Die selbstgeißelnden Feuer von Clint Eastwoods Film „The Mule“ aus dem Jahr 2018 sind in seinem neuen „Cry Macho“ etwas abgestumpft, bieten aber genug Wärme für eine filmische Lagerfeuergeschichte, die dennoch reumütig selbstkritisch ist. Der neue Film, in dem der über neunzigjährige Eastwood als Regisseur und Star zu sehen ist (er wird am Freitag in den Kinos und auf HBO Max eröffnet), ist ein lyrisches, schlenderndes Drama, das bei all seinen nervenaufreibenden Gefahren und sentimentalen Entschädigungen auch auf alte Wunden zurückblickt und bekennt, dass sie sich rücksichtslos selbst zugefügt haben. Kurz gesagt, „Cry Macho“ erweist sich als scharfe Ironie, beginnend mit dem Titel (einfach warten). Es nimmt seinen Platz in Eastwoods größerer filmischer Tour der Buße ein, zu der unter anderem „Gran Torino“ gehört, aber tatsächlich bis zu den Anfängen seiner Regiekarriere im Jahr 1971 mit „Play Misty for Me“ zurückreicht .“
„Cry Macho“ spielt 1979 und 1980, kurz bevor Eastwood zum ersten Mal überlegte, den Film mit Robert Mitchum in der Hauptrolle zu machen; Eastwood hielt sich damals selbst für zu jung, um die Rolle zu spielen. (Das Projekt ist auch durch andere Hände gegangen, darunter die von Arnold Schwarzenegger, der unter einem anderen Regisseur mitspielen sollte.) Der Film basiert auf einem Roman von N. Richard Nash, mit einem Drehbuch von Nash und Nick Schenck, erinnert sich an die bittersüße und doch sentimentale Stimmung einer Geschichte, komplett mit romantischen Akzenten, Auslassungen und Übertreibungen in einer lebhaften, aber herzlichen Erzählung. Es ist eine Geschichte des Bedauerns und der Reue, die dennoch (wenig überraschend) ein glückliches Ende hat, eines, das sich aus der Tatsache ergibt, dass Eastwood in der Nähe ist, um sie zu erzählen, um den Zuschauern gleichzeitig die Lektionen eines hart gelebten Lebens zu vermitteln Charakter vermittelt sie einem Jungen im Mittelpunkt des Geschehens.
Eastwood spielt einen ehemaligen Rodeo-Champion namens Mike Milo, der zu Beginn des Films 1979 ein ehemaliger, fauler Rancharbeiter irgendwo in Texas ist – bis sein Boss Howard Polk (Dwight Yoakam ), feuert ihn. Ein Jahr später ist Mike ein alter Hase, tut nichts in einem zusammenklappbaren Strandkorb, während er von Erinnerungen überschwemmt wird – einschließlich einer verheerenden Verletzung, die seiner Rodeo-Karriere ein Ende setzte –, als Howard mit einem Angebot anruft, das eher eine Nachfrage. Mikes Mission ist es, nach Mexiko-Stadt zu reisen, um Howards 13-jährigen Sohn Rafo (Eduardo Minett) zu finden, ihn aus den Fängen von Howards Ex-Frau Leta (Fernanda Urrejola) zu befreien und ihn nach Howard zurückzubringen. Mike ist skeptisch – er fürchtet vernünftigerweise, der Entführung beschuldigt zu werden –, aber er hat eine langjährige moralische Schuld gegenüber Howard, der ihn ernüchtert und ihm Arbeit gegeben hat, als es sonst niemand tun würde.
Leta erweist sich als reich und machiavellistisch. Sie gibt freimütig zu, kein Interesse daran zu haben, Rafo großzuziehen, den sie wild und ungehorsam nennt und der sowieso von zu Hause weggelaufen ist, aber sie will ihn auch nicht gehen lassen. Ihre beiden jungen Bodyguards drängen Mike aus ihrer noblen Villa. Er findet Rafo schließlich in der Stadt in einem Hahnenkampfring und versucht, ihn von Howards aufrichtigen väterlichen Interessen zu überzeugen. Rafo fehlt es an Vertrauen, und seine Skepsis ist aus Schmerz geboren – er kocht immer noch darüber, dass Howards ihn Jahre zuvor verlassen hat, und er wurde von den Liebhabern seiner Mutter brutal misshandelt. Er rennt auch vor Mike davon. Mike, der von Rafos Mutter bedroht und von ihren Leibwächtern verprügelt wird, macht sich auf den Heimweg mit seiner unerfüllten Mission. Aber dann treffen er und Rafo komischerweise wieder, mit einem Dritten im Schlepptau: dem Kampfhahn des Jungen, der, ja, Macho heißt. Der Titel des Films bezieht sich auf einen Hahn (Mike macht den Witz einmal und lässt ihn dann fallen), aber der Vogel ist mehr als ein Vier-Buchstaben-Gag – er ist der Dreh- und Angelpunkt des Films, beginnend mit seiner Rolle als Rafos Hauptgefährte und Quelle der emotionalen Verbindung. Rafo rettete Macho, zog ihn auf und brachte ihm das Kämpfen bei; Jetzt, überredet, sich wieder mit seinem Vater zu vereinen, machen er und Mike sich auf eine beschwerliche Reise zur Grenze, mit dem Tier als ständigem Begleiter.
