Als er im Herbst 1984 erstmals in die Kinos kam, galt „Stop Making Sense“ unter der Regie von Jonathan Demme und mit der Rockgruppe Talking Heads in der Hauptrolle schnell als einer der besten Konzertfilme aller Zeiten. Rezensenten nach Rezensenten entschieden sich für das Wort „berauschend“, um das Erlebnis zu beschreiben, einer erweiterten neunköpfigen Gruppe zuzusehen, wie sie sechzehn ihrer bekanntesten Lieder in einer ununterbrochenen Abfolge dynamisch inszenierter und fotografierter musikalischer Vignetten aufführt. Auf den Seiten dieses Magazins lobte Pauline Kael den Film als „nahezu perfekt“ und beschrieb den Heads-Frontmann David Byrne als „einen verblüffenden Darsteller“. „Er ist so weiß, dass er fast wie ein Scheinweiß aussieht“, schrieb Kael, „ebenso wie seine ruckartigen, langhalsigen Bewegungen wie bei einem mechanischen Menschen.“ Er scheint fleischlos, blutlos zu sein; er könnte fast Seien Sie eine Parodie eines Schwarzen darüber, wie sich ein sauber geschnittener Weißer bewegt. Aber Byrne selbst ist der Parodist, und er beherrscht die Bühne mit seinem hohläugigen, frostigen Elan.“ Ähnlich überschwängliche Gefühle wurden von Kritikern im ganzen Land geäußert. Hätte es damals so etwas wie Rotten Tomatoes gegeben, wäre „Stop Making Sense“ sicher in den oberen Neunzigern gelandet.
Da die Band darauf bestand, den Film nur im Kino zu sehen, verweigerten sie zunächst die Erlaubnis, ihn auf Videoband zu veröffentlichen oder im Kabelfernsehen zu zeigen. In den Jahrzehnten seitdem wurde jede Veröffentlichung von „Stop Making Sense“ auf einem neuen Medium – VHS, DVD, Blu-ray und Streaming – von nachfolgenden Generationen von Zuschauern und Kritikern mit neuem Lob aufgenommen. Jetzt, im Vorfeld des 40-jährigen Jubiläums des Films, wurde das Originalnegativ in einem hochauflösenden 4K-Format neu bearbeitet und für den Kinostart noch einmal neu aufgelegt. Um den Film zu promoten, der ihnen gemeinsam gehört, haben die vier ehemaligen Talking Heads – Byrne, Jerry Harrison, Tina Weymouth und Chris Frantz – an einer Reihe von Podiumsdiskussionen und Medienveranstaltungen bei Vorführungen in Toronto, New York, teilgenommen , und Los Angeles. Dies ist das erste Mal seit 2002, dass die Band gemeinsam in der Öffentlichkeit auftritt, als die Gruppe, die sich 1991 unter umstrittenen Umständen offiziell auflöste, in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen wurde.
Der 2017 verstorbene New Yorker Filmregisseur Jonathan Demme war vierzig Jahre alt, als er „Stop Making Sense“ drehte. Er war ein begeisterter Fan der Talking Heads, seit er die Band im Sommer 1979 zum ersten Mal im Wollman Rink im Central Park auftreten sah. („Die vier standen da wie Statuen auf dieser Plattform“, erinnerte er sich.) Im folgenden Jahr gelang Demme der Durchbruch als Regisseur mit „Melvin and Howard“, einer bittersüßen Komödie über eine zufällige Begegnung zwischen einem arbeitslosen Fabrikarbeiter und dem exzentrischen Milliardär Howard Hughes in der Wüste von Nevada. Das nächste Mal sah er die Talking Heads im Sommer 1983 in Los Angeles auftreten und war von der Veränderung in der Band verblüfft. Die vier ehemaligen Statuen hatten sich in eine dynamische, interrassische Truppe aus Sängern, Tänzern und Instrumentalisten verwandelt, die üppig arrangierte und choreografierte Versionen ihrer Lieder aufführten. Über einen gemeinsamen Freund nahm er schnell Kontakt mit der Gruppe auf und brachte ihm die Idee vor, ihre Show zu filmen. Als Fans von „Melvin und Howard“ stimmten die Heads einer Zusammenarbeit mit Demme zu, nachdem sie seine Gedanken darüber gehört hatten, wie – und wie nicht––um sie auf dem Bildschirm zu präsentieren. Auf Anraten ihres Managers Gary Kurfirst finanzierte die Gruppe den Film mit Hilfe eines Vorschusses ihres Plattenlabels selbst, um das Eigentum und die volle kreative Kontrolle zu behalten.
