„Blonde“, rezensiert: „Die Passion Christi“ für Marilyn Monroe

Selbst wenn „Blonde“, geschrieben und inszeniert von Andrew Dominik, einen sympathischen und anspruchsvollen Einblick in das Privatleben von Marilyn Monroe geboten hätte, wäre es ein filmisches Desaster geworden. Der Film ist lächerlich vulgär – die Geschichte von Monroe, als wäre sie durch Mel Gibsons „The Passion of the Christ“ kanalisiert worden. Die Figur erträgt eine überwältigende Reihe unerbittlicher Qualen, die weit davon entfernt sind, Angst und Mitleid zu erregen, sondern eine besondere Art von Regie-Sadismus widerspiegeln. Um die Leiden der Protagonistin anzuprangern, schwelgt „Blonde“ darin. Es zeigt Monroe als Spielzeug ihrer Zeit, ihres Milieus und ihres Schicksals, indem sie sie zum eigenen Spielzeug der Filmemacherin macht. Das eigentliche Thema des Films ist die Deformation von Monroes Persönlichkeit und Kunstfertigkeit durch Hollywood-Studiomanager und -Künstler; Um diese Geschichte zu erzählen, wiederholt Dominik sie in der Praxis.

„Blonde“, eine Adaption des gleichnamigen Romans von Joyce Carol Oates, hat eine einzige Idee: dass Monroe ihr ganzes Leben lang zum Opfer wurde. Das Kind Norma Jeane Mortenson (gespielt von Lily Fisher) ist das Opfer ihres Vaters, der sie nie wollte; von ihrer Mutter (Julianne Nicholson), die psychisch krank ist; von Nachbarn, die sie in ein Waisenhaus bringen. Als junge Frau wird sie Opfer von Fotografen, die sie nackt fotografieren. Als Marilyn Monroe (Ana de Armas) wird sie Opfer eines Studiobosses, Mr. Z (David Warshofsky), der sie vergewaltigt und sie dann mit Rollen belohnt; eines Agenten, der ihre Persona herstellt und sie zwingt, sich ihr anzupassen; von Produzenten und Regisseuren, die sie unterbezahlen und sie als sexy und dumm stereotypisieren; ihrer zwei Liebhaber zu dritt, die ihre Vertraulichkeiten ausnutzen und missbrauchen. Sie ist das Opfer ihrer beiden Ehemänner während ihrer Ruhmesjahre: Joe DiMaggio (Bobby Cannavale), der will, dass sie nicht arbeitet, ist heftig eifersüchtig und misshandelt sie körperlich; und Arthur Miller (Adrien Brody), der sie für seine Arbeit vampirisiert. Sie wird von Präsident John F. Kennedy (Caspar Phillipson) sexuell angegriffen; Sie wird in seinem Namen vom Secret Service missbraucht. (Der Film nennt DiMaggio oder Kennedy nicht, identifiziert sie aber eindeutig anhand ihrer Eigenschaften und ihrer Rolle in Monroes Leben.)

Paparazzi und die Presse dringen in ihr Privatleben ein. Ihre anbetenden Fans sind sabbernde Perverse, die ihre Sexiness auf dem Bildschirm und ihre dankbare Anbetung bei öffentlichen Auftritten fordern. Sie verwechseln ihre Marilyn Monroe-Persönlichkeit mit ihrem wahren Selbst, obwohl sie es als reines Produkt für den öffentlichen Konsum betrachtet, das wenig mit ihrer wahren Persönlichkeit zu tun hat. Der emblematische Moment des Films zeigt sie, wie sie ein Foto von sich selbst – von Marilyn Monroe – in einer Zeitschrift betrachtet und sagt: „Sie ist hübsch, aber sie ist nicht ich.“ Doch der Film kommt nie nahe daran, darauf hinzuweisen, wer tatsächlich die wirkliche Person ist.

