In Kylie Mannings Gemälden wirbeln Figuren herum und tauchen aus weiten Landschaften auf. Die wandfüllenden Stücke können eine körperliche Reaktion hervorrufen, ähnlich dem Blick über das Geländer einer Brücke über einen Fluss. Bei einem kürzlichen Besuch im Atelier des Künstlers in Ridgewood, Queens, kam die Beständigkeit in Form von Tee und Snacks: Manning, 39, trug einen mit Farbe bespritzten grünen Overall mit schwarzen Crocs und hatte Dulce de Leche-Fudge aus der Bodega am Ende des Hauses ausgebreitet Straße, zusammen mit Schokolade, die sie aus Genf mitgebracht hatte, wo sie gerade ihre neueste Einzelausstellung im Schweizer Außenposten der Pace Gallery gezeigt hatte.
In „Archipelago“ (2023), einem der in der Schweiz ausgestellten Werke, fallen inmitten von Weiß- und Rosttönen sofort zwei Gesichter auf, als würden sie aus schneebedeckter Erde aufsteigen. Aber der Rest erscheint weniger klar: Gibt es zwischen den ersten beiden eine dritte Figur mit Kopf in Händen? Gibt es einen Vierten, der den Bauch eines anderen umarmt? Mannings Figuren sind nicht geschlechtsspezifisch und sie möchte, dass die Zuschauer die Themen und Schauplätze auf ihre eigene Weise interpretieren. „Es geht darum, Zeit mit ihnen zu verbringen und sie wie ein Lied für einen zu entfalten“, sagt sie. Normalerweise verbringt ein Betrachter nur wenige Minuten mit einem Gemälde. Deshalb freut sich Manning, dass das Publikum im David H. Koch Theater im Lincoln Center ab dem 4. Mai etwa eine halbe Stunde lang ihre Werke bestaunen kann – als Teil des neuen Stücks des Choreografen Christopher Wheeldon für das New York City Ballet Frühlingsgala.
Letzten Herbst besuchte der 50-jährige Wheeldon Mannings Gemälde in Paces Galerie in Los Angeles und war beeindruckt „von ihrem Sinn für Maßstab und Bewegung und dem turbulenten Einsatz von Farbe und Form“, sagt er. „Wenn man vor den Gemälden steht, nehmen die Figuren auf sehr choreografische Weise Gestalt an.“ Das Paar hat eine gemeinsame Freundin, die mit Manning in Juneau, Alaska, aufgewachsen ist, obwohl sie Teile ihrer Kindheit in San Blas und Sayulita, Mexiko, verbracht hat. Während sie ihren MFA an der New York Academy of Art machte, besaß sie eine Kapitänslizenz zum Führen von kommerziellen 500-Tonnen-Fischerbooten in internationalen Gewässern und verbrachte die Sommer damit, Lachse an der Pazifikküste zu fangen; Ihre ständige Wertschätzung für ferne Horizonte und tosende Wellen kommt in ihren Kompositionen zum Ausdruck.
Zurück in New York besuchte Wheeldon Mannings Studio und sie sprachen über Joni Mitchells „Both Sides Now“ (1966), eine gemeinsame Obsession. Wheeldon, der sieben Jahre lang als Hauschoreograf des City Ballet tätig war und nun auch Broadway-Shows choreografiert und inszeniert, verwendete das Lied für sein Stück „The Two of Us“ aus dem Jahr 2020; Mannings Show in Los Angeles erhielt ihren Titel vom Titel. „Für einen Choreografen des klassischen Balletts und einen Maler fühlte es sich seltsam und seltsam an, sich auf dasselbe Lied zu konzentrieren“, sagt Manning. Wheeldon schlug bald eine Zusammenarbeit vor und betonte, dass er nicht nur nach Kulissen suchte, sondern stattdessen „einen Tanz in ihrer Welt formen“ wollte. Er schickte Manning ein Musikstück, über das er nachgedacht hatte, die „Verklärte Nacht“ des österreichisch-amerikanischen Komponisten Arnold Schönberg aus dem Jahr 1899, das zu ihrem Soundtrack wurde, als sie die beiden Werke malte, die letztendlich Wheeldons neuestes Werk inspirieren sollten tanzen.
