Die Flöte ist das älteste Instrument, deren wiederherstellbare Geschichte etwa vierzigtausend Jahre zurückreicht. Prähistorische Menschen stellten Flöten, Pfeifen und Pfeifen aus den Knochen von Vögeln und anderen Tieren her. Es gibt keine Möglichkeit zu wissen, wie diese Musik klang oder welchem Zweck sie diente. Spricht es von Liebe? Stamm? Natur? Gott? Ein beunruhigender Beweis ist, dass die ersten bekannten Flöten aus den Überresten von gejagten und getöteten Kreaturen hergestellt wurden. Pascal Quignard beschwört in seinem eindringlichen Buch „The Hatred of Music“ eine plausible Szene: „Die kleinen Rudel von Menschen, die Tierformen jagten, malten und modellierten, summten kurze Sätze, spielten Musik mit Hilfe von Vogelrufen, Resonatoren und Flöten aus Markknochen und tanzen ihre geheimen Geschichten, während sie Raubmasken tragen, die so wild sind wie sie selbst.“
Im Laufe der Jahrtausende wurde die Flöte als zart, elegant und ätherisch angesehen. Claire Chase, vielleicht die einfallsreichste lebende Verfechterin des Instruments, ist bestrebt, seine ursprüngliche Kraft zu nutzen. Seit 2013 gibt sie Partituren für ein monumentales Projekt namens „Density 2036“ in Auftrag; wenn es im vorgesehenen Jahr fertig wird, wird es das Flötenrepertoire um bis zu hundert Stücke erweitert haben. In der neuesten Folge der Serie, die im Dezember drei Aufführungen im Kitchen hatte, war Chase eine einsame Figur in einem audiovisuellen Sturm, die sich gegen aufgewühlte elektronische Texturen und eine Flut von Videobildern behauptete. Sie hat viel von ihrer Kontrabassflöte Gebrauch gemacht, die sie Big Bertha genannt hat; mehr als zwei Meter hoch, strahlt es Töne von überirdischer, gehauchter Tiefe aus, die für ein Publikum von Walen geeignet sind.
Was die Aufmerksamkeit der prähistorischen Knochenflötisten auf sich gezogen haben muss, war die Zauberei, einem nicht mehr belebten Objekt eine Stimme zu verleihen. Auch Chases Ereignisse haben oft das Gefühl einer Séance, eines esoterischen Geschehens. Liza Lims „Sex Magic“, ein weitläufiges Ritual für Kontrabassflöte, Elektronik und kinetische Perkussion, das Chase 2020 online präsentierte, erforscht das, was die Komponistin „die heilige Erotik der Frauengeschichte“ nennt, und deutet auf die Pythia, in Delphi und die Hinduistische Wutgöttin Kali. In einem entnervenden Moment bläst Chase auf einer aztekischen Todespfeife – einem keramischen Resonator, der einen tosenden Wind oder eine schreiende Menschenmenge hervorrufen kann. Lims Schöpfung ist jedoch weniger eine Inszenierung von Gewalt als ein Exorzismus davon. „Sex Magic“ endet mit Musik von mysteriöser Zärtlichkeit, wobei Tennyson in der Partitur zitiert wird: „Der lange Tag vergeht; der langsame Mond steigt. . . . Kommt, meine Freunde, / ‘Es ist noch nicht zu spät, eine neuere Welt zu suchen.“
Chase, der 43 Jahre alt ist, wuchs in einem musikalischen Zuhause in Leucadia, Kalifornien, einer Küstengemeinde nördlich von San Diego, auf. In ihrer Kindheit war sie auf die Flöte fixiert, und im Alter von dreizehn Jahren hatte sie eine lebensverändernde Begegnung mit „Density 21.5“, Edgard Varèses Selbstgespräch für Flöte aus dem Jahr 1936, nach dem ihre Serie benannt ist. Kurze Dauer, kosmischer Umfang, „Density 21.5“ verwandelt die Flöte in ein leuchtendes Gefäß der Abstraktion. Chase hat über die Partitur geschrieben: „Es war nicht nötig, etwas Schönes, Homogenes, Uniformes zu machen. Bei Schönheit ging es hier darum, die Maske abzuziehen und das Feuer unter jedem Atemzug auf seine eigene rohe, unberührte Weise mit dem Metall in Kontakt zu bringen.“ Sie versuchte, die Arbeit bei ihrem Realschulabschluss zu programmieren, musste aber stattdessen „Danny Boy“ spielen.
Seitdem folgt Chase einem umgänglichen messianischen Drang, moderne Musik einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Ihre erste Leitung war das International Contemporary Ensemble, das sie 2001 gründete. Innerhalb eines Jahrzehnts hatte es sich zu einer der dominierenden New-Music-Gruppen Amerikas entwickelt und ist es auch geblieben, obwohl Chase 2017 das Ensemble verließ, um sich auf ein Solo zu konzentrieren Werdegang. Sie hatte vier Jahre zuvor „Density 2036“ ins Leben gerufen und sich auf eine Reise über ein Vierteljahrhundert festgelegt, die es bisher kaum gegeben hat.