Demme seinerseits machte deutlich, dass er die gesamte Produktion ausschließlich auf den Auftritt der Band konzentrieren wollte. So unauffällig das auch klingen mag, es war eine Abkehr von der Art und Weise, wie Rockkonzerte zuvor auf Filmen präsentiert wurden, von Richard Lesters Scheindokumentation „A Hard Day’s Night“ bis hin zu Martin Scorseses „The Last Waltz“, indem auf eine „Hintergrundgeschichte“ verzichtet wurde „des Kommens und Gehens der Musiker; die Logistik der Inszenierung der Show; Interviews mit den Bandmitgliedern, Veranstaltern und Fans; und die begeisterte Reaktion der Menge. Stattdessen schlug Demme vor, die Band einfach fachmännisch auf der Bühne zu filmen und dabei den rhythmischen, rasanten Jump-Cut-Schnittstil zu vermeiden, der mit den Musikvideos verbunden ist, die auf der kürzlich gegründeten Plattform MTV gezeigt werden. Die scheinbare Strenge dieses Ansatzes entsprach der minimalistischen Kunstschulästhetik, die Talking Heads angenommen hatte, seit sie zum ersten Mal als Albino in der Herde bunt zusammengewürfelter Bands auftraten, die Mitte der Siebziger im CBGB, der Kneipe in der Bowery, ihren Anfang nahmen das diente für ein paar kurze Jahre als Nährboden für Punk. In jenen Tagen versuchten die Heads, umgeben von pompösen Rockromantikern wie Patti Smith, Television und den Ramones, ihre musikalischen und theatralischen Einschränkungen auszunutzen, indem sie einen Aufführungsstil übernahmen, der ursprünglich „definiert von …“ war [its] Negative“, wie Byrne es beschrieb, bestehend aus „keinen Rockbewegungen oder Posen, keinem Pomp oder Drama, keinen Rockhaaren, keinen Rocklichtern …“ . . kein einstudiertes Bühnengerede“ und, was vielleicht am aussagekräftigsten ist, „kein Singen wie ein Schwarzer.“
Bis 1983 hatten Talking Heads einen langen Weg zurückgelegt, sowohl musikalisch als auch anderweitig, von dem strengen, eingefrorenen Tableau, das sie während ihrer Gründerzeit bei CBGB und ihren frühen Konzerten präsentiert hatten. Sie fügten ein fähiges viertes Mitglied an Keyboards und Gitarre hinzu, Jerry Harrison (dessen Harvard-Abschluss ihren hochkarätigen Ruf aufpolierte), erlangten eine hart erkämpfte Beherrschung ihrer Instrumente und nahmen fünf von der Kritik gefeierte und kommerziell erfolgreiche Studioalben auf, von denen drei unter der Leitung von ästhetischer Zauber des vielseitigen britischen Produzenten Brian Eno. Im Laufe dieser Entwicklung überwarfen sie viele der musikalischen und theatralischen Beschränkungen, die sie sich ursprünglich auferlegt hatten, angefangen mit dem Verbot, wie ein Schwarzer zu singen, was zu einer brillant zurückhaltenden Interpretation von Al Greens „Take Me to the River“ führte “, das ihnen einen Top-Forty-Hit einbrachte und ihre musikalische Affinität zu den stattlichen, kirchlichen Backbeats des Memphis-Souls offenbarte.