Das Vogelgeschäft riskiert, trivial oder albern zu erscheinen, als weit hergeholte komödiantische Nebensache wahrgenommen zu werden – nicht weniger als die Geschichte eines gebrochenen Ältesten und eines verwundeten Jugendlichen, die sich gegenseitig heilen, grenzt an Klischee. Doch Eastwood verlässt sich auf diese Kombination aus Absurdität und Melodram, um verborgene Qualen zusammen mit scheinbarem Ruhm hervorzurufen, um die düsteren Kämpfe anzudeuten, aus denen Weisheit hervorgeht – und wie die existenzielle Angst dieser Kämpfe die Weisen in der Lage lässt, mit ihrem kostspieligen Wissen viel anzufangen .
Eastwood schmückt das mäandernde, aber durchsichtige Garn mit fein gearbeiteten Details, die mit einem gelebten Glanz versehen sind, aber die Geschichte selbst, von waghalsigen Abenteuern und drohender Bedrohung, ist erschütternd. Rafos Mutter hat die beiden Wachen entsandt und auch die Nationalpolizei, die sogenannten Federales, zu denen sie eine offenbar korrupte Verbindung hat, gerufen, um Mike und den Jungen abzufangen. Unterwegs wird Mikes Truck gestohlen; das Auto, das er sich auf Rafos Geheiß „ausleiht“, hat eine Panne. Und im Laufe ihrer unerschrockenen Abenteuer voller Mikes geschickter Ausweichmanöver und kühnen Konfrontationen landen sie in einer Cantina, die von einer Witwe mittleren Alters namens Marta (Natalia Traven) geleitet wird, die schnell zu ihrer Wohltäterin wird. In der Cantina zeigt Mike mit Martas Enkeln auch seine Avuncular-Seite, seine Kenntnisse der amerikanischen Gebärdensprache, sein mechanisches Know-how und sein Können auf der Tanzfläche. Der romantische Funke der Verständigung zwischen Marta und Mike (auch er ist verwitwet und von Familientragödien überschattet; auch sie ist prinzipientreu, unerschrocken und hingebungsvoll) ist von Anfang an offensichtlich, obwohl sein großes Versprechen hinter die Mission zur Hand. Als seine Reise mit Rafo weitergeht, tritt Mikes Reitkunst in den Vordergrund: Auf einer kleinen Ranch hilft er beim Brechen von Wildpferden und bringt dem Jungen in Vorfreude auf Rafos neues texanisches Leben das Reiten bei. („Schauen Sie, wohin Sie gehen und gehen Sie dorthin, wo Sie hinschauen“, sagt Mike.) Er kann auch als Amateurtierarzt seine Affinität zu Tieren zeigen und scherzt, dass die Nachbarn des Ranchers ihn für Doktor Dolittle halten.
Der Versuch, Rafo nach Hause zu Howard zu bringen, verleiht Mikes ausgehöhltem Dasein plötzlich eine neue Bedeutung. Doch trotz all der Lektionen, die er erteilt, und der Hingabe, die er zeigt, ist er durch sein fortgeschrittenes Alter geschwächt, überschattet von einem Leben voller körperlicher und emotionaler Schmerzen und verfolgt von seinen eigenen Missetaten und noch mehr seinen falschen Vorstellungen. Eastwood dramatisiert die zugrunde liegende Düsterkeit des Schelmenabenteuers mit einer Reihe von erhaben absurden Théâtre-Coups, an denen Macho beteiligt ist, der wiederholt als komödiantischer Deus ex machina dient, um das zu tun, was Mike – wegen der körperlichen und emotionalen Belastungen seines eigenen ausgebrannten Machismos – tut. kippen. Rafos eigensinnige Unabhängigkeit brodelt mit der gleichen Härte, die Mike in seinen jüngeren Tagen, wie er vermutet, Energie gegeben hat, und er versucht, Mike zu beleidigen, indem er andeutet, dass er seinen Machismo verloren hat. Als Reaktion darauf destilliert Mike die abgeflachte Krawalle und das brennende Bedauern des Films in einen einzigen Monolog, der wiederum Eastwoods entscheidendes, karrierelanges Thema widerspiegelt: den Horror der Demagogie.
Eastwoods Filme definieren Demagogie genau als die Ausbeutung der eigenen Arbeit – einer Arbeit, die es wert ist, um ihrer selbst willen zu tun und nicht um Belohnungen oder soziale Vorteile zu erlangen – und sie nehmen einen besonderen Platz der Verachtung für die Verlockungen und Vorteile des Ruhms ein. Die Idee sticht am deutlichsten in Filmen hervor, die Eastwoods selbst gewählte Karriere in der Unterhaltungs- und Medienbranche widerspiegeln – darunter „Play Misty for Me“, in dem er einen Jazz-DJ spielt, der seine lokale Berühmtheit als Verführungsinstrument einsetzt – aber sie reißt auch durch Filme wie „White Hunter Black Heart“, „Million Dollar Baby“, „Flags of Our Fathers“ und „Richard Jewell“, die alle Charaktere zeigen, die den Preis dafür zahlen, dass sie ihre Errungenschaften für den öffentlichen Ruhm einsetzen. In „Cry Macho“ unterzieht Eastwood Mikes gesamtes Leben – in der Tat die Vorstellung dessen, was in der Öffentlichkeit als gutes Leben gilt – einem vernichtenden Revisionismus. Mike betrachtet seine Karriere in der Öffentlichkeit als eitel und leichtfertig, genossen um den Preis unnötiger Risiken und sinnloser Verletzungen; es hat ihn leer und verkümmert, verwundet und geschwächt zurückgelassen, unfähig, mit unvermeidlichem emotionalem Schmerz und Verlust fertig zu werden. Sogar Patriotismus sorgt für einen Deflationsstich: Der Film zeigt Mike, wie er in Mexiko mit der grassierenden Korruption konfrontiert ist, aber die amerikanische „Freiheit“, auf die er bombastisch verweist, entpuppt sich als etwas weniger als sein Ideal.
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