Als im Spätfrühling und Frühsommer wieder Konzerte in Innenräumen stattfanden, war ich weniger von der Qualität der Aufführungen beeindruckt, die so oft großartig waren, als von der erhabenen Tatsache des Klangs an sich. Lange der Live-Musik beraubt, fühlte ich mich einfach verwundert über die schwerelose Majestät von Stimmen und Instrumenten, die in einem sympathischen Raum mitschwingen. Im Juni spielte das Los Angeles Chamber Orchestra in der Disney Hall Alberto Ginasteras „Variaciones Concertantes“, und das Tautropfen-Arpeggio, das aus Elisabeth Zosseders Harfe aufstieg, war mehr oder weniger das Schönste, was ich seit einem Jahr gehört hatte. Ebenso wichtig war die Gesellschaft der Mithörer. Musik ist bei aller vermeintlichen Ätherizität die materiellste der Künste, die am unmittelbarsten auf den Körper einwirkt. Es ist die Sprache der Körper, die im Raum kommunizieren.
New Yorker Schriftsteller reflektieren die Höhen und Tiefen des Jahres.
Die tausendjährige, tausendseitige Kunstform, die als klassische Musik bekannt ist, hängt fast ausschließlich von Live-Auftritten ab. Katastrophalerweise machte die Pandemie eine musikalische Existenz fast unmöglich. Organisationen und Einzelpersonen haben beim Streaming einige neue Tricks gelernt, aber niemand konnte eine Familie ernähren oder sich um ein Haustier kümmern, indem er Videos veröffentlichte. Diese frühen Indoor-Auftritte erregten die Herzen umso mehr, als sie der Klang der Wiederaufnahme der Arbeit waren. Statistiken der letzten Jahre deuten darauf hin, dass amerikanische Orchester und Opernhäuser vor der Pandemie zusammen mehr als neunzigtausend Menschen beschäftigten. Dies ist keine kleine Kohorte, und sie schließt die Tausenden von Freelancern aus, die keine organisatorischen Reserven hatten, auf die sie zurückgreifen konnten, wenn alles geschlossen wurde. Dieser vergängliche Schimmer ist die Arbeit von Kehlen, Lungen, Armen und Händen.
Ash Fure, dessen Installation „Hive Rise“ unten aufgeführt ist, machte letztes Jahr in einem gedruckten Interview einen bemerkenswerten Kommentar: „Wir haben so wenige bürgerliche Räume übrig, die es uns ermöglichen, außerhalb der Sprache zu kommunizieren. Und obwohl ich in der klassischen Musikkultur vieles eindringlich finde – ihre koloniale Geschichte, ihre Homogenität, ihre exorbitanten Kosten –, sind die Versammlungen, die die Tradition heraufbeschwört, einige der letzten im Westen, die eine telefonfreie Konzentration und kollektive Ruhe erwarten . Ich finde es immer noch zutiefst seltsam und zutiefst bewegend, dass Menschen in Stille zusammenkommen, nur damit Luftmoleküle gleichzeitig gegen ihre Haut stoßen können. . . Ich fühle mich zu Klängen hingezogen, weil Klänge uns auf radikal gegenwärtige Weise in unsere Körper und ineinander ziehen.“ Diese Worte helfen zu erklären, warum sich die Rückkehr zur Live-Musik in gewisser Weise wie die Rückkehr des Lebens selbst anfühlte.
Zehn bemerkenswerte Aufführungen von 2021
„Darkness Sounding“ in Los Angeles, 15. Januar bis 11. Februar
Während der düsteren Monate des letzten Winters wurden meine Bemühungen, die Kolumne Musical Events über Wasser zu halten, manchmal ein wenig verzweifelt. Ich schrieb über David Hockneys Wagner Drives, bei dem ich entlang der Küstenstraßen von LA rumpelte, während ich Wagner auf der Stereoanlage spielte. Ich saß auch in den Hinterhöfen von Fremden und hörte Windspiele, die auf Wild Ups „Darkness Sounding“-Festival stattfanden. Aber die extreme Intimität dieser Ereignisse war anders als alles, was ich als Kritiker erlebt hatte. Eines Tages saß ich mit der Komponistin und Sängerin Odeya Nini in einem kleinen Park in Mount Washington, während sie ihr Stück „I See You“ aufführte. Niemand sonst war da. Es fühlte sich an, als würde die Musik nach der Sintflut Note für Note neu erfunden.
