Am 1. Dezember haben das British Film Institute und Bild und Ton gab die Ergebnisse ihrer alle zehn Jahre stattfindenden Umfrage „Greatest Films of All Time“ bekannt – ein wichtiges Ereignis für Cineasten. Ganz oben: „Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles.“ Es war ein langer Weg – wenn Ladbrokes das getan hätte Bild und Ton Wahrscheinlich hätte es „2001: A Space Odyssey“ oder „Tokyo Story“ oder den Champion des letzten Jahrzehnts, „Vertigo“, auf dem ersten Platz vorhergesagt. Die verstorbene Chantal Akerman, die belgische Regisseurin von „Jeanne Dielman“, ist die erste Filmemacherin, die jemals geknackt hat Bild und Ton Top Ten; Akerman war gerade 24 Jahre alt, als der Film 1975 in Cannes uraufgeführt wurde. Es ist ein rigoroser, kompromissloser Film, fast dreieinhalb Stunden lang, der drei Tage im Leben der im Titel genannten verwitweten alleinerziehenden Mutter darstellt ( gespielt von Delphine Seyrig) und konzentrierte sich unermüdlich auf die häuslichen Aufgaben, die ihre wachen Stunden einnehmen: das Kochen und Putzen, das Wischen und Glätten und Schrubben. Jeanne ist auch Sexarbeiterin und beherbergt jeden Tag am späten Nachmittag einen Kunden, obwohl diese Aufträge – im Gegensatz zu den anderen mühsamen Arbeiten, die sie verrichtet – größtenteils unsichtbar sind. Das Bild und Ton Tabellen sind eine bemerkenswerte Wendung der Ereignisse, die einen Konsens darstellen, dass einer der Spitzenfilme, die jemals in einer überwiegend von Männern dominierten Kunstform produziert wurden, von einer jungen Frau mit einer hauptsächlich aus Frauen bestehenden Crew mit einer Frau mittleren Alters gedreht wurde. über Frauenarbeit.
Der quasi volkstümliche Triumph von „Jeanne Dielman“ (Bild und Ton Umfrage, die auf Stimmzetteln von mehr als sechzehnhundert Kritikern, Akademikern und Filmprogrammierern beruhte) ist überraschend, ermutigend und sogar humorvoll. (Das Bild der eher Marvel-orientierten Ecken von Film Twitter, die die Umfrageergebnisse des Wochenendes sehen und „Jeanne Dielman“ auf ihren Laptops aufdrehen, erinnert fröhlich an die Folge von „Die Simpsons“, in der eine aufgeregte kleine Bande von Jungen der vierten Klasse zu sehen ist Hatch plant, sich in einen R-Rated-Film zu schleichen und dabei „Barton Fink! Barton Fink!“ zu rufen). „Jeanne Dielman“ ist sein persönlicher Favorit und „ein bahnbrechender Film“, sein Schockauftritt auf Platz 1 „macht ihm keinen Gefallen“ und mutiert Akermans Leistung zu „einem Meilenstein verzerrter, aufgeweckter Neubewertung“. Schrader schrieb: „Es fühlt sich schlecht an, als hätte jemand den Daumen auf die Waage gelegt. Was ich vermute, haben sie getan.“
Es scheint außer Zweifel zu stehen, dass die feministische (oder „erwachte“, schätze ich) Politik, die „Jeanne Dielman“ zugeschrieben wird, Teil dessen ist, warum sie gewonnen hat, und Teil ihres monumentalen Ruhms. Es erschien im selben Jahr wie Laura Mulveys wegweisender Essay „Visual Pleasure and Narrative Cinema“, der den kontrollierenden „männlichen Blick“ der Filme definierte und die Linse, durch die Generationen von Kinobesuchern und Regisseuren Frauen auf der Leinwand sahen, nachhaltig veränderte. Dass „Jeanne Dielman“ den ultimativen Männerblick-Film des ultimativen Männerblick-Regisseurs – Alfred Hitchcocks „Vertigo“ – von der Spitzenposition verdrängt hat, mag einem Anti-Wake-Verschwörungstheoretiker wie Schrader zu aufdringlich erscheinen. Aber der kritische Ruf des Films ist kein Post-#MeToo-Phänomen; es ist seit Jahrzehnten auf dem Vormarsch. (Akermans Film „News from Home“ von 1976, der sich auf Briefe ihrer Mutter an Akerman stützt, ist ebenfalls entstanden Bild und Ton Liste.) 