„Ich mag es, den Körper aktiv zu halten“, sagte Danielle Deadwyler, als sie mich in die Mittelkonsole ihres Autos setzte. Es war ein Montag in Atlanta, und wir unterhielten uns per Video-Chat, als sie von ihrem morgendlichen Ritual, einem Bewegungskurs mit der Choreografin Juel D. Lane (die zufällig ihre Cousine ist), nach Hause fuhr. Die Stadt ist ihre Stadt, und das nicht nur im Born-and-Raised-Sinne. Deadwyler ist eine Künstlerin als Botschafterin der Gemeinschaft, die Atlantas künstlerische und politische Geschichte in ihre Arbeit einfließen lässt.
Ihre lange Verstrickung mit der Performance begann im Alter von vier Jahren, als ein Fernseher ihr „Soul Train“ ins Wohnzimmer strahlte. Ihre Mutter, die sah, wie ihre Tochter aktiviert wurde, brachte sie in die Marlene Rounds School of Dance, die zum Theater führte. „Ich habe rot gespielt, ich habe gelb gespielt, ich habe braun gespielt“, erzählte mir Deadwyler und erinnerte sich an ihre Beziehung zu Ntozake Shanges Choreopoem „For Colored Girls Who Have Considered Suicide / When the Rainbow is Enuf“. Lokale Presserezensionen dieser frühen Stücke tendierten dazu, sich auf Deadwyler und ihre Bereitschaft zu konzentrieren, ihren zierlichen Körper vollständig der Handlung zu überlassen. Diese Intensität hat sich seitdem auf die Leinwand übertragen, wo Deadwyler die Schwerkraft in Nebenrollen verschoben hat, wie Cuffee, der schlaue Türsteher, der keine Zeit hat, Geschlechtergrenzen zu berücksichtigen, in dem Neo-Western „The Harder They Fall, “ und Miranda, eine mysteriöse Propheten-Schöpferin, die mit einer echten Volatilität ausgestattet ist, in der Fernsehadaption von „Station Eleven“. Deadwyler sagte, sie fühle sich zu „Frauen hingezogen, die sich selbst zum Mittelpunkt machen, egal wo sie sind“. Und wir wiederum fühlen uns von Deadwyler angezogen, ihrer geradezu unter der Oberfläche liegenden Unheimlichkeit, ihrer Fähigkeit, nicht nur Emotionen, sondern auch die Analyse von Emotionen in Nahaufnahme zu vermitteln.
Was ihre jüngste Darstellung als Mamie Till-Mobley, die Mutter von Emmett Till, in Chinonye Chukwus nachdenklichem Porträt „Till“ so faszinierend macht, ist das Gefühl, dass es sich nicht um flache Ehrfurcht oder kommerzialisierte Gewalt handelt, wie befürchtet wurde von schwarzen Zuschauern im Vorfeld der Veröffentlichung des Films, sondern der Höhepunkt einer starken Argumentation eines Theoretikers. Welche Fürbitten werden in den offiziellen Aufzeichnungen gemacht, wenn die schwarze Frau die Welt aus ihrer Perspektive sehen lässt? Diese Idee durchdringt Deadwylers Arbeit außerhalb der Schauspielerei; Sie ist auch Performancekünstlerin, Filmemacherin, Dichterin und ehemalige Akademikerin – einen MA von der Columbia University, einen MFA von der Ashland University – die trotz ihres arbeitsreichen Schauspielplans immer noch darüber nachdenkt, ihren Doktortitel zu machen. Wir haben zweimal miteinander gesprochen, einmal vor der Bekanntgabe der diesjährigen Oscar-Nominierungen und einmal danach; Das Versäumnis der Akademie, sowohl Deadwyler als auch „Till“ anzuerkennen, veranlasste uns, über die rückläufigen Werte des Hollywood-Systems nachzudenken. Wir sprachen unter anderem auch über ihre Beziehung zu ihrem Mentor Robin DG Kelley, das Black Arts Movement und die Bedeutung von Freakiness. Unsere Gespräche wurden bearbeitet und komprimiert.
Sie sind in den letzten Jahren landesweit als Schauspieler bekannt geworden, vor allem als Szenendieb, als Darsteller, der die Arbeit an seiner Präsenz neu auszurichten scheint. Aber Ihre Praxis als Künstler umfasst praktisch jedes Medium. Tanzen war das erste.
Es ist das erste Medium. Es ist eine Vokalität, es ist eine Körperlichkeit. Kent Gash, einer meiner Lieblingsregisseure, hat darüber gesprochen – wie Tanz eine unmittelbare Sprache ist. Es ist sehr direkt. Beim Tanzen muss man nicht so viel übersetzen. Wenn jemand mit der Hand gestikuliert, ist das ein Hinweis auf etwas, das Sie sofort erreichen können. Während mit der verbalen Sprache jemand versucht, das zu entschlüsseln.
