„Ist es zu real für dich?“ knurrt die Gang of Four-soundalike Punkband Fontaines DC über einer wummernden Basslinie im Soundtrack zu „Bird“, während wir durch die Straßen von Gravesend, Kent, östlich von London, fahren. Wieso ist das zu real? Am Steuer eines E-Scooters sitzt der hemdlose, stark geschmückte Bug, gespielt von Barry Keoghan, der zuletzt in „Saltburn“ mit deutlich weniger Kleidung zu sehen war. An ihm hängt die 12-jährige Bailey (Nykiya Adams), seine Tochter aus einer früheren Beziehung (vom Alter her etwas übertrieben, aber sicher).
Als ewiger Optimist plant Bug, den halluzinogenen Schleim, den er vom Rücken einer Kröte abschöpft, die er aus Colorado importiert hat, um seine bevorstehende Hochzeit zu finanzieren, an eine dreimonatige Affäre zu verkaufen. Und obwohl er sich auf Gesicht und Hals einen kunstvollen, sich windenden Tausendfüßler tätowiert hat, ist er niedergeschlagen darüber, dass Bailey sich vor dem großen Tag von einer Freundin die Locken abschneiden ließ. Sie geht wie ein heißer Komet in die mürrische Pubertät und ist nicht gerade begeistert, eine neue Stiefmutter zu haben.
Es steht alles im Einklang mit dem einstudierten Elend der britischen Regisseurin und Cannes-Liebling Andrea Arnold („American Honey“). Jedes Interieur in „Bird“ ist schmutziger als das letzte; Jede Tür scheint darauf ausgelegt zu sein, von einem gewalttätigen Freund eingerissen zu werden.
Nykiya Adams im Film „Bird“.
(Atsushi Nishijima)
Ist es zu real für dich?
Eigentlich nein, nicht wirklich. Und das ist, bevor Arnold uns Baileys gruseligen Freund im Boo-Radley-Stil vorstellt, den mysteriösen Titelcharakter (Franz Rogowski aus „Passages“, der seine Art von verrückter Verrücktheit noch vertieft), der in einem lange angekündigten Moment beschützender Rache aufkeimt riesige CGI-Flügel, die bereits schmerzlich angedeutet wurden.
„Vogel“ ist Teil dessen, was man als das Realitätsproblem von Cannes bezeichnen könnte. Zumindest scheint es so – es ist erst die Hälfte –, während wir zwischen den Vorführungen angesehener Regisseure hin- und herspringen, die aus dem Nichts springen und ihre frühere Vorliebe für Wahrhaftigkeit beiseite geworfen haben. Nach der Begeisterung für George Millers „Furiosa: A Mad Max Saga“ kam das von vielen geteilte Eingeständnis, dass es physisch einfach nicht überzeugend war: zu lackiert und digital verfeinert, die schmuddelige Taktilität von „The Road Warrior“ ist längst verschwunden. Jede Hoffnung, dass Francis Ford Coppola die Wärme seiner besten Filme reproduzieren würde, wurde durch das weitläufige „Megalopolis“ zunichte gemacht, eine Stadtfantasie von Rom als New York, die trotz all ihrer entzückenden Verrücktheit etwas U-Bahn-Kristall hätte gebrauchen können.
Vielleicht wird die Realität überbewertet. Es ist verlockend (aber zu einfach), einer einzelnen Ausgabe eines Filmfestivals eine koordinierte Ästhetik aufzuzwingen, in der Hoffnung, dass die Ersthelfer ihre verstreuten Erfahrungen mit dem Ansehen mehrerer Filme pro Tag zu einem größeren Gefühl der Kohärenz zusammenfassen. Dennoch war es eine rastlose Arbeit. Viele der Angebote der ersten Woche in Cannes fühlten sich wie Produkte der Pandemie an und strahlten daher einen Hauch von Verzweiflung aus.
Richard Gere und Uma Thurman im Film „Oh, Canada“.
(Festival de Cannes)
In Paul Schraders rückblendelastigem „Oh, Canada“ – selbst nach 95 Minuten schleppend – geht es ausdrücklich um die Auflösung von Vorstellungen über die Realität des Rufs. Als Hollywood-Löwe in einem faszinierenden Winter spielt der stets zu sehende Richard Gere Leonard Fife, einen gefeierten linken Dokumentarfilmer im Stil von Errol Morris, der, obwohl er im Endstadium seiner Krebserkrankung leidet, einem gefilmten Verhör durch einige seiner ergebensten Schüler zustimmt . Sie gehen bereits davon aus, dass einige dieser Interviews nicht Leonards Weg gehen werden, da Schraders Metier, die Sprache des selbstzerstörerischen Zweifels, zum Ausdruck kommt.
