Der Krimi auf Französisch in „Die Nacht des 12.“

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Reiseführers in eine Welt des Einzig Guten Filme.

Diese Woche wurde Vidiots an seinem neuen Standort in Eagle Rock wiedereröffnet. Mit einem Theater und einer Videothek scheint der Veranstaltungsort eine wichtige Ergänzung der lokalen Filmszene zu sein. Ich habe hier alles darüber geschrieben.

Abel Ferrara in LA Die American Cinematheque eröffnet heute Abend eine 17 Filme umfassende Retrospektive des einzigartigen Filmemachers Abel Ferrara mit einem Doppelfeature seiner frühen Werke „Ms .45“ und „The Driller Killer“ sowie einer Livemusik für „Ms .45“ von Joe Delia . Zwischen den Filmen wird es ein Ferrara-Q&A geben. Die Serie umfasst außerdem einen Live-Score für „The Addiction“ sowie einen Auftritt von Ferraras Band Flyz. Während das in der Tat seltene Leckerbissen sind, könnte der eigentliche Höhepunkt der Serie der Doppelfilm „Bad Lieutenant“ und „Dangerous Game“ sein, der nur für echte Verrückte gilt, eine Destillation von Ferraras bestem, konfrontativen Stil mit dem Regisseur zugegen. Weitere Titel der Reihe sind „King of New York“, „Go Go Tales“ und Ferraras neuestes Werk „Padre Pio“.

Konzertfilme in der Akademie. Mit der Reihe „Sommer der Musik: Konzertfilme 1959–2020“ werden die Tonanlagen in den Theatern der Akademiemuseen auf die Probe gestellt. Jeder Titel ist sehenswert (insbesondere mit dem dröhnenden Soundsystem des David Geffen Theaters des Museums), insbesondere „Homecoming: A Film By Beyoncé“, „Sign O’ The Times“, „Depeche Mode 101“ und „The Cure in Orange“. „Soul Power“, „Amazing Grace“, „The Last Waltz“, „Songs for Drella“ und „The Beatles: Get Back – The Rooftop Concert“.

Koreanische Regisseurinnen. Das Academy Museum hat außerdem „A New Wave of K-Cinema: Korean Women Directors“ herausgebracht, einen zehn Filme umfassenden Blick darauf, wie zeitgenössische Filmemacherinnen auf Fragen der Geschlechter- und Klassenpolitik, häuslicher Gewalt und der Bedingungen des modernen Lebens reagieren. Zu den Titeln gehören „Little Forest“, „Lucky Chan-sil“, „Take Care of My Cat“ und „Paju“. Zu den geplanten Gästen der Serie zählen Regisseur Yim Soon-rye, Regisseur Kim Cho-hee, Regisseur Jung July und Schauspieler Kim Si-eun.

„Die Nacht des 12.“

„Die Nacht des 12.“ kündigt gleich zu Beginn mit einer Titelkarte an, dass das zentrale Verbrechen unaufgeklärt bleiben wird, und ist kein typisches Polizeiverfahren. Der von Dominik Moll mitgeschriebene Film gewann sechs Preise bei den französischen César Awards, darunter den besten Film und die beste Regie, für seine Auseinandersetzung mit dem schockierenden Mord an einer jungen Frau namens Clara (Lula Cotton Frapier) in einer Kleinstadt. Der Film ist jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Justin Chang: „Selbst der erfahrene Krimi-Fan wird hier nicht nur an das Trauma des Mordes erinnert, sondern auch an seine invasive, zerstörerische Kraft, die Art und Weise, wie er selbst oberflächliche Geheimnisse ans Licht bringt und die Polizei in jemanden verwandelt.“ Professionelle Wäscheständer für schmutzige Wäsche. Was aus diesem speziellen Fall hervorgeht, ist eine umfassende Studie über kollektive Frauenfeindlichkeit – die Art freischwebender Verachtung für Frauen, die sowohl in Claras kleiner Heimatstadt als auch in dieser Institution vorgeblicher Recht und Ordnung herrscht.“

Für die New York Times schrieb Nicolas Rapold: „Trotz aller besten Absichten gelingt es manchmal einfach nicht, einen Fall zu knacken, und der Film (basierend auf einem Sachbuch von Pauline Guéna) vermeidet sachlich das Magische.“ Ich denke, wir haben jahrzehntelang von Macho-Kriminalitätsbekämpfungsgarnen aufgesogen. Vielmehr geht es darum, mit langfristigen Frustrationen und Misserfolgen in Zeitlupe umzugehen – etwas, das leider eher einer gemeinsamen Erfahrung ähnelt als Heldentum, das den Tag rettet.“

