Smash Mouth ist schon lange, wie ihr Gitarrist Greg Camp einmal sagte, „eine Band, über die man sich lustig machen kann.“ Der Signature-Hit der Pop-Rock-Gruppe, „All Star“ aus dem Jahr 1999, kombiniert die Klänge von DJ-Scratchs, Glockenspiel und dem Rap eines weißen Kerls, dass er „nicht das schärfste Werkzeug im Schuppen“ sei. Aus modischer Sicht kleidete sich die Band eher für einen ausgefallenen Abend in der Bowlingbahn. Und über fast drei Jahrzehnte ist Smash Mouth unter anderem wegen des blähenden Cartoon-Ogers Shrek berühmt geblieben.
Aber die Zuneigung, die Smash Mouth hervorruft, ist ernst – das Ergebnis einer Musik, die so angenehm und seltsam zugleich ist, dass sie das Gehirn eines jungen Zuhörers neu vernetzen könnte. Tatsächlich lässt mich die traurige Nachricht vom Tod des ursprünglichen Frontmanns Steve Harwell im Alter von 56 Jahren fragen, ob das Album der Band aus dem Jahr 1999, Astro-Lounge, ist der Grund, warum ich Musikkritiker bin. Die meisten Menschen können auf Lieder verweisen, die ihnen in der frühen Jugend aufgefallen sind, als ihre Ohren noch beeinflussbar waren, ihr Interesse am Urteil anderer Menschen aber glücklicherweise noch unentwickelt war. Das zweite Album von Smash Mouth, das mit „All Star“, erschien, als ich 11 war. Jede alberne Orgelmelodie ist noch immer in mein Gedächtnis eingeprägt, und auch heute noch wirkt das Album wie eine genial gestaltete Kapsel des Vergnügens.
Smash Mouth wurde Mitte der 1990er Jahre in Kalifornien gegründet und ihre Musik vereinte bunte Phänomene der Ära: Ska, Hip-Hop, Surfkultur, 1950er-Jahre-Nostalgie, Aliens. Harwell, der Sohn eines UPS-Lkw-Fahrers, hatte zunächst eine Karriere als Rapper verfolgt. Aber als er sich einen Auftritt von MC Hammer ansah – einem Hitmacher, den viele Leute als Pointe betrachteten – sagte ihm etwas in seinem Inneren, er solle sich dem Rock zuwenden. Er tat sich mit Camp, dem Schlagzeuger Kevin Coleman und dem Bassisten Paul De Lisle zusammen und wählte einen Bandnamen aus einem Football-Begriff, um mit voller Kraft zum Sieg zu stürmen.
Die kreative Dynamik von Smash Mouth wurde durch den Zwiespalt zwischen Harwell und Camp, dem Haupt-Songwriter der Band, geprägt. Harwell verfügte über ein raues Charisma: Seine Stimme enthielt raue und raue Töne, aber auch die Frechheit eines Unruhestifters auf dem Schulhof. Camp war ein Pop- und Punk-Historiker mit der Gabe, Klassik und Moderne zu verbinden. Smash Mouths Breakout-Hit „Walkin’ on the Sun“ aus dem Debütalbum von 1997 Fush Yu Mang, wiederbelebter Garage-Rock-Lärm und Mod-Coolness, während Harwell in einem Sprechgesang fragte, wo die Friedens-und-Liebe-Ideale der 1960er Jahre geblieben seien. Dieser Außenseiter-Track funktionierte gut im Pop-Rock-Radio neben Third Eye Blind, Barenaked Ladies und Chumbawamba: Es war ein goldenes Zeitalter für eingängige, wortreiche Songs, deren helles Äußeres Angst und soziale Kommentare Lügen strafte.