Die erweiterte Version von Talking Heads, die im Film erscheint, war der Höhepunkt eines Prozesses, der im Herbst 1980 nach der Veröffentlichung des vierten Albums der Band, „Remain in Light“, begann, als Byrne und Harrison erkannten, dass die Arrangements dicht geschichtet waren auf der Platte, von denen viele den polyrhythmischen Einfluss von Afro-Pop-Künstlern wie Fela Kuti und King Sunny Adé widerspiegelten, konnten von einer vierköpfigen Gruppe im Konzert nicht reproduziert werden. Dies führte dazu, dass kurzfristig fünf weitere Mitglieder hinzukamen – Adrian Belew an der Gitarre, Bernie Worrell an den Keyboards, Steve Scales am Schlagzeug, Busta Jones am Bass und Dolette McDonald am Hintergrundgesang – alle bis auf eines waren Afroamerikaner . Dies verschaffte der Band eine gemischtrassige Zusammensetzung, die am Ende eines Jahrzehnts höchst ungewöhnlich war, als sich das Publikum für Popmusik in den Vereinigten Staaten weitgehend in die Stämme White Punk und Hard Rock einerseits und Black Funk und Disco andererseits aufgespalten hatte das andere. Die erweiterten Heads tourten durch die USA und Europa, was auf begeisterten Empfang stieß.
Anschließend legten sie ein einjähriges Sabbatical ein, in dem Byrne tiefer in die Avantgarde der Innenstadt eintauchte, indem er mit der Choreografin Twyla Tharp an einem Tanzstück namens „The Catherine Wheel“ zusammenarbeitete, Harrison ein Soloalbum aufnahm und Frantz und Weymouth eine gründeten Ihre eigene Band namens Tom Tom Club, deren absichtlich alberne Single „Genius of Love“ zum Dance-Club-Standard und Radiohit wurde. Talking Heads kamen 1982 mit etwas anderem Personal wieder zusammen, um in Japan, Europa und den USA zu touren. Anschließend nahmen sie ihr erstes selbstproduziertes Album „Speaking in Tongues“ auf, aus dem ihre erste und einzige Top-Ten-Single „Burning“ hervorging Runter im Haus.“
Die in „Stop Making Sense“ dokumentierte Tournee von 1983 begann im August und dauerte bis zum Jahresende. Zu den vier ursprünglichen Heads gesellten sich zwei Hauptstützen der erweiterten Band, der Keyboarder Worrell und der Perkussionist Scales, sowie ein überschwänglicher neuer Gitarrist, Alex Weir, und zwei Backup-Sänger, Lynn Mabry und Ednah Holt, die für frischen Schwung sorgten von kinetischer Energie auf die Gruppe. Die dramatischste Veränderung war jedoch die Verwandlung von David Byrne, der sich die Lektionen zunutze machte, die er in seiner Arbeit mit Tharp und dem Choreografen Toni Basil (mit dem er eine Reihe von Musikvideos gemacht hatte) gelernt hatte, um die Songs der Band umzusetzen Live-Show in eine Reihe einzelner Bühnenbilder, jedes mit seiner eigenen Choreografie, Beleuchtung und, in einem spektakulären Fall, Kostümdesign. Anschließend arrangierte Byrne diese Lieder in drei halbstündige Abschnitte und zeichnete so einen losen Erzählbogen, der die Entstehung und künstlerische Entwicklung der Band widerspiegelte.
Der Film beginnt damit, dass Byrne allein auf einer leeren Bühne mit einer Soloversion des seiner Meinung nach ersten „richtigen“ Songs, den er jemals geschrieben hat, „Psycho Killer“, gesungen wird, begleitet von einem Boom-Box-Rhythmus-Track. Diese charakteristische Nummer ist eine Reminiszenz an die ruhig geistesgestörte Persönlichkeit, mit der er die Musikwelt betrat. Darauf folgt eine Reihe von Auszügen aus dem frühen Repertoire des Head, jeweils begleitet von einem oder zwei Bandmitgliedern und den Bühnenaufstehern, die sie halten Instrumente, die in einem donnernden Full-Band-Arrangement ihres größten Hits „Burning Down the House“ gipfeln. Dann schnallt Byrne seine Gitarre ab, öffnet die oberen Knöpfe seines Hemdes und beginnt mit „Life While Wartime“, einer paranoiden politischen Fantasie, deren Choreografie im Aerobic-Kurs die Selbstgefälligkeit des Liedtextes verspottet und damit endet, dass Byrne die Bühne umkreist toter Lauf, als ob er um die Band kreisen würde.