Die derzeitige Finanzpanik der Filmindustrie könnte die Waage der diesjährigen Oscar-Nominierten in Richtung Kassenschlager kippen. Auf der Liste stehen aber auch Filme, die trotz geringer Zuschauerzahlen in den Kinos positive Kritiken und vor allem positive Beachtung in den Reihen der Mitglieder der Akademie fanden. Der beste von ihnen ist Sarah Polleys „Women Talking“ – bei weitem der stärkste unter den Nominierten für den besten Film. Die umstrittenste dieser Außenseiterinnen ist die Nominierung als beste Hauptdarstellerin von Andrea Riseborough für ihre Hauptrolle in „To Leslie“, dem ersten Spielfilm unter der Regie von Michael Morris (der eine lange Karriere im Fernsehen vorzuweisen hat). Da „To Leslie“ ein unabhängiger Film mit einem kleinen Verleih ist, hatte Riseborough keine sehr teure Kampagne zu ihrer Unterstützung, sondern eine scheinbar gut orchestrierte. Riseborough, ihr Manager Jason Weinberg und Morris nutzten Berichten zufolge persönliche Freunde und Verbindungen, um ihren Auftritt vor Mitgliedern der Actors Branch zu trompeten, um Vorführungen des Films zu veranstalten, die von berühmten Schauspielern moderiert wurden, und möglicherweise, um Mitglieder persönlich zu beeinflussen.
Es wurde allgemein angenommen, dass diese Kampagne gegen die Regeln der Akademie gegen Lobbyarbeit und andere unfaire Formen der Einflussnahme verstoßen hat, aber der Vorstand traf sich am Dienstag, um die Angelegenheit zu erörtern, und beschloss trotz „Besorgnis“ über die Kampagne, Riseboroughs Nominierung nicht zurückzuziehen. Diese Praktiken wurden umso mehr der öffentlichen Prüfung unterzogen, weil zwei schwarze Schauspielerinnen, von denen allgemein erwartet wurde, dass sie Nominierungen als beste Hauptdarstellerin erhalten würden – Viola Davis für „The Woman King“ und Danielle Deadwyler für „Till“ – sie nicht erhielten. Es wird angenommen, dass sich die Kampagne für Riseborough auf ein Netzwerk mächtiger – und meist weißer – Insider stützte, um einen weißen Künstler zu fördern, während ein solches Netzwerk mit einer solchen Einstellungsmacht im Geschäft nicht weißen Schauspielern zur Verfügung steht.
Für mich ist die Kategorie ein Chaos. Ich habe nicht damit gerechnet, dass Davis nominiert wird, denn „The Woman King“ ist zwar ein historisches Drama, aber auch ein Actionfilm und sehr wohl ein Ensemblestück. Aber ich war schockiert über das Versäumnis, Deadwyler zu nominieren, der in „Till“ außergewöhnlich ist. Noch überraschender (zumindest für mich) als die Nominierung von Riseborough ist dagegen die von Ana de Armas für „Blondine“. (Trotzdem liebt die Academy ihre Bio-Pic-Imitationen, und ihre ist die einzige, die in dieser Kategorie nominiert wurde.) Nicht überraschend, aber enttäuschend war der Kategoriebetrug von Michelle Williams’ Nominierung für „The Fabelmans“, denn mehr noch eine unterstützende Rolle, wenn auch eine wichtige. Die Kurzsichtigkeit der Schauspielbranche geht weit über den Einfluss einer einzigen fragwürdigen Kampagne hinaus.
Ich weiß nicht, ob diese Kampagne nach Maßstäben der Akademie so ungeheuerlich war, dass sie Strafen verdient hätte (was auch die Annullierung von Riseboroughs Nominierung hätte beinhalten können). Aber ich bin bestürzt darüber, dass die Geschichte hinter Riseboroughs Nominierung Vorrang vor der Diskussion über „To Leslie“, die Aufführung selbst, und das, was die Nominierung über das künstlerische Urteil der Schauspielbranche aussagt, hat.
