Die Geschichte von Carla Bleys Leben entfaltet sich wie eine Carla-Bley-Komposition: Sie verläuft nie dort, wo man es erwarten würde, aber letztendlich fügt sie sich auf eine angenehme, einzigartige Weise zusammen. Bley starb am Dienstag im Alter von 87 Jahren und beendete damit ihren Lauf als vielleicht größte lebende Komponistin, wie Bandleader Darcy James kürzlich argumentierte beschrieb sie.
Die amerikanische Komponistin, Keyboarderin und Arrangeurin begann ihre Karriere in den 1950er Jahren als junges Zigarettenmädchen und verkaufte Zigaretten an die Gäste von New Yorker Jazzclubs. Sowohl der Job als auch der Titel vermitteln einen Eindruck davon, wie lange das her ist und wie unwirtlich das Umfeld für eine junge, nicht singende Musikerin in einem nach wie vor sehr männlichen Milieu gewesen sein mag. Sie lernte den Avantgarde-Pianisten Paul Bley kennen und begann eine Beziehung mit ihm, der sie ermutigte, ihre musikalische Ausbildung in der Kindheit in das Komponieren umzusetzen. Später war sie die Geheimwaffe von Charlie Hadens Liberation Music Orchestra, einer ehrgeizigen Mischung progressiver politischer und musikalischer Impulse. Sie spielte mit Jack Bruce von Cream und Nick Mason von Pink Floyd, verlor aber nie etwas von ihrem Jazz-Glauben oder ihrer Schärfe. Im Jahr 2015 wurde ihr die Auszeichnung „National Endowment for the Arts Jazz Master“ verliehen, eine Auszeichnung, die den größten Jazzmusikern verliehen wird, und sie leitete eine der besten kleinen Jazzbands des frühen 21. Jahrhunderts.
Die Wurzel dieser Vielseitigkeit war Bleys Stimme als Komponist. Sie hat Melodien geschrieben, die eigentlich nicht summbar sein sollten – sie sind einfach zu seltsam und die Zacken und Fehlleitungen sind zu scharf –, die aber trotzdem irgendwie wie Ohrwürmer funktionieren. Sie bestehen aus dem gleichen Material wie alle anderen großartigen Jazz-Standards: solide genug, um ihre Integrität zu bewahren, aber plastisch genug, um in nahezu jeder Umgebung zu funktionieren. Denken Sie an ihr Lied „Vashkar“. Die erste Aufnahme erfolgte 1963 durch Paul Bleys traditionelles Klavier-Bass-Schlagzeug-Trio. Im Jahr 1969 nahm Tony Williams Lifetime eine Version auf, die sowohl mit Lysergsäure als auch mit Salzsäure getränkt war; Ein paar Jahre später verwandelten Jaco Pastorius, Pat Metheny, Paul Bley und Bruce Ditmas es in eine benommene, an Grateful Dead erinnernde Fusion. Und im Jahr 2020 betrat der polnische Pianist Marcin Wasilewski neue Wege, indem er die Melodie zu ihren akustischen Wurzeln zurückführte.
Die gleiche Odyssee lässt sich auch auf viele andere Stücke von Bley zurückführen. Was außer „Ida Lupino“ verbindet Pastorius mit der Gitarristin Mary Halvorson, einer der modernsten Musikerinnen der Gegenwart? (Dass einer von Bleys bekanntesten Songs eine Hommage an eine prominente Pionierin der Künste ist, ist kein Zufall.) Wo würden der Bebop-Star Art Farmer, der Fusion-Star John McLaughlin und der progressive Vibraphonist Gary Burton eine gemeinsame Basis finden, außer „ „Sing Me Softly of the Blues“? Ihre Arbeit als Keyboarderin zeigt eine ähnliche Vielseitigkeit. Auf YouTube sind Videos eines britischen Fernsehauftritts einer Band aus dem Jahr 1975 zu sehen, zu der Bruce, Bley, Mick Taylor (kürzlich aus den Rolling Stones ausgetreten) und Bruce Gary (noch nicht Schlagzeuger der Knack – ja, der „My Sharona“-Band) gehören. . Es war eine unkonventionelle Besetzung, aber sie funktionierte, da Bleys harmonische Texturen und Soli die Rockmusiker aus dem Weg trieben.
Ein entscheidender Faktor für diesen Erfolg war Bleys Sinn für Spiel und Humor. Die Platte von ihr, die mich am häufigsten anspricht, stammt aus den 1977er Jahren Abendessenmusik, das aus unerklärlichen Gründen die avantgardistischen Hornisten Michael Mantler und Roswell Rudd mit Stuff zusammenbringt, einer Band bestehend aus Top-Studiomusikern. Es war ein weiteres unkonventionelles, aber erfolgreiches Experiment: Die Disco-Funk-Rhythmussektion trägt dazu bei, dass die seltsameren Akzente der Musik leicht umgesetzt werden, wenn auch nicht ganz so leicht, wie der Titel des Albums ironischerweise vermuten lässt.
Bley könnte beim Arrangieren der Musik anderer Leute genauso kreativ sein. Hadens Befreiungsmusikorchesteraus dem Jahr 1969 enthält ein 21-minütiges Medley mit Liedern aus dem Spanischen Bürgerkrieg. Es klingt wie Musik einer Militärkapelle, wie Charles Ives, wie eine Bilderbuchfantasie von Iberia, wie ein Requiem. Die Platte endet mit einem chaotischen Zusammenbruch der gesamten Band, gefolgt von einem wunderschönen und symphonischen „We Shall Overcome“, bei dem jede Note perfekt platziert ist.
Selbst als angesehener Ältester äußerte Bley manchmal kühne Meinungen. Ihr Interview mit dem Pianisten und Schriftsteller Ethan Iverson aus dem Jahr 2018 ist eine Freude, nicht nur wegen ihrer Einblicke in ihre eigene Arbeit und ihrer historischen Erinnerungen, sondern auch wegen ihrer pikanten Ablehnung überkommener Weisheiten. „Ich mochte Duke Ellington nie“, sagte sie zu Iverson – eine Aussage, die in etwa so ist, als würde ein klassischer Musiker bekennen, Mozart zu hassen. „Im Grunde dachte ich, er würde Billy Strayhorn Musik stehlen. Aber abgesehen davon gefiel mir seine Spielweise und seine Art, mit Leuten zu reden, nicht.“
Auch mit zunehmendem Alter verlor Bleys Musik nichts von ihrer Kraft. Am 14. Februar 2020 veröffentlichte sie mit dem Bassisten Steve Swallow, ihrem langjährigen Partner, und dem Saxophonisten Andy Sheppard eine Platte, die für mein Geld die beste Jazz-Veröffentlichung des Jahres war. Die Musik behält eine sanfte Stimmung, aber Bleys Kompositionen sorgen auch ohne Schlagzeug für einen unwiderstehlichen Vorwärtsdrang. Sie sind beruhigend, aber niemals reduzierend oder bereit, in den Hintergrund zu treten. Als einen Monat später die Welt wegen der Coronavirus-Pandemie lahmlegte, fand ich die Musik – und das Versprechen ihres Titels: Das Leben geht weiter– ein wesentlicher Trost.