War er ein Wehrdienstverweigerer, der aus Prinzip nach Kanada floh, um dem Militärdienst zu entgehen? War er ein treuer Familienvater? Es gibt keinen Punkt dafür, diese beiden richtig zu erraten. Unterdessen kommt eine tiefere Wahrheit ans Licht, bei der es mehr um den unaufhaltsamen Lauf der Zeit als um Integrität geht. Gere, der sich mit Schrader zu ihrer ersten Zusammenarbeit seit dem überschwänglichen Stolz von „American Gigolo“ aus den 1980er Jahren wiedervereinigt, ist hier eine fragile, verletzliche Präsenz, die Leonards dicke Stimme und gedämpfte Männlichkeit zur Geltung bringt. „Ich habe einen Dschinn und einen Zwilling!“ Er stottert und klammert sich an seine Auszeichnungen, während der Rest seines Lebens in Fantasie versinkt.
Bitte, Yorgos Lanthimos, zeigen Sie uns, wie es geht: Wenn wir ein Cannes voller Fantasie erleben wollen, lasst uns eines vom Macher von „Poor Things“ und „The Lobster“ kommen. Der griechische Regisseur hat einen unglücklichen Moment gewählt, um eine Faceplant zu machen. Obwohl „Kinds of Kindness“ sein Publikum mit dem Vorspann zu „Sweet Dreams (Are Made of This)“ von Eurythmics begeistert, verliert es sich in ein ermüdendes Trio unterdurchschnittlicher Minifilme, denen die emotionale Verrücktheit fehlt, die Lanthimos normalerweise hat serviert vom Fass.
Von links: Margaret Qualley, Jesse Plemons und Willem Dafoe im Film „Kinds of Kindness“.
(Atsushi Nishijima / Searchlight Pictures)
Es ist nicht die Schuld der Schauspieler, von denen viele in drei brüchigen, grausamen Geschichten über mörderisches Mikromanagement, kannibalisches Überleben und obsessives Kulttum eine dreifache Aufgabe übernehmen. Die Besetzung stürzt sich beherzt in die flache Gewalt: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Hong Chau und eine besonders engagierte Margaret Qualley (die hoffentlich eine Arbeitsunfallversicherung beantragt hat). Das schwache Glied ist jedoch das Drehbuch von Lanthimos und Efthimis Filippou, die trotz der Hoffnung, zu ihren düsteren, suggestiven „Dogtooth“-Tagen zurückzukehren, ihre übliche Gemeinheit nicht mit irgendeiner Tiefgründigkeit verbinden können.
Lanthimos hat noch nie einen Film gemacht, der so ungerechtfertigt brutal ist (machen Sie sich auf einen gebratenen Daumen gefasst, der auf einem Teller serviert wird), noch hat er einen so dämlich offensichtlich gemacht, indem er sich auf die bedrohliche, klingelnde Klaviernote aus „Eyes Wide Shut“ und eine muntere Besetzung verlassen hat Zieh es drüber. Er räuspert sich. Es handelt sich eher um eine Sammlung von Memes als um eine nachhaltige Denkweise.
Ein Filmemacher hat jedoch die frei schwebende Verträumtheit, in der sich Cannes zu verlieren scheint, auf den Punkt gebracht: der in Sambia geborene Rungano Nyoni, dessen Selbstvertrauen, eine Stimmung hervorzurufen, in dem äußerst eindringlichen „On Becoming a Guinea Fowl“ deutlich wird. (Ihr Drama, das in der Sektion „Un Certain Regard“ spielt, kreist um mehrere andere im offiziellen Wettbewerb.) Es beginnt mitten in der Nacht – eine Sequenz, die man nie enden lassen möchte – als Shula (Susan Chardy) nach Hause fährt von einer Party, hält an. Auf der Straße liegt eine Leiche. Es stellt sich heraus, dass es ihr Onkel Fred ist. Eine geschwätzige, betrunkene Cousine, Nsansa (Elizabeth Chisela), taucht auf und leistet ihr unerwünschte Gesellschaft.
Der Film geht dann in die Rituale der Trauer über: eine Beerdigung organisieren, für die Hinterbliebenen kochen, performativ trauern, vieles davon in einem Schockzustand. Nyonis Debüt, die surreale komische Satire „I Am Not a Witch“ aus dem Jahr 2017, war ein scharfer Stich ins Auge der afrikanischen Mystik, indem sie ein ernstes Mädchen in die ungewollte Hexerei einführte, während andere Frauen an traditionelle Rollen gebunden blieben. Hier ist die Verbindung kühler und verstörender. Als Shula mit Wasser überflutete Räume betritt, dreht sich der Film um eine tranceartige Bedrohung, die von Lucrecia Dalts kratzendem experimentellen Synthesizer-Soundtrack widergespiegelt wird.
Wir erfahren auch mehr über Perlhühner, als wir uns je hätten vorstellen können, einschließlich der Art und Weise, wie die stämmige Art den Rest der Herde vor Gefahren warnt. Shula, verloren in ihren hartnäckig vagen Halberinnerungen, kann sich nicht ganz von der Vergangenheit ihres Onkels befreien. Und wenn es zum finalen Showdown kommt – mehrere Frauen und Mädchen zwitschern eine animalische Warnung –, stellen sich einem die Nackenhaare auf.
Plötzlich war Cannes doch zu real.