Wenn es nur sechsunddreißig grundlegende Geschichten gibt, hat „To Leslie“ eine davon: Eine langjährige Alkoholikerin, die alle ihre Brücken abgebrannt und ihre praktischen Ressourcen durchgebrannt hat, überwindet die Krankheit in wenigen Tagen und bringt ihr Leben wieder in Ordnung Hilfe von Marc Maron. Riseborough spielt Leslie, die einst der Toast der Stadt war, nachdem sie einen Lotterie-Jackpot gewonnen hatte. Jetzt, nachdem sie alles verprasst hat, wird sie aus einem Motel vertrieben und zieht mit ihrem erwachsenen Sohn (Owen Teague) in eine nahe gelegene Stadt. Sie verhält sich dort unverantwortlich und wird rausgeschmissen, was sie zurück in ihre Heimatstadt und zu zwei Freunden (Allison Janney und Stephen Root) schickt, die ihren Sohn großgezogen hatten, als Leslie es nicht konnte. Schließlich gibt ihr ein freundlicher Motelmanager namens Sweeney (Maron) einen Job und ein Zimmer, was zu einem Ende des Wickelns, des Herumknuddelns und der schamlosen Wärme führt.
Der von Ryan Binaco geschriebene Film spielt außerhalb der Geschichte, außerhalb der Zeit, in einer Blase persönlicher Emotionen, die, anstatt sich natürlich aus der Geschichte zu ergeben, ihre Daseinsberechtigung zu sein scheinen. Riseboroughs Darbietung betont jeden Takt der Geschichte und fügt, wo es keinen Takt gibt, eigene Akzente hinzu. Es ist eine Aufführung von bemerkenswerter und unerbittlicher Virtuosität – eine Zurschaustellung von Stirnrunzeln und finsterem Blick, hektischem Gelächter und verzweifelten Grimassen, sehnsüchtigen Blicken und aufblitzender Wut, Drehungen und Stolpern (und, in Rückblenden auf bessere Zeiten, Keuchhusten und Brüllen). Die Situationen werden zertrümmert und überwältigt, anstatt erforscht und erweitert zu werden. Morris, der Regisseur, hat kein sichtbares visuelles Konzept des Films; er fotografiert lediglich seine Schauspieler beim Spielen. Das Ausmaß seines dramatischen Konzepts besteht darin, Riseborough die Details schaffen und die Arbeit erledigen zu lassen, die die Regie und das Schreiben nicht leisten. „To Leslie“ ist nicht der erste Film, in dem Riseboroughs beeindruckende Kunst weitgehend für eine spärliche Einbildung der Regie einspringt (siehe „Nancy“), aber die Darstellung in Morris’ Film ist weitaus extravaganter.
Die resultierende Show von außergewöhnlicher Technik ist, denke ich, das Geheimnis seines Erfolgs bei vielen von Riseboroughs Schauspielkollegen. Ihre Leistung ist anstrengend, mit ihrer Fülle von unendlich kleinen Entscheidungen über Gesten und Tonfall, die den Film füllen wie der Ansturm von Code, der in Spionagedramen-Überwachungsszenen über Computerbildschirme schwappt. Filmschauspieler sind der Kamera ausgeliefert. Die schauspielerische Technik ist eine Möglichkeit, ihr die Kontrolle zu entziehen, und die auffällige Zurschaustellung von Technik ist eine Bestätigung professioneller Macht und Autorität – im Wesentlichen die Umwandlung des Filmrahmens in eine Theaterbühne, wenn auch eine vergrößerte, die jeden Sitzplatz umdreht Haus in die erste Reihe. Tatsächlich hebt Riseboroughs Performance die Leinwand an, als wäre sie ein Theatervorhang, um das Training, die Anstrengung und die bewussten Entscheidungen zu enthüllen, die in die Zusammensetzung der Rolle einfließen. Der Film ist ein Schauspielunterricht.