Der Film präsentiert Marilyn als eine aufregend talentierte Schauspielerin, die lange vor ihrer Erfahrung mit dem Actors Studio tief in persönliche Erfahrungen und emotionale Erinnerungen eintaucht, um Darbietungen von schockierender Intensität zu liefern. Es deutet auch darauf hin, dass Hollywood dieser Kunstfertigkeit wenig Raum bietet und sie stattdessen in Rollen drängt, die sich auf ihre sexuelle Anziehungskraft konzentrieren. Es präsentiert sie als eine belesene, nachdenkliche und einfühlsame Schauspielerin, deren künstlerisches Ideal und Traum das Theater bleiben, und – in der besten Szene des Films – erklärt sie, warum. Während ihres ersten Dates mit DiMaggio erzählt sie ihm, dass sie Hollywood verlassen und nach New York gehen will, um Schauspiel zu studieren, zu lernen, eine großartige Schauspielerin zu werden, und Theater zu machen (vor allem Tschechow), weil das Schauspielern im Film „ Schnitt Schnitt Schnitt.” Sie fügt hinzu: „Es ist ein Puzzle, aber Sie sind nicht derjenige, der die Teile zusammensetzt.“ Es ist wahr, dass die Schauspielerei in Filmen und auf der Bühne völlig unterschiedlich ist, und diejenigen, die in dem einen gut sind, sind nicht unbedingt gut für das andere geeignet. „Blonde“ zeigt den Unterschied nicht, sondern behauptet ihn nur; Der Film zwinkert und nickt nur in die allgemeine Richtung dessen, was Marilyn auf der Bühne hätte erreichen können.

Filme können durchaus „cut cut cut“ sein, und Dominik fügt der Figur von Marilyn einige einzigartig unfreundliche zu. Er lässt einen Höhepunkt theatralischer Bravour aus, in Marilyns erster Klasse im Actors Studio, wo sie auf die Bühne gestellt wird, um die Hauptrolle in einem Stück von Miller zu lesen, der dort skeptisch zuschaut, zweifelnd an den Fähigkeiten der Hollywood-Diva die komplexe Rolle zu seiner Zufriedenheit ausfüllen. Stattdessen entlockt sie ihr den wilden Applaus ihrer Klassenkameraden und Millers fassungslose Bewunderung und Tränen der Rührung. Aber diese Leistung selbst? Keine Sekunde davon wird gezeigt.

Es gibt nichts über die Politik der Monroe im wirklichen Leben, einschließlich ihres Widerstands gegen die Presse und das Studio, um Miller zu heiraten (der vom House Un-American Activities Committee vorgeladen wurde, um über seine früheren Verbindungen zur Kommunistischen Partei auszusagen), sie Konversion zum Judentum und ihren eigenen Aktivismus (einschließlich gegen Atomwaffen). Es gibt nichts über die Kontrolle, die Monroe über ihre eigene Karriere übernahm, indem sie eine Produktionsfirma gründete, um ihre eigenen Projekte auszuwählen und zu entwickeln; nichts über ihre frühe Begeisterung für Filme oder ihre Entdeckung des Modelns. (Der Film springt von der Ankunft des Kindes Norma Jeane in einem Waisenhaus zu einer schnellen Montage der Fotos der Teenagerin in Zeitschriften.) Es gibt nichts von ihrem Bemühen, Armut und Plackerei zu entkommen, von ihren ernsthaften und nachdenklichen Bemühungen, ihre Karriere voranzutreiben; kein Wort über Monroes extrem harte Arbeit als Schauspielerin oder ihre obsessive Abhängigkeit von ihrer Schauspieltrainerin Natasha Lytess für sieben oder acht Jahre. Kurz gesagt, was auch immer mit Monroes Hingabe an ihre Kunst und ihrer Aufmerksamkeit für ihr Geschäft zu tun hat, wird an den dünnsten Rand verbannt.

