Wie jeder Rave hörte ich es, bevor ich es sah. Das dicke Knurren des Basses erschreckte mich sogar ein wenig. Ich betrat den Keller der alten Nabisco-Fabrik, in der sich heute das Dia Beacon Museum im New Yorker Hudson Valley befindet, und schwamm in Bässen und Dunkelheit. Nach ein oder zwei Minuten erwachten Neonlichter in den hintersten Ecken des Raumes und legten einen Raum frei, der ungefähr die Größe eines Fußballfeldes hatte. In der Mitte des Raumes war ein weißes X auf den Boden gemalt. Lautsprecher hingen von der Decke über dem X, bereit, Musik zu rülpsen. Weitere Lautsprecher säumten die Wände. Abgesehen von den Lichtern und Lautsprechern war der riesige Raum leer.
Ambient-Bass erstarrte zu einem Beat. Die Lichter wechselten die Farbe, von weiß über blau zu grün. Die Strecke schwoll an. Synths schrien auf, wurden breiter, vertieften sich. Die Lichter wurden rot und begannen zu blinken. Kurz bevor das Gleis abbrach, öffneten sich an einer Seite des Raumes Rollläden, und blendendes Tageslicht strömte herein. Es war noch mitten am Nachmittag, aber es hätte genauso gut der Sonnenaufgang nach einer Nacht sein können.
Die Musik wurde überschallend, als die Fensterläden geschlossen wurden. Licht umhüllte das X in der Mitte des Raumes. Meine Mitschauer standen abwechselnd unter dem Licht und absorbierten, was die Deckenlautsprecher auf die Stelle schossen. Wir sahen alle aus, als wären wir im Traktorstrahl eines außerirdischen Raumschiffs gefangen. Plötzlich ging das Licht aus und wir schwammen wieder in der Dunkelheit. Augenblicke später signalisierte das Gurgeln des Basses, dass der Zyklus von neuem begann.
Ich blieb den gesamten nächsten Zyklus und staunte darüber, wie akribisch der Bogen der Erfahrung geplant war. Danach blieb ich noch einen Zyklus. Dann zwang ich mich endlich zu gehen.
Ich hatte noch nie eine unvergesslichere Stunde in einem Kunstmuseum. Die Erfahrung war klanglich und visuell ein Festmachen. Wer auch immer diese Erfahrung geschaffen hat, hat mich in eine andere Dimension versetzt. Wer mir das angetan hat, war ein Genie.
Der Name dieses Genies ist Carl Craig, einer der vielseitigsten und visionärsten Musiker der Welt.
Installationsansicht von Carl Craig’s Party/After-Party. (Foto von Bill Jacobson / Dia Beacon)
Craig wurde 1969 als sohn einer lehrerassistentin und einer büroangestellten geboren. Er verliebte sich in das Musizieren, während er als Kind Radio hörte und etwas über die Motown Records von Diana Ross und den Supremes, Stevie Wonder und Smokey Robinson lernte; der bahnbrechende Jazz von Ornette Coleman, Miles Davis, Herbie Hancock und Donald Byrd; die synthetische Coolness von George Clinton und Parliament Funkadelic. In der High School begann er, von seiner Radioausbildung zu profitieren, um Musik zu produzieren und auf DJ-Partys zu gehen. Nach seinem Abschluss begann er sich als Musiker ernst zu nehmen, dessen Identität von der industriellen Mechanisierung seiner Heimatstadt Detroit geprägt war.