Für die Nachfolge-LP Astro-Lounge, Interscope Records wollte todsichere Hits und Smash Mouth kam mit hymnischem Songwriting und knackiger, druckvoller Produktion nach. Aber Politur verwässerte den Standpunkt der Band nicht – er schärfte ihn. Die Arrangements waren vielseitig: klobige Riffs, Science-Fiction-Soundeffekte, Flamenco-Gitarren, straffe, aber benommene Reggae-Rhythmen (sowie einige unglückliche Arbeiten mit jamaikanischem Akzent). Camps ironische Texte und Harwells widerspenstige Stimme beschworen die Persönlichkeit eines liebenswerten, schmuddeligen Slacker-Dichters herauf. „Ich werde stoned, und was ist daran falsch?“ fragte ein Lied. „Dem Präsidenten scheint es ganz gut zu gehen.“
Als Kind fühlte ich mich vom kandierten Klang angezogen Astro-Lounge, aber ich erinnere mich auch deutlich daran, dass ich dabei ein Gefühl des Mysteriums verspürte: Ich hörte zu und hörte noch einmal zu, um zu entschlüsseln, was zum Teufel los war. Der explosive Opener „Who’s There“ hatte ein ruckartiges Schlagzeugmuster (ich weiß jetzt, dass es „Be My Baby“-Rhythmus heißt, abgeleitet vom Ronettes-Song) und einen gruseligen Synthesizer (ich würde das jetzt als Theremin bezeichnen). . Der Liedtext des Albums handelt von gefährlichen Mädels und Entspannung fast ergab Sinn, aber sie waren übersät mit Wörtern, die ich nicht verstand („tragedian“, aus „Then the Morning Comes“). Auch heute noch wünsche ich mir von der Musik diese Kombination: Zugänglichkeit mit Verrücktheit, einladende Besessenheit und Liebe.
„All Star“ verkörperte diese Kombination. Es war sowohl dumm als auch komplex und wechselte durch unterschiedliche Kadenzen und Instrumentaltöne, während es die kindliche Sprungkraft und Extrovertiertheit beibehielt. Die Texte waren sperrig – was bedeutet es, sich „an die Regeln zu halten“? –, aber die Botschaft war klar. Hier war ein Lied über den Glauben an sich selbst, aber auch über den Glauben an die globale Erwärmung, was bedeutet, dass man versuchen sollte, das Vergnügen so weit wie möglich zu maximieren, auch indem man „All Star“ kompromisslos genießt.
Das war eine verkäufliche Botschaft: Das Lied, ein sofortiger Erfolg, war im Soundtrack zweier Hollywood-Filme enthalten, Inspektor Gadget und die Superhelden-Satire Mystery Men. Einige Jahre später wollte DreamWorks Animation es in der Eröffnungsszene seines Slapstick-Fantasy-Films wiederverwenden Shrek. Die Band lehnte ab, aber das Studio drängte auf Zustimmung: Kein anderer Song, den die Filmemacher zu verwenden versuchten, funktionierte beim Testpublikum so gut. „Für Kinder ist es einfach unwiderstehlich“, sagte der Produzent des Titels, Eric Valentine Rollender Stein in einer mündlichen Überlieferung über das Lied. „Sie sind völlig aus dem Häuschen.“
In jüngerer Zeit hat sich „All Star“ zu einem Allzweck-Meme entwickelt. Das Lied wurde mit den Stimmen von Bill O’Reilly und anderen vorgetragen Krieg der Sterne Figuren. Der YouTube-Nutzer Jon Sudano sorgte für Aufsehen, als er den Text von „All Star“ über andere Lieder sang – „YMCA“ von The Village People und „Imagine“ von John Lennon – mit bizarrem, aber dennoch hörbarem Effekt. Die Pointe der „All Star“-Memes dreht sich hauptsächlich darum, wie tief sich dieses Lied in uns allen eingeprägt hat, wie ein chaotisches Vaterunser. „Steve geht einfach auf die Bühne und sagt das Wort ‚Some‘, und die Menge wird das Lied für Sie zu Ende spielen“, sagte Camp Rollender Stein. „Wenn das passiert, stehen mir immer noch die Haare zu Berge.“
Nach Astro-Lounge, landete die Band ein paar Hits in Form von Coversongs, während Harwell mit persönlichen Tragödien (dem Tod seines Sohnes im Jahr 2001) und Alkoholismus zu kämpfen hatte. Er war vor allem stolz auf das Wiederaufleben seiner Musik im Internetzeitalter – obwohl er sich durch die Witze über „All Star“ manchmal respektlos fühlte. Aber als die Leute das Lied ernsthaft coverten und es nicht nur als Comedy, sondern auch als Musik betrachteten, fühlte es sich wie „ein wirklich cooles Dankeschön“ an, sagte er Rollender Stein. Er verstand, so schien es, die Dankbarkeit, die Zuhörer für das empfinden können, was aus dem Rahmen fällt.