Die ersten fünf Jahre des Projekts sind in einer Compilation mit vier CDs und achtzehn Werken zusammengefasst, die die Meyer Sound Laboratories 2020 produzierten. Getreu dem Ausgangspunkt von Varès scheint Chase Komponisten zu bevorzugen, die auf die eine oder andere Weise Verbindungen haben. zur modernistischen Tradition; neoromantische Klänge und minimalistische Arpeggiation fehlen weitgehend. Gleichzeitig fühlen sie sich zu lebendigen Farben, extravaganten Gesten, Experimentierfreude mit einem viszeralen Ader hingezogen. Ein prägendes frühes Werk war Mario Diaz de Leóns „Luciform“, in dem die Flöte schnelle, spinnenartige Bewegungen über einem Death-Metal-artigen Backingtrack ausführt. Viele „Density 2036“-Aufträge setzen Elektronik ein, als wollten sie das Alte gegen das Moderne ausspielen.
Das Kitchen-Konzert enthielt drei neue Scores, einen Auszug aus „Sex Magic“ und eine Reprise von „Density 21.5“. Die erste Uraufführung, „Aftertouch“, war von Wang Lu, der mit überschwänglicher Musik, die das Delirium des digitalen Lebens nachahmt, auf sich aufmerksam gemacht hat. Ihr Stück beginnt mit Field Recordings von Stadtlärm, druckvollen elektronischen Beats und nervöser Aktivität auf der Flöte. Eine Abfolge sich wiederholender Einheiten – mal drei, mal vier, mal sechs – deutet darauf hin, dass Maschinen oder Menschen in einer Schleife gefangen sind. Aber ein Abschnitt mit der Bezeichnung „Aeolian Sound“ für Bassflöte wechselt in melancholische Introspektion, wobei Anklänge volkstümlicher Motive auftauchen. Begleitet wurde die Musik von einem faszinierenden Video von Polly Applebaum, das Keramikschalen zeigt, die sich auf einem Podium drehen.
Als nächstes stand die irische Komponistin Ann Cleare auf dem Programm, deren Musik oft an amorphe Formen erinnert, die sich durch dichten Nebel bewegen. Ihr Stück „anfa“, dessen Titel vom irischen Wort für Sturm abgeleitet ist, kombiniert die Kontrabassflöte mit zwei Experimentalfilmen der Künstlerin Ailbhe Ní Bhriain. In einem wird eine Aufnahme eines Hügels allmählich verwischt, während das Filmmaterial in Bleichmittel getaucht wird, und in der anderen wird eine Szene am See von Tintenranken verdeckt. Schimmernde Obertöne und Trillertöne werden den ächzenden Bertha-Tönen gegenübergestellt, wobei ein Synth-Pedal das Klangbild weiter verwischt. Von Zeit zu Zeit taucht ein Flüstern eines arpeggierten Akkords oder eines eckigen Motivs auf, um sich dann wieder im Nebel aufzulösen. Der Hinweis „Austere, Deep-Time, Light-seeking“ in der Partitur fängt die düstere, entrückte Stimmung ein.
Das göttliche Chaos kehrte in der dritten Uraufführung „Auricular Hearsay“ zurück, einem improvisatorischen Pandämonium, das von der Komponistin und Mixed-Media-Künstlerin Matana Roberts konzipiert wurde. Die Partitur präsentiert dem Interpreten ein Schachbrett möglicher Tonhöhen neben einer Reihe von Wortwolken, die sowohl technische Optionen („glissando“, „vibrato“, „diminuendo“) als auch interpretative („free“, „spacious“, „burning“) vorschlagen. ). Der Spieler wird auch aufgefordert, auf die visuelle Komponente zu reagieren – psychedelische Videos, die Roberts aus Scans seiner eigenen Gehirnaktivität extrahiert hat. Beim ersten der Kitchen-Konzerte wurde Chase von dem Klangkünstler Senem Pirler begleitet, der einen Tisch mit Live-Elektronik manipulierte. Manchmal lieferten sich Chase und Pirler ein freundschaftliches Duell oder einen Wettkampftanz, wobei sie mit Ausbrüchen von Figurationen und Geräuschen hin und her stießen.
In den schlechten alten Zeiten des New-Music-Circuits hätte eine solche Veranstaltung mühsame Pausen beim Herumschubsen der Geräte mit sich gebracht. Chase, die sich seit langem für eine professionellere Herangehensweise an die Produktionswerte in der klassischen Musik einsetzt, spielte ohne Unterbrechung mit ihrer Bühnenmanagerin Kelly Levy und imponierte die Nahtlosigkeit einer engen Off-Broadway-Show. Der Licht- und Produktionsdesigner Nicholas Houfek schuf minimalistisches Theater aus Pools von Helligkeit und Dunkelheit; Das Sounddesign von Levy Lorenzo war ebenso kraftvoll wie klar; Monica Duncan kümmerte sich um die Projektionen, die zu Chases Füßen und auf der Leinwand hinter ihr wirbelten.
Die Tatsache, dass Frauen den Abend dominierten, schien kein Zufall zu sein – obwohl es angesichts des überwältigenden Erfindungsreichtums von Komponistinnen zu Beginn des 21. Jahrhunderts leicht hätte sein können. Lims „Sex Magic“ gab mit der Forderung nach einer „alternativen kulturellen Logik der Frauenpower“ den Ton an. Am Ende der Nacht, in einer gefälligen Umkehrung der Rollenklischees, verfiel die Macho-Modernistin Varèse in eine Art Dienerrolle und beruhigte mit den kristallinen Strukturen von „Density 21.5“ angespannte Nerven. Angesichts dessen, was zuvor gekommen war, hätte Chase genauso gut „Danny Boy“ spielen können. ♦