Der Film besteht zwar anhand einiger Szenen darauf, dass die Figur der Marilyn eine intelligente und einfühlsame Schauspielerin ist, doch „Blonde“ reduziert die Szenen, in denen sie scharfsinnige Ideen und scharfsinnige Gedanken zum Ausdruck bringt, auf ein bezeichnendes, forensisches Minimum. Zum Beispiel sagt Marilyn auf dem Weg zu ihrem katastrophalen Besuch bei JFK in einem Hotelzimmer, dass an ihrer Beziehung nichts Sexuelles sei. Aber was zwischen ihnen in den Begegnungen vor dem passiert ist, in dem er sie angreift, fehlt völlig. Wenn sie neben ihren Beziehungen zu Männern, ob Kennedy, DiMaggio, Miller oder einem Liebespaar – Charlie Chaplin, Jr. (Xavier Samuel) und Edward G. Robinson, Jr. (Evan Williams), ein soziales Leben geführt hätte wen sie zu dritt zeigt – Dominik interessiert das nicht.

Das Problem ist nicht nur, was Dominik sich nicht vorstellt, sondern was er tut. Er inszeniert, als würde er Poesie definieren als die Verwendung von zehn vagen Wörtern, wo drei klare ausreichen würden, und überträgt dieses Missverständnis dann auf Bilder. Um ein Gefühl von Subjektivität, von Marilyns Geisteszuständen, anzunähern, verlässt er sich auf Bilder, die unscharf sind (aber nicht so sehr, dass sie wirklich dunkel sind), einen Soundtrack, der Stimmen in aquatische Dunkelheit taucht (aber nicht vollständig) , Zeitlupenszenen, um Gefühle zu unterstreichen, ohne sie zu entwickeln, eine Palette, die zwischen Farbe und Schwarzweiß hin und her springt (ihr Leben kommt ihr manchmal vor wie ein Film – verstanden?).

Aber solche schlappen Annäherungen sind neben Dominiks grelleren und demonstrativen Tricks trivial. Wenn Marilyn schwanger wird, passiert das durch einen der schlimmsten Effekte, die ich je gesehen habe. Sie verbringt einen Abend im Freien mit den beiden Juniors, unterhält sich über Astrologie, während sie zu einem Himmel voller Sterne aufblickt, die sich zu bewegen beginnen und sich dann in verschnörkeltes Sperma verwandeln. Ihr Fötus wird dann im Mutterleib gezeigt, und dieser Fötus kehrt wiederholt in den Film zurück, in CGI-Fötus-Verrücktheiten, bei denen er letztendlich mit ihr spricht. Marilyn lässt abtreiben, um in „Gentlemen Prefer Blondes“ mitzuspielen; Dies ist traumatisch, ebenso wie eine spätere Fehlgeburt und eine andere, vage angedeutete nachfolgende Abtreibung. In all diesen Episoden wird das Streben nach Schärfe und Subjektivität grob und gefühllos durchgeführt. Ein Blick nach oben und nach außen, aus der Sicht von Marilyns Vagina auf die Abtreiberin, erinnert an Dominiks eigene Verletzung und Missbrauch des Körpers der Figur. Inmitten dieser Groteske und Vulgarität verleiht allein de Armas’ Leistung, energisch und nuanciert, dem Film ein gewisses Maß an Würde.

Andere derartige Effekte und Gimmicks im gesamten Film trivialisieren seine angebliche Bedeutung und machen seine grimmige Qual lächerlich. Als zum Beispiel Kennedy in Marilyns Mund kommt, zeigt der Fernseher in seinem Zimmer einen Clip einer abschießenden Rakete und Aufnahmen (scheinbar aus „Erde gegen die fliegenden Untertassen“), in denen außerirdische Raumschiffe gegen das Washington Monument und das Kapitol explodieren . Marilyns lebenslange Suche nach ihrem Vater gipfelt darin, dass sein Gesicht – das Gesicht des Mannes, den ihre Mutter ihren Vater nannte – im Moment ihres Todes in den Himmel projiziert wird. Wenn Marilyns Lieder aus ihren Filmen in den Soundtrack eingefügt werden, sind es solche, die das Wort „Daddy“ enthalten, wie aus „Ladies of the Chorus“, und „Baby“ aus „Gentlemen Prefer Blondes“. Man muss es Dominik lassen: Er übertrifft die vermeintlich krassen Schausteller des klassischen Hollywoods nicht nur an offenkundigem künstlerischem Ehrgeiz, sondern auch an Geiz, dreister Geschmacklosigkeit und sexueller Ausbeutung. ♦