Die Pandemie dauert an und die Verwirrung bleibt bestehen – und ich spreche nicht von der Omicron-Variante. Über Kunst im Jahr 2021 kann man nicht diskutieren, ohne NFTs zu erwähnen. Nicht fungible Token stürmten im März die Tore des zeitgenössischen Kunstbetriebs Beeple, das Nomen de Keyboard des Digitalkünstlers Mike Winkelmann, verkaufte bei Christie’s ein Krypto-Kunstwerk für mehr als neunundsechzig Millionen Dollar. Was das Kaliber von Beeples Kunst angeht, würde ich aufgrund meiner zugegebenermaßen oberflächlichen Betrachtung sagen, dass sie in seiner Instagram-Biografie treffend als „Kunstscheiße für dein Gesichtsloch“ beschrieben wird. Aber der Verkauf machte ihn nach Jeff Koons und David Hockney zum drittteuersten lebenden Künstler, so dass es für jeden Sammler, der einen NFT über sein Gesichtsloch schätzt, sicher einen Spekulanten gibt, der sein Portemonnaie fetten will. Ein Silberstreif am Horizont: Das Kunst-Establishment hat computerbasierte Kunst jahrzehntelang weitgehend ignoriert (genau weil ihre immaterielle Form es so schwer gemacht hat, Geld zu verdienen), und jetzt sind einige tief versierte Insider, darunter die Pace-Galerie, hereingestürzt, um die neues tokenbasiertes Medium. Leider mag der Hauptanreiz darin liegen, dass NFTs nicht nur einzigartige Kunstwerke sind, sondern auch Finanzinstrumente. Die Terminologie um sie herum ist bezeichnend: Ein Gemälde wird gemalt, aber ein NFT wird geprägt, wie Geld.
New Yorker Schriftsteller reflektieren die Höhen und Tiefen des Jahres.
Nicht alle finanzbezogenen Kunstnachrichten in diesem Jahr waren so verwirrend. In den letzten Wochen erhielten zwei New Yorker Museen vermächtnisverändernde Spenden im Wert von zusammen etwa zweieinhalb Beeples oder hundertfünfundsiebzig Millionen Dollar. In einem Moment, in dem Milliardäre zunehmend philanthropische Ressourcen in ihre eigenen privaten Museen und gemeinnützigen Organisationen stecken (zum Beispiel diesen Sommer, die MOMA Treuhänderin Lonti Ebers eröffnete in Brooklyn ein Ausstellungs- und Residenzgebäude im Wert von 40 Millionen Dollar), war es inspirierend zu erfahren, dass Oscar Tang, ein langjähriges Vorstandsmitglied von die Met, und seine Frau Agnes Hsu-Tang, eine Beraterin für Kulturerbepolitik, versprachen dem Museum unglaubliche hundertfünfundzwanzig Millionen Dollar für die seit langem ins Stocken geratene Renovierung seines modernen Flügels.
Auch die öffentliche Hand war in positiver Stimmung: Die Stadt New York investierte fünfzig Millionen Dollar in die Brooklyn-Museum. Die Mittel sind für Kapitalverbesserungen des McKim, Mead & White Beaux-Arts-Gebäudes, das seit 1897 das Zuhause der Institution ist, bestimmt. Es ist spannend zu sehen, wie Bill de Blasio nach seinem Ausscheiden aus dem Amt etwas richtig macht, der Person, der Anerkennung gebührt der Glücksfall ist die Direktorin des Museums, Anne Pasternak, die 2015 ohne vorherige Museumserfahrung eingestellt wurde. Ich hoffe nur, dass der Erfolg des Museums mit der Stadt Gutes für den Verhandlungsprozess der eigenen Mitarbeiter ist, die im August eine Gewerkschaft gründeten.
Ich bin an der Seite der Kuratoren, Installateure, Restauratoren, Redakteure, Pädagogen, Ticketkäufer, Wächter, Verwalter und so vieler anderer, deren Arbeit garantiert, dass Kunstwerke zum Wohle der Allgemeinheit erhalten bleiben und nicht verschwinden privaten Händen. Die Beziehung zwischen der Sammlerklasse und den Institutionen ist selbst eine Geschichte; 2021 ist der Finanzier Leon Black zurückgetreten MOMA‘s Vorstand, der sich Protesten über seine Verbindungen zu Jeffrey Epstein beugte, und die Met kündigte an, den Namen Sackler, der durch die Opioidkrise in Ungnade gefallen war, von den meisten seiner Mauern zu entfernen.
Aber so wichtig öffentliche Institutionen für das Leben der Stadt sind, New Yorks Galerien sind ihr Lebenselixier. Ignorieren Sie das epische Ausmaß an selbsternsthaftem Aufblähen, das in einigen Galerie-Statements zu finden ist, in denen jedes vor 2020 entstandene Stück als „historisch“ zu gelten scheint, und bedenken Sie, dass der Eintrittspreis für die Hunderte von Galerien der Stadt nur darauf besteht, aufzutauchen – und einen Impfausweis vorlegen. Unten sind einige der Räume, die ich in diesem Jahr in der Zeitschrift behandelt habe, alle unterhalb der Fourteenth Street – südlich des zunehmend korporatisierten Chelsea-Galerieviertels – in dieser sich verändernden Szene von Szenen, die als Downtown New York bekannt sind.
Vor vier Jahrzehnten entzündeten junge Künstler eine DIY-Szene in Alphabet City, wo das East Village auf die Avenues A, B und C trifft. Einer der Hot Spots war die FUN Gallery, wo Jean-Michel Basquiat 1982 ein Gemälde verkaufte, das tauchte dieses Jahr wieder in einer Tiffany-Werbung neben Beyoncé und Jay-Z auf. Die Kampagne brachte die Marke ins heiße Wasser, nachdem ein Sprecher vermutet hatte, dass Basquiat bei seiner Farbwahl von Tiffany Blue inspiriert worden sein könnte. In diesem Herbst versuchte ein neues Anti-Establishment-Unternehmen auf der Avenue C, den Spaß in den Galerien der Innenstadt zurückzubringen, während es gleichzeitig den Mittelfinger gegenüber den Jetsettern der Kunstmesse hebt, die darauf bestehen, Kunstwerke mit Luxusgütern zu verwechseln. Der nervöse Maler Jamian Juliano-Villani (selbst so etwas wie ein Marktliebling) engagierte den Künstler Billy Grant und die Musikerin Ruby Zarsky, um ihr beim Laufen zu helfen O’Flahertys, ein neues Clubhaus mit Kunstraum in der Avenue C. Wenn der Name eher nach einer Arbeiterbar klingt als nach einer Startrampe für den nächsten Blue-Chip-Künstler, ist das genau der Punkt. Die erste Show war ein wilder Ritt der respektlosen LA-Veteranin Kim Dingle, einer Bildhauerin, Malerin und Fotografin, die selbst einige denkwürdige Nebenbeschäftigungen hatte, darunter seit mehr als einem Jahrzehnt ein vegetarisches Restaurant außerhalb ihres Ateliers.