1976 schrieb der Kritiker Louis Marcorelles in Le Monde, hielt „Jeanne Dielman“ für „das erste Meisterwerk des Weiblichen in der Geschichte des Kinos“. J. Hoberman nannte es „eines der wichtigsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts“, „ein einzigartiges Spektakel sowie eine starke Aussage über die zugewiesenen Rollen und den zugewiesenen Raum von Frauen“. Mein Kollege Richard Brody bejubelte es als eine „Tour de Force der filmischen Moderne“, eine, die „Zeit auf die Leinwand bringt, wie sie noch nie zuvor gesehen wurde“. Der Film hat die Arbeit von Regisseuren wie Todd Haynes, Gus Van Sant und Céline Sciamma eindeutig beeinflusst sagte dass Akerman „einer der wichtigsten Filmemacher in der Geschichte des Kinos“ ist. Jeanne Dielman selbst, verkörpert durch die unglaublich elegante Seyrig, ist ebenso sinnbildlich wie Maya Deren in „Meshes of the Afternoon“ oder Seyrig selbst in „Last Year at Marienbad“, einer bestimmten Art von langsamem, obskurem, anspruchsvollem Arthouse oder Avantgarde-Kino; in den letzten Jahren ist Jeanne sogar denkwürdig geworden. Es sei denn, es gibt einen Schwarm Akerman-Fanatiker Bild und Ton Wer die Abstimmung festlegte, der Aufstieg des Films in der Rangliste (2012 war er sechsunddreißig) ist einer breiteren Filmkultur zuzuschreiben, die mit den langjährigen Ansichten von Hardcore-Cinéasten gleichzieht, sowie einer allgemeinen und willkommenen Erweiterung der Kategorien menschlicher Erfahrung, Arbeit und Verhalten, die einer künstlerischen Behandlung würdig sind.
Die Nachricht vom Triumph von „Jeanne Dielman“ war, kurz gesagt, erfreulich. „Jeanne Dielman“ selbst ist nicht angenehm, oder zumindest nicht in einem offensichtlichen oder einfachen Sinne. Die Stärke des Films beruht zu einem erheblichen Teil auf seiner Sparsamkeit, Geduld und extremen Disziplin. Jede Szene besteht aus einer einzelnen, festen Einstellung, die etwas niedriger als die Norm platziert ist. (Akerman war 1,50 m groß und richtete ihre Aufnahmen entsprechend ein.) Die Kamera bewegt sich nicht; es gibt keine Reaktionsaufnahmen und keine Nahaufnahmen. Seyrig ist fast jede Minute auf dem Bildschirm zu sehen und erledigt normalerweise in Echtzeit eine alltägliche Aufgabe: Geschirr spülen, ein Bett machen, Kartoffeln schälen. (So wie ich nie Knoblauch hacke, ohne an Paul Sorvino in „Goodfellas“ zu denken, schäle ich nie eine Kartoffel, ohne an Seyrig in „Jeanne Dielman“ zu denken.) Mehr als vier Minuten werden damit ausgefüllt, dass Jeanne ein Bad nimmt und dann die Wanne ausschrubbt . Weit über fünf Minuten vergehen, während Jeanne und ihr halbwüchsiger Sohn Sylvain schweigend ein Abendessen mit Suppe, Schmorbraten und Kartoffeln essen. Gelegentlich verlässt Jeanne ihre Wohnung, um eine Rechnung zu bezahlen oder ein bisschen einzukaufen. Sie liest einen Brief von einer Tante; sie plaudert mit diesem und jenem Nachbarn. Es gibt keine Partitur, nur ein bisschen Radio am Abend.
