Die Besonderheit des aktuellen politischen Moments wird deutlich, wenn man die Tag-Szene am Ende von Scorseses „Killers of the Flower Moon“ mit der am Ende eines Films vergleicht, den er vor einem Jahrzehnt gedreht hat: „The Wolf of Wall Street“. ” Im ersten Teil macht Scorsese die ganze Welt für die moralischen Verfehlungen verantwortlich, die im Film dargestellt werden; im neuen verwickelt er sich persönlich. Doch während sich das persönliche Kino – zum Guten – von der Selbstbeweihräucherung zur Selbstbefragung bewegt, ändert sich sein Ton. Das könnte ein Grund für den Rückgang des DIY-Filmemachens sein. Das Gefühl (oder die Illusion), außerhalb oder ohne etablierte Systeme zu arbeiten, begünstigt nicht die Darstellung der Funktionsweise eines Systems. In einem solchen Moment riskieren geniale Künstler, naiv zu wirken – es sei denn, sie streben, wie die mittlerweile etablierte Generation einst unabhängiger Filmemacher, eine radikale Transformation der Filmwelt an und erreichen diese auch tatsächlich.
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Martin Scorseses umfangreiche Adaption von David Granns Sachbuch-Untersuchung über den gewaltsamen Übergriff weißer Amerikaner auf den Ölreichtum der Osage-Nation entlarvt die amerikanische Geschichte als eine weit verbreitete kriminelle Verschwörung und destilliert sie zu einem Drama über Ehegeheimnisse, die ebenso verstörend und nachhallend sind wie die von „Eyes Weit geschlossen.”
Wes Andersons äußerst filigraner und glühend romantischer Blick auf eine trauernde Familie und eine einsame Schauspielerin vor dem Science-Fiction-ähnlichen Schauplatz einer Konferenz junger Astronomen erforscht die Verrücktheit der 1950er Jahre – einen anhaltenden und immer noch aktiven Komplex von Problemen und Tropen, die sich verbergen deutlich sichtbar in den Filmen dieser Ära und in ihrer politischen Paranoia.
Der unbändige Ausbruch schwindelerregender, aber prinzipientreuer Inspiration in Greta Gerwigs Blockbuster – eine Vision der ernsthaften Leidenschaften, die im Kinderspiel verkörpert sind, und der fortschrittlichen Kraft der ungehemmten Fantasie von Mädchen – fühlt sich an wie die erste Demonstration ihres umfassenden künstlerischen Könnens und wie eine neue Dimension im modernen Kino .
Raven Jacksons erster Spielfilm umspannt ein halbes Jahrhundert im Leben einer Frau im ländlichen Mississippi und vereint Familiengeschichten und das Erbe der Geschichte mit einem atemberaubenden romantischen Melodram – und das mit kühner Beherrschung der Zeit und äußerst sensibler Bildgestaltung.
Ausgehend von der bescheidenen Prämisse einer Bildhauerin, die ihre Arbeit für eine Ausstellung vorbereitet und gleichzeitig an einer Kunstschule arbeitet, erkundet Kelly Reichardt die Bindungen und Konflikte einer engen Gemeinschaft, die Belastungen der Familie und die unausweichlich fruchtbaren Frustrationen, die das Leben mit sich bringt Kunst. Die Tiefen der Seele eines Künstlers wurden selten so fein gefilmt.
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Das turbulente Melodram des amerikanischen Filmemachers Ira Sachs, das in Paris spielt und in dem ein deutscher Filmregisseur, der mit einem Briten verheiratet ist, eine rücksichtslose Romanze mit einer Französin beginnt, löst Schwall heftig gemischter Gefühle aus und erzeugt ein schwindelerregendes, ekstatisches Gefühl der Befreiung.
In den zwanzig Minuten von Dwayne LeBlancs erstem Film steckt der Stil und die Erfahrung eines Spielfilms, eine klassische Geschichte über die Rückkehr eines jungen Mannes nach Hause (nach South Central Los Angeles), vermittelt mit einem kühnen und originellen Gespür für Form.
AV Rockwells erster Spielfilm, der etwa zwei Jahrzehnte im Leben einer Mutter und eines Kindes in Harlem umspannt, schildert eindringlich die Begeisterung des Familienlebens und die Zerbrechlichkeit familiärer Bindungen inmitten des politischen Drucks auf die Gemeinschaft, einschließlich unterdrückerischer Polizeiarbeit, Gentrifizierung und des Traumas von Inhaftierung.
