Das Publikum beim Ojai Music Festival, dem südkalifornischen New-Music-Jamboree, ist an unvorhersehbare Ereignisse gewöhnt, aber die diesjährige Ausgabe hat vielleicht sogar erfahrene Besucher überrascht. Ein Schlagzeuger rannte im Kreis und schlug Röhrenglocken; ein Cellist spielte sein Instrument, während er auf einem sich bewegenden Skateboard saß; ein anderer Cellist betrat einen Veranstaltungsort mit einer Garderobe über dem Rücken; Tänzer in aufblasbaren Triceratops-Kostümen tanzten im Stadtpark Walzer. Das Festival gipfelte in einer herrlich lauten Darbietung von Julius Eastmans „Stay on It“, bei der Tänzer von der Bühne ins Publikum strömten.
Das Ojai-Festival, das seit 75 Jahren ein idyllisches Bergtal erschüttert, hat jede Saison einen anderen Musikdirektor. Diesmal fiel der Auftrag an die American Modern Opera Company (Amok), ein junges Kollektiv aus siebzehn Sängern, Instrumentalisten und Tänzern, das vor fünf Jahren von dem Komponisten Matthew Aucoin und dem Regisseur Zack Winokur gegründet wurde. Einige Mitglieder der Gruppe haben es in der Klassikbranche bereits zu Berühmtheit gebracht: Aucoins Oper „Eurydike“ wurde in der vergangenen Saison an der Met aufgeführt AmokDie Residentsänger von Paul Appleby, Julia Bullock, Anthony Roth Costanzo und Davóne Tines haben alle internationale Karrieren hinter sich. Noch Amok, das in einem kommunalähnlichen Komplex im südlichen Vermont angesiedelt ist, lässt mehr Freiheit zu, als größere Institutionen ohne weiteres aufnehmen können. Starre Hierarchien werden durch eine demokratischere, grenzwertig-anarchische Praxis ersetzt. Die Spezialisierung bricht zusammen: Tänzer singen, Sänger tanzen, Instrumentalisten machen beides.
Demokratie kann ein chaotischer Prozess sein, und nicht alles Amok‘s Mixturen geliert. Es gab ein geringes Übermaß an frühreifer Nussigkeit; Mehr als einmal hatte ich das Gefühl, eher einer Brainstorming-Sitzung für ein zukünftiges Stück als dem Stück selbst zuzuschauen. Aber der „Lasst es uns einfach mal ausprobieren“-Geist lieferte mehr als nur ein paar Einblicke. Tines, in einer Programmnotiz beschreibend AmokHerangehensweise an Eastmans unerschütterlich radikale Musik schrieb er: „Was ist möglich, wenn alle Mitglieder eines darstellenden Ensembles bei jedem Schritt der Entstehung einer Aufführung anwesend sind?“ Ojai machte die Möglichkeiten deutlich.
Obwohl Amok „Oper“ im Namen trägt, verschmäht es konventionelle Definitionen des Genres. Jeder, der ereignisreiche Plots, gut definierte Charaktere oder aufwändige Sets erwartet hat, wäre von Ojai enttäuscht gewesen. In einem anderen Sinne aber Amok‘s Präsentationen sind den Wurzeln der Oper treuer als die meisten modernen Manifestationen dieser Form. Die höfischen Maskenspiele des Renaissance-Italien, aus denen die Oper hervorging, stellten Musik, Tanz und Poesie gleichberechtigt dar, wobei ein spielerischer Geist vorherrschte; die Idee eines Komponisten, der ein kohärentes Drama leitet, kam später.
Der Schwerpunkt liegt auf Tanz und Bewegung Amok ein besonders origineller Stempel. Seine vier Tänzer-Choreografen – Bobbi Jene Smith, Or Schraiber, Julia Eichten und Winokur, die an der Juilliard Tanz studierten – prägen die Werke von Anfang an. Smith und Schraiber, die verheiratet sind, lernten sich als Mitglieder der Batsheva Dance Company in Tel Aviv kennen, wo sie die „Gaga“-Praxis des abtrünnigen israelischen Choreografen Ohad Naharin aufnahm – eine fließende, lockere, sich ständig drehende Bewegungsform das kann von Menschen übernommen werden, die keine ausgebildeten Tänzer sind.