„Als ich ungefähr 19 war, habe ich angefangen, in einem Copyshop zu arbeiten“, sagte Craig dem britischen Magazin Das Arts Desk 2011, „und der konstante Rhythmus der Maschinen dort hat mich beeinflusst…. Eine meiner Aufgaben bestand darin, zu heften, oder wir würden es ‘heften’ nennen, also musste ich die Gegenstände herausnehmen, nachdem sie sortiert waren, sie quadratisch stapeln, sie unter einen Hefter legen, auf den Boden schlagen, und lege es zur Seite. Die Maschine würde also ‘Wsh-sh-sh-sh-sh fwoofff! Wsh-sh-sh-sh-sh fwoofff!’ und es läuft die ganze Zeit so, und du fängst an, in diese Sache einzusteigen.“
Craig versuchte, mit seiner Musik den tranceartigen Zustand zu reproduzieren, den er im Bann des Tackers empfand, und es gab keinen besseren Ort dafür als das Detroit der 1980er Jahre. Die Globalisierung hatte Tausende von Fabrikarbeitsplätzen nach Übersee exportiert und einen Friedhof historischer Bürogebäude, Fabriken und Konzertsäle hinterlassen. Musiker mit Craigs Wissen über Detroits reiche Musikgeschichte begannen, mit experimentellen elektronischen Instrumenten Songs zu schreiben und Partys in den verfallenen, verlassenen Gebäuden der Stadt zu veranstalten. Derrick May, Juan Atkins und Kevin Saunderson (allgemein bekannt als Belleville Three nach ihrer gemeinsamen Heimatstadt Belleville, Michigan) waren Pioniere dieser Bewegung und gründeten im Sommer 1988 den legendären Club The Music Institute die Nation und die Welt, um im Institut von Mitternacht bis Sonnenaufgang zu den industriellen, futuristischen Klängen dessen zu tanzen, was wir heute Techno nennen.
Craig war nach den Belleville Three, die als die zweite Welle des Detroit-Techno bekannt wurden, einer der hellsten Stars der Generation. Er wuchs in der Nähe von Derrick May auf, und die beiden verbrachten Stunden in Mays Wohnung und experimentierten mit Drum-Machines, Synthesizern und Mixern. Craig produzierte seine erste Single „Elements“ in Mays Wohnung mit Mays Equipment. „Elements“ wurde 1989 veröffentlicht und erinnert an die 8-Bit-Sounds der frühen elektronischen Musik und erinnert an hoch taillierte Hosen und Kathodenstrahlröhren-Bildschirme.
Obwohl er als Produzent von Detroit Techno begann, war Craigs Karriere in den letzten 30 Jahren von seiner Weitläufigkeit geprägt: Er arbeitet unter der Ägide jedes Genres, das seine Neugierde im Moment weckt, solange es ihm erlaubt, das Ziel zu erreichen eine besondere Atmosphäre schaffen. Er hat Ambient Electro gemacht (Landcruising, 1995), karibisch beeinflusster Dubstep im britischen Stil (Die geheimen Bänder von Dr. Eich, 1996), psychedelischer Neo-Soul (Mehr Songs über Essen und revolutionäre Kunst, 1997), Proto-Drum und Bass („Bug in the Bass Bin“, 1999) und Club-Techno (Einheit mit Green Velvet, 2015). Er hat sich sogar in den europäischen Klassikkreis verstrickt – 2006 führte er mit dem Les Siècles Orchestra in der La Cité de la Musique in Paris eine umfassende orchestrale Neuinterpretation seiner Kompositionen mit dem klassischen Pianisten Francesco Tristano unter der Leitung von François Xavier auf. Roth, die als Schallplatte namens . veröffentlicht wurde Gegen 2017, und später arbeitete er mit dem deutschen Produzenten und Schlagzeuger Moritz Von Oswald zusammen, um Techno-Remixe von Modest Mussorgskys Bilder einer Ausstellung und Maurice Ravels Bolero, das sie als Album mit dem Titel veröffentlichten Neu zusammengestellt bei Deutsche Grammophon, dem ältesten Plattenlabel der Welt.