Savanah Leafs Debütfilm, das Drama über die leidenschaftlichen Bemühungen einer jungen Frau, das Sorgerecht für ihre Kinder zurückzugewinnen und eine Bindung zu ihrem Neugeborenen aufrechtzuerhalten, bietet einige der ausdrucksstärksten Nahaufnahmen in den letzten Filmen, zusammen mit einer scharfsinnigen detaillierten Analyse der bürokratischen Hindernisse rechtliche Einheit der Familien, mit der schwarze Frauen konfrontiert sind.
In ihrem ersten Spielfilm dramatisieren die Brüder Austin und Meredith Bragg einen außergewöhnlichen Abschnitt der Geschichte: die langjährige Illegalität des Flippers in New York City und seine Legalisierung Mitte der Siebzigerjahre durch die Bemühungen eines Journalisten, der das Spiel liebte. Der Film verwendet einen gewagten Erzählrahmen, um eine bittersüße, lebendige Neuschöpfung der Zeit zu präsentieren.
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Mit diesem Quartett aus Kurzfilmen, die auf Geschichten von Roald Dahl basieren, erfindet Wes Anderson eine neue Art des filmischen Geschichtenerzählens – die Charaktere sind sowohl Erzähler auf der Leinwand als auch Teilnehmer der Handlung – und stellt die Grausamkeiten von Dahls Welt wie die des Lebens als Ganzes dar.
Für seinen vierundvierzigsten Dokumentarfilm trifft sich der über 100 Jahre alte Filmemacher Frederick Wiseman mit den Köchen eines französischen Drei-Sterne-Restaurants. Indem er pointiert filmt und gewagt schneidet, deckt er die große Bandbreite an Wissen (wissenschaftlich und kulinarisch), Erfahrung (handwerklich und administrativ) und Leidenschaft (künstlerisch und persönlich) auf, die das Unternehmen antreibt – und findet den Platz der Haute Cuisine im kulturellen Pantheon.
Die Coming-of-Age-Geschichte eines Teenager-Mädchens in einer französischen Kleinstadt vor dem Hintergrund der Scheidung ihrer Eltern erhält durch Axelle Roperts souveräne und anspruchsvolle Regie sowohl eine melodramatische Wendung als auch eine klassische Erhabenheit.
14. „Ferrari“
Jetzt, in seinen Achtzigern, dreht Michael Mann seinen besten Film seit Jahrzehnten mit dieser großartig romantischen, aber dennoch vom Tod gezeichneten biografischen Geschichte über Enzo Ferraris Versuch, sein Unternehmen in den Fünfzigern durch den Gewinn eines großen Autorennens zu retten.
Der erste Film des Philosophen Paul B. Preciado, eine dokumentarische und reflexive Adaption von Virginia Woolfs historischer Fantasie „Orlando“, zeigt mehr als zwanzig trans- oder geschlechtsnonkonforme Schauspieler in der Titelrolle. Indem er ihre persönlichen Reflexionen in Woolfs Geschichte integriert, zieht der Filmemacher sein Drama in die Gegenwart und sogar in eine visionäre Zukunft.
Der produktive südkoreanische Regisseur Hong Sangsoo, der billig und spontan arbeitet, liefert eine seiner umfangreichsten Geschichten – von familiären Konflikten und längst verlorenen Freunden, den Frustrationen des Filmemachens und der Leidenschaft für die Kunst, der Verwirrung der Jugend und der Last der Alter – in und um ein einzelnes mehrstöckiges Gebäude in Seoul.
17. „Herkunft“
Um die reale Geschichte zu dramatisieren, wie die Journalistin Isabel Wilkerson ihr Sachbuch „Caste“ schrieb, verbindet die Regisseurin Ava DuVernay mutig die Konturen eines Biopics mit dokumentarischen Aspekten der Recherche der Autorin.
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Das Leben von Priscilla Presley, das in der Jugend von Elvis‘ Aufmerksamkeit und im Erwachsenenalter von seiner Unaufmerksamkeit überschattet wurde, wird von Sofia Coppola als ergreifende Synekdoche für die Unterordnung von Frauen in der Kultur insgesamt dargestellt.
19. „Die Farbe Lila“
Der Regisseur Blitz Bazawule nähert sich mit seinem zweiten Spielfilm dem Broadway-Glanz des Bühnenmusicals mit stilvoller Inspiration und liefert von seiner hervorragenden Besetzung herzhafte, überschwängliche und geerdete Darbietungen.
Der Dokumentarfilm von Claire Simon, der in der gynäkologischen Abteilung eines französischen Krankenhauses spielt, untersucht ein breites Spektrum an gesundheitlichen und geschlechtsbezogenen Anliegen von Frauen, darunter Abtreibung und Geschlechtsbestätigung, und wirft einen genauen Blick auf die invasiven Feinheiten der Medizintechnik – ebenso wie die des Filmemachers eigene Behandlung dort wegen einer schweren Erkrankung. ♦