Video: Odeya Nini
The New York Philharmonic at the Shed, 14. April
Esa-Pekka Salonen ist kein Redner auf dem Podium, daher lohnt es sich, auf seine Worte zu hören, als der NY Phil zu Hallenauftritten im Shed zurückkehrt: „Wenn wir Musiker in diesen vierzehn Monaten oder so etwas gelernt haben, nichts, absolut nichts, kann den Akt und das Ritual eines Live-Konzerts ersetzen. Musik existiert natürlich auf vielen verschiedenen Ebenen: in schriftlicher Form, unter Verwendung des komplexen Symbolsystems, das wir Notation nennen; als Aufnahmen auf verschiedenen Medien; oder, vielleicht am wichtigsten, in unserer Erinnerung und in unseren Träumen. Allerdings erfüllt Musik ihre ursprüngliche, ich wage zu sagen, biologische Funktion als machtvolles Werkzeug, um tiefste Emotionen und Gefühle zu vermitteln, nur dann wirklich, wenn sie hier und jetzt aufgeführt wird, zu diesem einzigartigen Zeitpunkt, an dem Musik, Interpreten und das Publikum eins werden perfekte Symbiose.“
Julius Eastmans „Femenine“ in Orange County, 18. Juni
Eastmans 75-minütiger minimalistischer Moloch tauchte 2016 wieder auf, mehr als 25 Jahre nach dem Tod des Komponisten. Seitdem hat es sich zu einem modernen Schlachtross entwickelt, mit nicht weniger als vier im Umlauf befindlichen Aufnahmen bei den Labels Frozen Reeds, Another Timbre, Sub Rosa und New Amsterdam. Das letzte Album, gespielt von dem in LA ansässigen Ensemble Wild Up und betreut von Seth Parker Woods, Richard Valitutto und Christopher Rountree, ist das wichtigste von allen – eine Ode an und an die Freude. Eine Freilichtaufführung in Orange County wurde zu einer Art agnostischen Gottesdienst, bei dem ein Glockenorchester die Nacht erschallte.
Video: „Weiblich“
Kaija Saariahos „Innocence“ in Aix-en-Provence, 3. Juli
Saariahos faszinierende Oper über eine Schulschießerei war mit großem Abstand das große neue Werk des Jahres. In meiner Rezension hätte ich viel mehr zu Sofi Oksanens Libretto sagen können, einem der brillantesten und psychologisch scharfsinnigsten Operntexte des Jahrhunderts. Betrachten Sie als kleines, aber aussagekräftiges Beispiel, wie ein Priester den Mut verliert, während er den Eltern eines Massenmörders Brombeeren vor sich hinmurmelt. „Dein Erstgeborener kann noch einen Weg für ihn finden“, sagt der Pfarrer, „und ich kann ihm helfen, eine Arbeit zu finden, bei der auch er etwas zurückgeben kann.“ Nach einigen leise stöhnenden Akkorden fügt er hinzu: „Ich weiß nicht, warum ich das gesagt habe.“
Herbert Blomstedt in Tanglewood, 7. August
Als ich den unermüdlichen Blomstedt in Tanglewood interviewte, erzählte er mir eine Geschichte über seinen Kollegen Sixten Ehrling, einen Dirigenten, der für seinen wilden Witz berüchtigt ist. Ehrling leitete von 1963 bis 1973 das Detroit Symphony, und gegen Ende stimmten die vernarbten Musiker darüber ab, ob er bleiben oder gehen sollte. Wie Blomstedt erzählt, hat nur ein Spieler für “Bleiben” gestimmt. Bei einer Abschiedsveranstaltung jedoch identifizierten sich etwa vierzig Musiker als einziger Unterstützer – behauptete Ehrling zumindest. Über Blomstedt, der mit dem Tod von Bernard Haitink zum geliebten älteren Weisen des Dirigentenberufs geworden ist, wird eine solche Geschichte nicht erzählt.