Für rogerebert.com schrieb Sheila O’Malley: „Der Fall offenbart Risse im Leben der Männer, die an der Lösung arbeiten. Die Männer, die an Claras Fall arbeiten, wollen ihn lösen. Sie arbeiten rund um die Uhr. Aber „etwas stimmt nicht“, in Ordnung. Dass Yohan so lange braucht, um diese Worte laut auszusprechen – und dass er es dann gegenüber einer Frau tut, die er gerade erst kennengelernt hat, und nicht gegenüber seinen männlichen Kollegen – ist nicht Teil des Problems. Das ist das Problem.“

Für Vulture schrieb Bilge Ebiri: „Filme wie ‚Zodiac‘ verwenden ihre Geschichten über frei herumlaufende Serienmörder – jahrzehntelange ungelöste Morde, vermutlich von derselben Person –, um ein unentwickeltes, wachsendes Gefühl des Bösen zu suggerieren, das Institutionen und menschliche Beziehungen korrumpiert.“ „Die Nacht des 12.“ ist bescheidener. Es geht nur um einen Mord. Was es jedoch so erschreckend macht, ist die Art und Weise, wie es dieses Verbrechen und das Fehlen einer Lösung mit einer zutiefst erkrankten sozialen Dynamik in Verbindung bringt. Wenn andere Filme dieser Art mit der beunruhigenden Vorstellung enden, dass der Mörder irgendjemand sein könnte, dann ist „Die Nacht der 12.“^Th‘ wagt die Vermutung, dass der Mörder in gewisser Weise wir alle sind.“

„Dalíland“

Regisseurin Mary Harron, zu deren Filmen „American Psycho“, „The Notorious Bettie Page“ und die Manson-Familiengeschichte „Charlie Says“ gehören, hatte schon immer einen scharfen Blick für alternative Kultur. Sie kehrt mit „Dalíland“ zurück, einem Blick auf das spätere Leben des Künstlers Salvador Dalí. Dalí wird von Ben Kingsley (und in Rückblenden von Ezra Miller) gespielt und streift mit seiner Frau Gala (Barbara Sukowa) durch das New York der frühen 70er Jahre, gesehen durch die Augen eines jungen Assistenten, James (Christopher Briney). Der Film ist jetzt im Kino.

Für den Tribune News Service schrieb Katie Walsh: „Man kann das Gute an ‚Dalíland‘, nämlich Gala und Dalí, gespielt von Sukowa und Kingsley, leicht als selbstverständlich ansehen.“ Sukowas Darstellung einer russischen Frau mit einer Vorliebe für Drama und die schönen Dinge des Lebens ist übertrieben, aber absolut zutreffend; Kingsley balanciert Herrschsucht und Verletzlichkeit wunderbar und mit einer Leichtigkeit, zu der nur er in der Lage zu sein scheint. In der wilden und verrückten Welt von Dalíland weiß man nie genau, was eine sorgfältig ausgearbeitete Darstellung einer Person ist und was real ist, was eine weitere Ebene der Vorstellungen von Ruhm und Identität in der Kunst darstellt, die etwas unerforscht bleibt.“

Jen Yamato sprach mit Briney, einem der Stars der Jugendserie „The Summer I Turned Pretty“, der in der Rolle des James sein Filmdebüt gab. Über die Rolle in „Dalíland“ sagte Briney: „Beobachter zu sein ist etwas, das ich als Mensch wirklich genieße – ein Beobachter zu sein, ein Konsument von Kunst.“ Der Filter zu sein, durch den die Leute Sir Ben und Dalí und seine Welt und Marys Film sehen können, war für mich das Aufregendste, der Versuch, der Weg in die Geschichte zu sein.“

Für die New York Times schrieb Manohla Dargis: „James ist auch nicht besonders interessant und es gibt zu viel von ihm im Film. Das ist nicht Brineys Schuld; Er ist angenehm anzusehen und schafft den Übergang vom Touristen zum zufälligen Dalí-Waldführer ganz gut. Es ist nur so, dass Dalí und Gala sofort und zu Recht die einzigen Charaktere sind, mit denen man Zeit verbringen möchte, sobald man sie entdeckt. Zum einen sind sie unterhaltsam, da sie sich längst in Rollen eingelebt haben, die ihr öffentliches Profil und ihre Öffentlichkeitsarbeit bereichern: Sie ist die geldgierige Domina, während er sich abwechselnd duckt, um ihre Aufmerksamkeit bettelt und sie in den Schatten stellt. Die Beziehung sorgt für Spannung und Mysterium, die die gut zusammenpassenden Kingsley und Sukowa durch Gargoyle-Masken und Schocks der Verletzlichkeit verkomplizieren.“