„Verklärte Nacht“ basiert auf dem gleichnamigen Gedicht von Richard Dehmel aus dem Jahr 1896, in dem eine Frau bei einem Spaziergang unter dem Mond einem Mann gesteht, dass sie schwanger ist, aber nicht mit seinem Baby. Der Mann, scheinbar von der Schönheit der Natur um ihn herum beeinflusst, sagt schließlich, dass er das Baby als sein eigenes akzeptieren wird. Einige der Texte klingen mittlerweile veraltet, aber ihre Themen fanden bei Manning, der derzeit schwanger ist, dennoch Anklang. „Ich habe große Angst vor der Stigmatisierung der Kunstwelt [around pregnancy] und ein Gedicht zu lesen, in dem es um die Komplikationen und die Angst geht, den Leuten zu sagen, dass man schwanger ist [felt] Wahnsinn“, sagt sie – ein weiteres Zeichen dafür, dass sie das richtige Projekt verfolgte.
Ungewöhnlich für Manning sind die Werke, die sie für das Ballett geschaffen hat, figurlose Landschaften – die Tänzer werden an die Stelle von Pinselstrichen treten, die sich zu Körpern zusammenfügen. Ein neues Gemälde, „You Into Me, Me Into You“, erstrahlt in luftigen Strichen aus Türkis, Rosa und Orange, während das andere, „Pareidolia“, in dunklem Waldgrün und Violettblau gehalten ist und „dem Betrachter hoffentlich einen besonderen Eindruck vermittelt.“ „Erinnerung daran, wie sie sich im Morgengrauen oder in der Abenddämmerung befanden“, sagt Manning.
Choreografen arbeiten seit langem mit bildenden Künstlern zusammen: Pablo Picasso entwarf die andalusischen Bühnenbilder und Kostüme für „Le Tricorne“ des russischen Choreografen Léonide Massine, das 1919 in London uraufgeführt wurde (der von ihm entworfene Vorhang ist in der New-York Historical Society zu sehen). während Robert Mapplethorpe ein Bühnenbild mit brennendem Feuer für „Portraits in Reflection“ der Choreografin Lucinda Childs aus dem Jahr 1986 schuf. Isamu Noguchi arbeitete bei mehr als 20 Tänzen mit der Choreografin Martha Graham zusammen; In „Cave of the Heart“, das 1947 in New York uraufgeführt wurde, schlüpft Graham in der Rolle der Zauberin irgendwann in ein „Spinnenkleid“ von Noguchi, aus dem Messingdrähte über ihre Schultern gekrümmt sind ihr Körper.
Obwohl sich Manning nicht direkt auf Noguchi bezog, möchte sie die Tänzer auf ähnliche Weise in ihre Arbeit einbeziehen – sie entwarf auch deren Kostüme, androgyne purpurrote Stretch-Netz-Ganzanzüge für Männer und Frauen. „Rot ist so stark, dass es vielleicht sogar gewalttätig ist“, sagt Manning. „Es geht nicht unbedingt um Blut oder ähnliches, sondern nur darum, dass es eine große Kraft hat, die ich den Tänzern geben wollte.“
Um die Bühne im Lincoln Center zu füllen, mussten Mannings zwei Gemälde etwa siebenmal größer sein, als es für ihr Werk üblich ist. Um Textur und Leuchtkraft zu erzeugen, trägt sie normalerweise Kaninchenhautleim auf Leinwände aus belgischem Leinen auf, bevor sie Farbe aufträgt. Für diese übergroßen Versionen, die 40 Fuß hoch und 60 Fuß breit sind, arbeitete die Künstlerin mit den Bühnenhintergrundmalern des Balletts unter der Leitung von Susan Jackson zusammen, um ihre Ästhetik mit Acrylfarbe und -farbe hervorzurufen – „einiges wurde aufgetragen und gegossen, anderes.“ Sachen wurden geworfen, einige Sachen wurden darüber gerollt“ – auf Stoffen unterschiedlicher Opazität (weißer Haifischzahngelege, natürlicher Musselin), die dann zusammengehängt und von vorne und hinten beleuchtet werden konnten, um die Intensität der Farben durchgehend zu verändern die Performance. Manning sagt, das Ziel sei nicht gewesen, ihre Malerei nachzuahmen, sondern „die Geschwindigkeit, die Bewegung und die Musikalität davon zu erfassen“. Wenn die Tänzer ihre Plätze einnehmen, schließen sie sich einem Strom an, der sich kräuselt und wirbelt und sich dabei immer wieder offenbart.