Einer der vielen guten Gründe, sich die Ausstellung von Roy Lichtensteins Pre-Pop-Art-Arbeit „Roy Lichtenstein: History in the Making, 1948–1960“ anzusehen, die im Frühjahr im Colby College Museum of Art entstand und in die Parrish Art Museum in Water Mill, New York, am 1. August – erinnert uns an etwas, das wir tendenziell aus den Augen verlieren, wenn wir in die kritische Angelegenheit verstrickt sind, Pop in eine kunsthistorische Genealogie einzuordnen, oder um es als Gesellschaftskritik auszupacken, nämlich dass Pop Art lustig ist. Es bringt dich zum Lächeln. Es gibt nicht viele Kunstrichtungen, von denen man das sagen könnte.
Ungewöhnlich an der amerikanischen Pop-Art ist, dass (anders als beispielsweise die britische Pop-Art) die Hauptfiguren – Lichtenstein, James Rosenquist, Andy Warhol – keine persönliche Beziehung zueinander hatten und ihre Pop-Art-Stile unabhängig voneinander entwickelten. Eine andere ist, dass sie alle gleichzeitig auf die Bühne platzen.
Wir schreiben das Jahr 1962. Im Februar hatte Lichtenstein in New York City seine erste Ausstellung von Gemälden auf der Grundlage von Comic-Tafeln in der Castelli Gallery, und Rosenquist hatte seine erste Einzelausstellung in der Green Gallery. Im Juli hatte Warhol in Los Angeles seine erste Solo-Pop-Art-Ausstellung „32 Campbell’s Soup Cans“ in der Ferus Gallery. Im September wurde im Pasadena Art Museum die Gruppenausstellung „New Painting of Common Objects“ mit Werken von Lichtenstein, Warhol, Ed Ruscha und Wayne Thiebaud eröffnet.
Im Oktober veranstaltete der Galerist Sidney Janis in Midtown Manhattan eine Extravaganz mit dem Titel „The New Realists: An Exhibition of Factual Paintings and Sculpture from France, England, Italy, Sweden, and the United States“. Neunundzwanzig Künstler waren vertreten, darunter Lichtenstein, Warhol, Rosenquist, Thiebaud, Claes Oldenburg, Robert Indiana und George Segal. Die Ausstellung war so groß, dass Janis einen zweiten Raum beanspruchen musste, um alles unterzubringen. Im Dezember fand im Museum of Modern Art „A Symposium on Pop Art“ statt – und Pop Art wurde zum Namen, der haften blieb.
Bereits multinational, wie die Ausstellung in Janis’ Galerie zeigte, wurde die Pop-Art schnell global. 1964, dem Jahr, in dem Warhol seine Brillo-Box-Ausstellung in der Stable Gallery in New York hatte, und Robert Rauschenberg – kein Pop-Künstler, aber in vielerlei Hinsicht nahe genug – gewann den Großen Preis für Malerei auf der Biennale von Venedig, Pop Kunst war überall.
Lichtenstein war ein Farben-Aholic. Er war sechs Stunden am Tag im Studio. Nachdem er berühmt wurde, verbrachten er und seine Frau einige Zeit auf Captiva, vor der Küste Floridas, aber er wollte nicht dorthin, weil er nicht wusste, was er mit sich selbst an einem Strand anfangen sollte. So hat er ein sehr umfangreiches Werk geschaffen. (Er starb 1997.) Dennoch ist sein Name gleichbedeutend mit den Comic-Gemälden, die er Anfang der sechziger Jahre malte – das erste davon, „Look Mickey“, jetzt in der National Gallery of Art, stammt aus dem Jahr 1961 – und aus diesen Stücken erwachsen stilistisch und thematisch alle späteren Arbeiten. „Roy Lichtenstein: History in the Making“ ist ein Blick zurück auf die Evolutionsleiter, in die Zeit, bevor der Künstler an Land kroch.