Für den New Yorker schrieb Richard Brody: „Der Film porträtiert Dalí nicht nur als Künstler, sondern als jemanden, der die Rolle eines Künstlers spielt – sich selbst spielt und seine eigene Figur in einen Star auf der Weltbühne verwandelt.“ Sein Auftritt ist kraftvoll und unerbittlich, und der Film erfordert einen Schauspieler von vergleichbarer Statur und Flair, um ihn auszufüllen: Ben Kingsley, der Dalí die Erhabenheit, die Grandiosität und die Großschwierigkeit, die majestätische Selbstbezogenheit und die funkelnde Freude an der Welt verleiht kalkulierte und selbstbewusste Wirksamkeit seiner eigenen Art und Manierismen. Kurz gesagt, Kingsley entfesselt die volle Kraft seiner Sternenkraft mit seltener Wirkung. Er vermittelt überzeugend die alles überwältigende Aura einer echten Berühmtheit, bricht über die Leinwand hinaus und verkörpert die historischen Dimensionen seiner Figur.“

Ben Kingsley und Barbara Sukowa in „Dalíland“.

(Magnolienbilder.)

„Das wütende schwarze Mädchen und ihr Monster“

„The Angry Black Girl and Her Monster“ wurde von Bomani J. Story in ihrem Spielfilmdebüt geschrieben und inszeniert und ist eine zeitgenössische Neuauflage von „Mary Shelleys Frankenstein“. Die frühreife, kluge Teenagerin Vicaria (Laya DeLeon Hayes) möchte den Tod heilen, nachdem ihre Mutter und ihr Bruder durch Gewalt verloren gegangen sind, und macht sich daher auf den Weg, ihren Bruder (Edem Atsu-Swanzy) wieder zum Leben zu erwecken. Der Film ist jetzt im Kino und auf VOD erhältlich.

Für The Times schrieb Sarah-Tai Black: „Während der Film seine Welt auf vielversprechende Weise inszeniert und Vicaria als willkommene Mittlerin in der Brutalität anbietet, die allzu oft schwarze Arbeiterklasse (insbesondere schwarze Jungen und Mädchen) erlebt, sind wir enden viel zu nahe dort, wo wir angefangen haben: eine verwundete Gemeinschaft, die trauert und versucht, im Gefolge des Massentodes der Schwarzen zu überleben. Es ist eine Geschichte, die so viel metamorphes und kathartisches Potenzial hat, so viel Freiheit, Vorstellungen von Leben und Tod neu zu denken, und die Möglichkeit, einen reparativen und spannenden Ansatz für beides zu präsentieren. Stattdessen begnügt sich „The Angry Black Girl and Her Monster“ mit einer Erzählweise in zwei Schritten vorwärts und einem Schritt zurück. Während (den meisten) denen, die Vicaria am Herzen liegen, die Fähigkeit zum Leben zurückgegeben wird, ist es zumindest für mich keine Rettung für die Grausamkeit auf der Leinwand, von der ein solcher Durchbruch abhing.“

Für die New York Times schrieb Kelli Weston: „Passend zu dieser Geschichte sollte sein erster Spielfilm eine Interpretation von Mary Shelleys Roman „Frankenstein“ aus dem Jahr 1818 sein, einem bekanntermaßen fließenden Text, der klassische Genre-Unterteilungen verweigert: Er galt auf einmal als Science-Fiction, Gothic-Horror und Frauenliteratur. Aber Shelleys Monster hatte schon immer eine rassistische Dimension, mit der sich nur wenige Gelehrte auseinanderzusetzen wagten. … Der Kampf des Kinos, das sich in irgendeiner materiellen Weise mit den sozialen Bedingungen des Lebens der Schwarzen beschäftigt, besteht also darin, dass es auch für den Massentod verantwortlich sein muss. Aber das Grauen im schwarzen Körper zu reparieren, ist eine heikle Angelegenheit, und „The Angry Black Girl“ stolpert genauso wie sein Vorfahre „Candyman“ (1992).“

Laya DeLeon Hayes im Film „The Angry Black Girl and Her Monster“.

(AllBlk/Shudder/RLJE Films)