Im Laufe der Minuten und Stunden belohnt Akerman die Aufmerksamkeit des Betrachters, indem er sie neu kalibriert. Es ist jetzt auf die Risse eingestellt, die im Gitterwerk von Jeannes reglementiertem Tag zu erscheinen beginnen: ein verpasster Knopf, eine verirrte Haarsträhne. Sie lässt ein Utensil fallen; Sie vergisst, den Deckel der Terrine wieder aufzusetzen, in der sie das Geld aufbewahrt, das ihre Kunden ihr zahlen. Eintönige Routinen und banale Gesten gewinnen an Bedeutung; Die Umgebung und die Aufgaben bleiben gleich, doch ein unsichtbares Gas der Besorgnis, dann der Angst, durchdringt die Szene. (Diese Angst kommt in der vorletzten Einstellung des Films zum Tragen.) Seyrig, die königlich und glamourös wirkt, selbst wenn sie in einen meerschaumgrünen Hausmantel gekleidet ist, hat ein erstaunlich ausdrucksstarkes und offenes Gesicht, das geheimnisvolle Tiefen von Emotionen vermittelt und Erfahrung in scheinbarer Ruhe. Sie repräsentiert auch eine brillante Leistung absichtlicher Fehlbesetzung. „Sie war überhaupt nicht diese Figur – sie war genau das Richtige Grand Dame“, sagte Akerman 2009 in einem Interview mit Criterion. Aber wenn Jeanne Dielman nicht das Aussehen und die Haltung eines Filmstars hätte, erklärte der Regisseur, „wir würden es nicht tun sehen die Person, genauso wie Männer ihre Frauen nicht beim Abwasch sehen.“ Akerman beabsichtigte, sagte sie, „all diesen Aktionen ein filmisches Leben zu verleihen“, die normalerweise abgewertet werden. Indem sie einen wunderschönen, anziehenden Star für eine triste, sich wiederholende Rolle besetzt, macht Akerman ein Zugeständnis an konventionelle Filmerwartungen, auch wenn sie sich ihnen widersetzt. (Eine ähnliche Ja-aber-Nein-Dynamik ist im Eros-und-Thanatos-Höhepunkt des Films am Werk.)
„Jeanne Dielman“ ist Akermans Hommage an ihre Mutter, an ihre unzähligen Stunden der Fürsorge und unter der Oberfläche an die religiösen Rituale von Akermans polnisch-jüdischer Familie, von denen viele im Holocaust ermordet wurden. (Akermans Mutter überlebte Auschwitz, die Eltern ihrer Mutter nicht.) In dem praktizierenden jüdischen Haus von Akermans Großvater väterlicherseits wurde „jede Aktivität des Tages ritualisiert“, eine Disziplin, die „Angst in Schach hält und eine Art Frieden bringt“, so Akerman sagte Criterion. Ihre Mutter, schlug sie vor, suchte die gleichen stabilisierenden Rhythmen bei der Hausarbeit. In Anbetracht dieses biografischen Kontexts werden sogar die einfachen Abendessen, die Jeanne für Sylvain zubereitet, mit schrecklicher Geschichte und Erinnerungen belastet. (Akerman sagte dem Jüdische Chronik 2008, dass ihre Mutter, nachdem sie Hunger erlitten hatte, sich ständig Sorgen machte, dass die junge Chantal nicht genug aß.) In „Jeanne Dielman“ bleibt unklar, ob die Wiederholung und Routine in Jeannes Leben ihren Verstand untergraben, oder ob es eher das ist Gleichschrittstruktur ihrer Tage, die dunklere Gedanken und Impulse abwehrt.
Das Erlebnis, „Jeanne Dielman“ zu sehen, ist auf eine bisweilen fast überwältigende Weise multisensorisch; sitzen Sie lange genug mit einer Frau zusammen, während sie eine Wanne scheuert, und Sie könnten anfangen, den Ajax zu riechen. Jeanne, immer sparsam, schaltet das Licht ein und aus, wenn sie die wenigen Zimmer ihrer beengten Wohnung betritt und verlässt, und mit der Zeit nimmt diese An-Aus-Routine einen Rhythmus an, eine musikalische Synkope. Das Klappern von Jeannes Absätzen auf dem Boden, das Klirren ihres Bestecks, das Klackern –fwp wenn Jeanne den Deckel der Terrine aufsetzt – diese Geräusche entwickeln eine Textur, a Ding-ness, die den Betrachter auf unheimliche Weise in einen greifbaren dreidimensionalen Raum versetzt. Es ist ein Film, den man noch lange nach seinem Ende verstoffwechselt: Ich habe ihn mir auf meinem Laptop noch einmal angesehen, nachdem die Umfrageergebnisse bekannt gegeben worden waren, und später, als ich das Abendessen zubereitete, war ich ungewöhnlich interessiert am Klang des Messers, als es auf das Schneidebrett traf , die präzise Choreografie des Geschirrtuchs, das über die Arbeitsplatte wirbelt. Eine spätere Szene in „Jeanne Dielman“, in der Jeanne wiederholt einen rohen Hackbraten faltet und glättet, faltet und glättet, faltet und glättet, wirkt besonders ausgedehnt, die quetschen-quetschen Geräusch von eiigem Hackfleisch, das in eine besonders empfindliche Stelle im menschlichen Gehörgang sickert. Und eine Szene kurz vor dem Ende, in der Jeanne versehentlich ein Kleinkind verärgert und dann das schreiende Kind quält, ist direkt aus einem Horrorfilm.