Davóne Tines bei Konzerten am Montagabend, 8. September
Ein rituelles Programm in der First Congregational Church in Los Angeles, das von Bach bis Julius Eastman reichte, zeigte die Kühnheit, Leidenschaft und Intelligenz eines der besten jüngeren Sänger Amerikas. Ich habe ihn für das Magazin porträtiert, und seine Kritik an der hohlen Rhetorik der klassischen Musik von Erhebung und Transzendenz lässt sich wiederholen: „In der Kunst gibt es diese extreme kognitive Dissonanz zwischen all unseren Plattitüden, dass Kunst die höchste Form menschlichen Ausdrucks, und so weiter und die Tatsache, dass wir nicht ganz einfach fragen: ‚Wie fühlst du dich? Was brauchen Sie?’ ”
Video: Eastmans „The Holy Presence of Joan d’Arc“
Terence Blanchards „Fire Shut Up in My Bones“ an der Met am 27. September
Die Schlagzeilen konzentrierten sich auf die Tatsache, dass Blanchards streng konstruiertes Drama des modernen schwarzen Lebens die erste Oper eines Afroamerikaners war, die jemals an der Met gespielt wurde. Dies geschieht fünf Jahre, nachdem das Unternehmen Saariahos „L’Amour de Loin“ präsentierte, seine erste Oper einer Komponistin seit 1903. Diese peinlich verspäteten Durchbrüche veranschaulichen das zentrale Dilemma, mit dem sich klassische Institutionen des Mainstreams konfrontiert sehen: solange sie an die Vergangenheit gebunden sind , werden sie in jeder Hinsicht regressiv sein. Lebende Komponisten bieten den einzigen Weg nach vorne.
Igor Levit im Thomas Mann House, 16. Oktober
Manns ehemaliges Wohnhaus in LA, das die Bundesregierung 2016 gekauft hat, ist nicht für die Öffentlichkeit zugänglich, aber es beherbergt Versammlungen und musikalische Soireen. Sein erstes Ereignis nach der Pandemie war außergewöhnlich: Igor Levit spielte Beethovens Sonate Opus 111 auf Manns eigenem Wheelock-Babyflügel. Da ich als Gesprächspartner an der Versammlung teilgenommen habe, kann ich keine kritische Distanz beanspruchen – siehe dazu Mark Sweds LA Mal Rechnung – aber der Abend hätte mich auf jeden Fall in seinen Bann gezogen. Neben mir saß Frido Mann, der gleichartige Enkel des Autors, der dem Haus das Klavier geschenkt hatte. Theodor W. Adorno hatte am gleichen Instrument gesessen, als er mit Mann über Opus 111 sprach – eine Abhandlung, die Teil des Romans „Doktor Faustus“ wurde, der im Arbeitszimmer neben dem Wohnzimmer geschrieben wurde. Ich habe keine Neigung zum Übernatürlichen, aber es gab Momente, in denen ich den Pinsel von Geistern spürte.
Jonny Greenwoods Filmmusik zu „The Power of the Dog“, 17. November
Wenn ein Regisseur einen Komponisten ermächtigt, einen Film zu tragen und nicht einfach mitzumachen, entsteht eine einzigartige Art von Musikdrama. Ein solcher Moment kommt in einer äußerlich unauffälligen Szene gegen Ende von Jane Campions großartigem Post-Anti-Western. Während ein anspruchsvoller junger Mann namens Peter auf einem Pferd eine Bergschlucht hinaufreitet, signalisiert Greenwoods Partitur – zwei Waldhörner, die sich in einem hallenden Raum rätselhaft zurufen –, dass wir Zeugen einer Offenbarung oder Transformation werden, obwohl wir noch nicht alles sehen können Maße.
Ash Fures „Hive Rise“ beim Geffen Contemporary, 20. November