den „ausgefallensten, kitschigsten, seltsamsten, verdrehtesten“ Versionen von Spielzeug und Schmuck; Der Filmproduzent Prudence Fenton, der mit Reubens an „Pee-wee’s Playhouse“ arbeitete, bezeichnete seine Sammlungen als „Mission, Americana zu bewahren“.

Öffnen Sie das Great American Songbook auf einer beliebigen Seite, und Sie werden kaum den Namen von Tony Bennett irgendwo darauf finden. In den 1950er Jahren trat er am Times Square auf und sang anschließend zarte Duette mit allen möglichen Künstlern, von Frank Sinatra über Amy Winehouse bis hin zu Christina Aguilera. In seiner ordentlichen Wohnung im 15. Stock mit Blick auf den Central Park – von der aus Bennett oft die temperamentvollen Fremden unten betrachtete und malte – gehörte zu Bennetts wenigen Besitztümern seine geliebte Sammlung signierter Duettblätter. „Als er älter wurde, verhielt er sich sehr Zen-mäßig und er mochte keine Ablenkungen, wissen Sie, von seinen 20 Grammy-Auszeichnungen sah man da nichts“, sagt Danny Bennett, Tonys Sohn und langjähriger Manager. (Die Grammys wurden stattdessen in Dannys Büro verbannt.) In den späteren Jahren, als sich Bennetts Alzheimer-Krankheit verschlimmerte, „war die Kommunikation nicht die beste; Am Klavier zu stehen und zu singen erweckte ihn zum Leben“, sagt Danny. Am Tag seines Todes fragte Bennett seine Frau Susan, welches Lied sie hören wollte. Sie fragte nach „Because of You“, seinem allerersten Nr.-1-Hit aus dem Jahr 1951. Der 96-Jährige stand in der Kante seines Flügels und sang alle Texte perfekt auswendig.

Carin Goldberg sammelte Ephemera. Als großartig iterative Grafikdesignerin sammelte sie Äste, Nähgarn, Eintrittskarten, Geldscheine, abgebrochene Pflastersteine ​​und Krüge mit römischem Aquäduktwasser; Ihre Häuser und Ateliers waren Schreine für die Übersehenen und Verlassenen. „Die meisten dieser Dinge sind fast nichts wert, was einen Teil ihres Charmes ausmacht“, sagt Goldbergs Ehemann, der Architekt James Biber. „Sie sind Schutt.“ Für Goldberg hatte das, was sie den „ungefeierten Überrest der Kultur“ nannte, jedoch ungezügelte Tiefe: Radiergummis zum Beispiel waren Gebrauchsgegenstände, aber auch Beschwörungen von Besonderheiten, Designmanifeste für sich selbst und Erinnerungen an die tiefe Bedeutung und Geschichte der Entfernung. Goldbergs Hunderte von Kollektionen dienten ihr als Inspiration für ihre Designarbeit. „Sie waren für sie Rohstoffe“, sagt Biber. (Wie Goldberg selbst es einmal ausdrückte: „Das Kuratieren ermöglicht es mir, mich an einen Ort zu erinnern, ihn zu kommunizieren, ihn zu interpretieren und ihn schließlich zu erobern, an dem ich nicht in der Lage bin, die Staatsbürgerschaft zu beanspruchen.“) „Manchmal denke ich, dass sie auf den Regalen standen und darauf warteten, herausgesucht und in ein neues Zuhause gesteckt zu werden „Ein Kunstwerk“, sagt Biber. „Sie waren Artefakte, bis sie in ein Teil ihres Entwurfs einbezogen wurden. Carin war eine Künstlerin, und wenn sie etwas in ein Regal stellte, wenn sie es sammelte, war es Kunst.“