Unabhängig davon, in welchem Genre er arbeitet, konzentriert sich Craigs Musik auf die grundlegenden Prinzipien der Detroit-Techno-Bewegung: schöne, futuristische Kunst zu schaffen, die ein Gefühl von Ort hervorruft und den Geist der Rebellion besitzt. Craigs sich ständig verändernde musikalische Identität spiegelt sich sogar in seinen verschiedenen Decknamen wider: Er hat unter anderem als Carl Craig, Paperclip People, Innerzone Orchestra, Psyche, BFC, 69, C2 und Tres Demented produziert. Auf seine facettenreiche musikalische Identität angesprochen, erklärte er: „Ich lese in einem Buch mit dem Titel Raum ist der Ort dass Sun Ra sich selbst so nannte, weil er den mentalen Fesseln der Sklaverei entkommen war, und das ist in der afroamerikanischen Bevölkerung üblich, dass sie Decknamen haben und sich in irgendeiner Weise ändern möchten, und dass Menschen ihre Namen ändern…. Die Wurzel davon machte für mich Sinn.“
Craigs Karriere und die Detroit-Techno-Bewegung im weiteren Sinne vertritt den Geist eines umfassenderen Phänomens namens Afrofuturismus – ein Begriff, der die Schnittmenge von schwarzer diasporischer Kultur und Technologie bezeichnet, einer Kategorie, zu der Detroit Techno unbestreitbar gehört, neben anderen Bewegungen in der Musik, dem Film , Literatur und bildende Kunst. Craig, May und andere Detroiter Techno-Legenden traten in der Kult-Essay-Dokumentation des Filmemachers John Akomfrah auf Der letzte Engel der Geschichte, zusammen mit den literarischen Afrofuturisten Samuel R. Delany, Ishmael Reed und Octavia Butler, den Kritikern Kowdwo Eshun und Dery und dem Astronauten Bernard A. Harris Jr., der erklärt, dass sein lebenslanger Traum von Reisen in den Weltraum mit seiner Kindheit begann began Fandom von George Clinton. All diese Menschen haben sich von Technologie angezogen, um sich von den Erwartungen und dem Druck zu befreien, die mit der Erfahrung der Schwarzen verbunden sind. Jeder Aspekt ihrer verschiedenen Persönlichkeiten – von ihren Namen über ihre Kleidung bis hin zu der Art und Weise, wie sie mit der von ihnen geschaffenen Kunst gesprochen haben – verortet Schwarzheit, aber Schwarzheit aus einer anderen Welt, einem Paralleluniversum, tausend Jahre in der Zukunft. Craigs Installation im Dia Beacon stellt eine Fortführung dieses Vermächtnisses dar und bringt seinen Sinn für diese Parallelwelt in einen konkreten Raum – eine Clubnacht, die auf Dauer andauert.
PArty/Afterparty, wie Craigs Installation heißt, ist auch seine bisher einzigartigste Komposition. Die Installation zeugt zwar von der Institution des Raving, integriert aber auch die dunklen Schattenseiten von Craigs Karriere. Er sagte Interviewern für beide Dokumentenjournal und BOMBE dass der letzte Teil der Erfahrung eine Simulation seiner Kämpfe mit Tinnitus sein soll. Nach Jahrzehnten des Produzierens, Spielens und Hörens elektronischer Musik verspürt er oft ein schmerzhaftes Klingeln in den Ohren, für das es keine Heilung gibt. Jahrzehnte in solchen Räumen können nicht nur zu Freiheit führen, sondern auch zu Schmerzen, die er jedem Teilnehmer zu vermitteln versucht.
Ebenso berührend sind die unbeabsichtigten Resonanzen der Erfahrung und ihre erschreckende Konfrontation mit den Auswirkungen der Pandemie auf das gemeinschaftliche Zusammensein. In den Momenten, in denen Craigs Partitur zu einem tanzbaren Beat wurde, bewegten sich fast alle Leute im Raum instinktiv dazu, ertappten sich dann aber selbst dabei und sahen sich um, um zu sehen, ob andere dasselbe taten. Das Gefühl des Unbehagens erinnerte uns alle daran, wie lange es her war, dass wir bei einem Live-Musik-Event oder Konzert jeglicher Art getanzt hatten, geschweige denn bei einem Rave. Mir kamen Zukunftsvisionen: derselbe Raum, in dem ich stand, aber jetzt vollgepackt mit Hunderten maskenloser Menschen, die zu Craigs Musik tanzen. Der Gedanke machte mich traurig. Die potenzielle kollektive Erfahrung der Installation war ein weiteres Opfer der Pandemie.
Und doch, als ich die 10 oder 15 maskierten Leute beobachtete, die versuchten, nicht zur Musik von Carl Craig in einer massiven Simulation der Art von Rave zu tanzen, wie man sie 1992 in Detroit finden könnte, kam mir der Gedanke, dass dies genau die Zukunft war, die Craig träumte davon, wann er seine Musik machte. Seine Werke waren schon immer schöne neue Welten voller Hoffnung, Angst, Chaos und wundersamer Maschinen – Maschinen mit der Fähigkeit, Gutes zu erschaffen, Liebe, Schönheit und Güte zu mobilisieren und zu inspirieren. In diesem Moment wurde mir klar, dass ich in einem von Carl Craigs Träumen lebte.