Können Sie mir etwas über Ihren Aufstieg in die Theaterszene in Atlanta erzählen? Sie sind dort eine Säule der Gemeinschaft.
Wir hatten dieses Spiel. Es war nicht einmal ein Theaterstück. Es war eine Art Ausstellung „Frauen halten den halben Himmel hoch“. Es gab eine Szene über die vier kleinen Mädchen, die bei dem Bombenanschlag auf die Sixteenth Street Baptist Church getötet wurden. Ich spielte eines der kleinen Mädchen im Alter von acht Jahren. Es war die Szene, in der sie in der Kirche waren und spielten und einfach kleine Mädchen waren. Und dann geschah die Explosion, die zu einer traurigen Zeit führte. Ich habe die Geschichte der Schwarzen Amerikas erforscht. Wir haben all diese zentralen Werke durchquert. Deshalb erden Tanz und Theater für mich. Atlanta ist eine stabile, beständige, schöne Theaterstadt.
Ich frage mich, ob Hollywood als das unangefochtene Metonym für Filme und die Werte, die diese Filme verkörpern, eine Wahrheit ist, die für dieses neue Jahrhundert Bestand haben wird. Atlanta ist heute ein Gigant der Filmproduktion. Wie hat die Industrie das Kunstschaffen in der Stadt beeinflusst?
Handwerker konnten mehr arbeiten. Ich weiß nicht, ob es ihnen ermöglicht hat, ihre eigenen Sachen zu machen.
Für unseren Staat arbeiten wir manchmal nicht. Was die Bezahlung angeht, wird auf Schauspieler aus Atlanta geschissen. Es gibt einen andauernden, lärmenden Dialog – vielleicht manchmal mehr Monolog, weil die Leute nicht immer zuhören – darüber, was es bedeutet, ein Schauspieler aus Atlanta zu sein, wie Verträge mit Schauspielern behandelt werden. Es gibt eine Abrechnung in der Kunstszene. Und da ich hauptsächlich auf nationaler Ebene in Bezug auf Film und Fernsehen gearbeitet habe, bin ich mir weniger bewusst, was vor Ort für das Theater passiert, obwohl ich weiß, dass es weitergeht und einige Organisationen erfolgreich sind. Ich habe das Gefühl, dass alle festhalten. Die Frage ist immer die Finanzierung.
Arbeiten Sie gerade an einem experimentellen Stück?
Ja. Das eine kann ohne das andere nicht existieren.
Kannst du mir davon erzählen?
Später in diesem Jahr habe ich eine Einzelausstellung, die auf Schwarze Löcher, Vergnügungs- und Migrationsmuster abzielt.
Beim Durchsuchen Ihres Archivs wollte ich unbedingt Aufnahmen Ihrer Stücke sehen. Ich versuche, die Darbietungen aus Standbildern und Beschreibungen zusammenzuschustern.
Ich stehe auf das Ephemere. Meistens möchte ich nicht, dass du es siehst, wenn du nicht da warst. [Laughs.] Das ist der Wert der Oral History in der afrikanischen und afroamerikanischen Gemeinschaft.
Die Griot-Figur. Der Inhaber der Erfahrung.
Wie verdammt aufregend ist es, dazusitzen und sich von einem Schwarzen Ältesten erzählen zu lassen, was war. Das ist die kritische schwarze Vorstellung. In einer Welt, die [forces] Du bist so oft da, sei nicht da.
Was ich 2016 in einem Interview mit dem Performance-Künstler Hez Stalcup aus Atlanta gesagt habe, hat mich beeindruckt: „Wenn es keine Gefahr gibt, was tue ich dann?“ Sie haben sich auf „MuhfuckaNeva(Luvd)Uhs: Real Live Girl“ bezogen, ein Stück von Ihnen, das aus Video und Live-Performance bestand. Maskiert und kostümiert hast du eine Performance nachgestellt, die wir vielleicht in einem Stripclub an der Ecke sehen würden, aber im Freien.
Ich habe sehr viel versucht herauszufinden, was es bedeutet, eine Mutter zu sein, eine Frau zu sein, eine Künstlerin zu sein, eine Menge Dinge außerhalb des Archetyps des Seins in diesem Körper zu sein. Ich habe die öffentliche und private Natur der Arbeit herausgearbeitet, die Annahmen herausgearbeitet, die an das Heilige und das Sexuelle, das Häusliche und das Sexuelle gestellt werden, und warum bestimmte Körper auf eine bestimmte Weise sind und warum bestimmte andere nicht.