Aber Technik ist weder abstrakt noch neutral, und eine aufschlussreiche Perspektive auf ihren Einsatz in „To Leslie“ bietet Sarah Paulson, eine der Schauspielerinnen, die sich für Riseborough einsetzte und eine Vorführung des Films moderierte. Paulson sagte dem Hollywood-Reporter, „Ich war einfach beeindruckt von seiner Authentizität. Ich hatte das Gefühl, einen Film aus den 70ern zu sehen, aus einer Zeit, in der so viele meiner Lieblingsfilme gedreht wurden. Nach Hause kommen, Zarte Barmherzigkeit, Ödland.“ Was sie nicht erwähnt, ist, dass der weibliche Star von „Badlands“, Sissy Spacek, aus Texas stammt; Tess Harper in „Tender Mercies“ (eigentlich von 1983) stammt aus Arkansas; und „Coming Home“-Stars Jane Fonda – drei durch und durch amerikanische Schauspielerinnen in drei Klassikern aus dem amerikanischen Kernland. Riseborough ist eine brillante Schauspielerin, aber eine britische, deren mit erstaunlicher Technik zusammengestellte Leistung synthetisch ist. Mit dieser Nominierung erklärt die Actors Branch im Wesentlichen, dass die Illusion von Authentizität eine größere Darbietung von Handwerk ist als die Authentizität selbst.
Ich bin gegen jede verbindliche Zuordnung der Nationalitäten von Schauspielern und ihrer Rollen; Allein in diesem Jahr war ich von Margot Robbies Auftritt in David O. Russells „Amsterdam“ und Daniel Kaluuyas in Jordan Peeles „Nope“ begeistert. (Insbesondere Peeles Arbeit mit Kaluuya und Lupita Nyong’o spiegelt seine eigene weitreichende Vision der amerikanischen Charaktere wider, die sie in seinen Filmen spielen.) Mit „To Leslie“ arbeitet Morris’ Konzept für den Film gegen seine Substanz; sein Blick auf die Aufführung steht der Rolle im Weg. Wenn die Schauspielbranche ihr Gewicht hinter eine abendfüllende Musterrolle geworfen hat, deutet dies auf die zugrunde liegende Realität des Geschäfts hin: dass die Chuzpe untrennbar mit der Kunst verbunden ist.
Paul Mescal und Frankie Corio in „Aftersun“.Foto mit freundlicher Genehmigung von A24
Die Nominierung als bester Hauptdarsteller von Paul Mescal für seine Rolle in Charlotte Wells’ erstem Spielfilm „Aftersun“ ist so etwas wie das Gegenteil von „To Leslie“. „Aftersun“ ist ein Arthouse-Film-by-Design, der seinen Hauptdarstellern eine Fülle ruhiger und gewöhnlicher Momente bietet, die sie mit einem dezenten Bedeutungsgewicht versehen können. Seine gestochen scharfe Würde ist enorm und zermalmt die starken Emotionen, die ihn antreiben. Die Geschichte ist ein persönliches Mysterium einer erwachsenen Britin namens Sophie, die auf ihre Kindheit zurückblickt, scheinbar Ende der neunziger Jahre, als sie im Alter von elf Jahren mit ihrem Vater eine kurze Reise in die Türkei unternahm. Calum (Mescal). Der Film impliziert, dass die Reise das letzte Mal war, dass sie ihn sah und dass er bald darauf durch Selbstmord starb. Sophie, die in einer Beziehung mit einer Frau ist und ein Kind hat, sieht sich ein Videoband von ihr und ihrem Vater an, das während der Reise aufgenommen wurde, und es scheint ihre Erinnerungen und Reflexionen über dieses schicksalhafte Abenteuer zu wecken.
Das Tonband, eine physische Spur der entscheidenden Ereignisse, ist das bewegendste Element von „Aftersun“. Aber Wells thematisiert die Zeit, die die junge Sophie und ihr Vater gemeinsam auf dieser Reise verbracht haben, und nähert sich den Ereignissen nicht mit einem Gefühl der Entdeckung, sondern mit einem Gefühl der Gewissheit, indem sie scheinbar jede Karte mit Vorauswissen aufdeckt und den Zuschauern Kleinigkeiten zum Zusammenbauen anbietet alleine. Obwohl die Reise in einem Akt der Erinnerung auftaucht, läuft sie einheitlich vorwärts wie eine komponierte Geschichte – die filmische Erinnerung ist kein wahlfreier Zugriff. Wells liefert die Details, als würde sie dem Publikum ein Drehbuch geben, Seite für Seite. Mit der Anhäufung von Details, die der Betrachter zusammensetzen muss, erhält die intime Geschichte die Armlängen-Sessel-Detektivbehandlung.