Der Pre-Pop Lichtenstein ist genauso lustig wie der Pop Lichtenstein. Sein Sinn für Ironie ist ziemlich tief, aber er ist immer verspielt. Auffallend ist, dass es von Anfang an nicht um Dinge oder Menschen, sondern um Darstellungen von Dingen oder Menschen ging. Dies wäre ein Schlüsselmerkmal der Pop-Art – und deshalb verfehlt die Klassifizierung von Pop als Kunst der „gemeinsamen Objekte“ oder als „sachlich“ oder „realistisch“ das Ziel. Das Thema der Pop-Art sind keine Objekte. Es ist Werbung, Zeitschriften- und Zeitungsfotografie, Verpackung, Etikettierung, Beschilderung. Pop-Künstler repräsentierten die grafische Umgebung in einer konsumorientierten Welt.
Für den frühen Lichtenstein bestand dies hauptsächlich aus Illustrationen, Anzeigen und Reproduktionen in Lehrbüchern. „Es war ein Kommentar zur grafischen Arbeit anderer Leute“, erklärte er Calvin Tomkins viele Jahre später, was er tat. Sein üblicher Pre-Pop-Modus bestand darin, das Originalbild im Stil der modernen Kunst zu reproduzieren, und seine Hauptmodelle scheinen Pablo Picasso und insbesondere Paul Klee gewesen zu sein. Er benutzte Klees Palette und seinen faux-primitivistischen, zweidimensionalen Zeichenstil – alberne Gesichter, klumpige Körper, vereinfachte Formen.
Ein bemerkenswertes frühes Beispiel ist „Washington Crossing the Delaware II“ aus dem Jahr 1951, eine Version (Lichtenstein hat zwei davon gemacht) von Emanuel Leutzes berühmtem Gemälde, als ob es von einem Erstklässler neu gezeichnet worden wäre. (Es ist wahrscheinlich kein Zufall, dass Leutzes 1851 datiert und Lichtensteins ein Jahrhundert später gemalt wurde. Das scheint ihm gefallen zu haben.)
Tatsächlich besteht fast das gesamte enuvre Lichtensteins vor dem Pop aus jungenhaften Darstellungen jungenhafter Begeisterung: Kampfszenen, mechanische Geräte, Cowboys und Indianer, mittelalterliche Ritter, Piloten, Tiefseetaucher (wahrscheinlich inspiriert von Zeitschriftenberichterstattungen des Tauchers Jacques Cousteau). Ende des Jahrzehnts gibt es eine kurze Strecke reiner Abstraktion, obwohl auch diese Arbeit wie ein Pastiche oder eine Nachahmung der abstrakten Malerei wirkt. 1958 sehen Sie das Gesicht von Mickey Mouse und spüren, dass die Landung nahe ist.
Was Lichtensteins Kunst in Pop verwandelte – seinen frühen, skizzierten Mickey in ein erkennbares Comic-Buch in Primärfarbe, Mickey – war dasselbe, was die von Warhol veränderte: die Annahme eines Hard-Edge-Stils. Lichtenstein entledigte sich der malerischen Patina, die seit den Abstrakten Expressionisten der späten vierziger Jahre fast eine sine qua non der Avantgarde war. Auch die 1958 erstmals ausgestellte „American Flag“ von Jasper Johns weist eine malerische Patina auf. Lichtenstein ließ seine Zeichnung eher mechanisch als freihändig aussehen. Der stilistische Wandel war so auffällig, dass die Pop-Art in der Anfangszeit manchmal als die Schule der harten Kante bezeichnet wurde.
Im Fall der Comic-Bilder war das Transformationsmittel nicht, wie es in den Pre-Pop-Werken der Fall war, sie in einer modernen Kunstsprache zu reproduzieren. Es reproduzierte sie nach den kompositorischen Elementen der bildenden Kunst. Lichtenstein kopierte nicht nur die Originale – ein weit verbreitetes Missverständnis. Seine Bilder sind alle von der eigentlichen Comic-Kunst abgeleitet, aber er hat sie verändert, ihre Elemente vereinheitlicht, sie formal eher zu Kunstwerken gemacht. „Ich nehme ein Klischee und versuche, seine Formen so zu organisieren, dass es monumental wird“, erklärte er he Leben Zeitschrift, im Jahr 1964, für ein Stück mit dem Titel “Is He the Worst Artist in America?” „Der Unterschied ist oft nicht groß, aber entscheidend.“
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