Betreten Sie den brillanten jungen Cellisten Coleman Itzkoff, der einen Kleiderschrank auf dem Rücken trägt. In Schraibers Stück „The Cello Player“ spielte Itzkoff die Rolle eines Troubadours, der seine Musik von Ort zu Ort bringt – eine Ansammlung von Klageliedern, von Giovanni Sollima, Coleridge-Taylor Perkinson und György Ligeti. Nachdem er sein Cello aus dem Kleiderschrank geholt hat, interagiert er mit zwei Tänzern, Schraiber und Yiannis Logothetis, die isolierte Seelen zu sein scheinen – vielleicht Brüder, vielleicht Freunde –, die in einer ewigen Koexistenz eingeschlossen sind. Das Duo wechselt zwischen lustlosen Posen und präzisen Ausbrüchen synchronisierter Bewegungen: volkstümliches Tanzen, Slapstick-Pratfalls, kämpferische Ausfallschritte und Schläge, Momente sinnlicher Umarmung, die entgleiten. Es ist eine Studie über die Komplexität männlicher Bindungen, wobei die Musik ein Ritual suggeriert, das sich immer wieder wiederholt.
Im Geiste verwandt war ein größeres Werk, „Open Rehearsal“, das Smith in Zusammenarbeit mit einem Dutzend Musikern und Tänzern konzipierte und inszenierte. Das Stück entstand aus einem Projekt aus der Zeit der Pandemie mit dem Titel „Broken Theatre“, das sich eine Gruppe von Künstlern vorstellt, die mit existenziellen Fragen konfrontiert werden, wenn ihr Publikum verschwindet. In Ojai traten Musiker wieder aus den Nebenrollen ins Nahkampfgeschehen. Der Geiger Keir GoGwilt schlenderte herum und spielte Bachs Chaconne in d-Moll, während sich die Spannungen zwischen den Künstlern zu einem Moment der Gewalt aufbauten. Am Ende sang der Tänzer Vinson Fraley eine durchdringende Interpretation von Pete Seegers „One Grain of Sand“, die wie ein jenseitiger Trost wirkte.
Das Gefühl der Rückkehr zu den Ursprüngen der Oper wurde durch die Teilnahme des Ensembles für Alte Musik Ruckus verstärkt, dessen Gründer, der Fagottist Clay Zeller-Townson, mit Aucoin verheiratet ist. Bei einem fesselnden Nachmittagskonzert im Libbey Bowl, dem Hauptveranstaltungsort des Festivals, fügte Ruckus einer Reihe von Stücken von Bach improvisatorische Schnörkel und schwungvolle Tanzrhythmen hinzu, wobei die Flötistin Emi Ferguson virtuos die oberen Linien trug. Bei einem weiteren Konzert brachte Ferguson gemeinsam mit dem Pianisten Conor Hanick zwei Sätze aus Michael Herschs abendfüllendem Flöten-Klavier-Zyklus „Scars plumpet to the earth“ zur Uraufführung – Musik von introvertierter Intensität, die großen Raum zu bieten verspricht Amok Arbeit in der Zukunft.
Die Kompositionsstile des Festivals umfassten eine große Bandbreite, von der ätherischen Einfachheit von Cassandra Millers „About Bach“ bis zum aufrührerischen, poppigen Eklektizismus von Doug Ballietts Mini-Oper „Rome Is Falling“. Aucoin steuerte einen neuen Liederzyklus für Kammerorchester mit dem Titel „Family Dinner“ bei. Dieser hochbegabte, aber sich noch entwickelnde Komponist war am besten, wenn er Einflüsse von älteren Kollegen (John Adams, Thomas Adès) abschüttelte und seinen eigenen agilen, stacheligen Rhythmus fand. Der Höhepunkt des „Family Dinner“ war eine Quecksilbervertonung von Frank O’Haras „Having a Coke with You“; Appleby feuerte den Text ab, als wäre es Avantgarde Gilbert und Sullivan.
Ein entscheidendes Mitglied von Amok verpasste die Ojai-Feierlichkeiten: Bullock zog sich zurück, nachdem er positiv getestet hatte Covid. Sie sollte in Winokurs Inszenierung von Olivier Messiaens kaleidoskopischem Liederzyklus „Harawi“ singen; niemand konnte ihre Rolle kurzfristig übernehmen, obwohl die Sopranistin Ariadne Greif geschickt einige von Bullocks anderen Festivalaufgaben übernahm. Die Flexibilität der Amok Apparat ermöglichte einen schnellen Ersatz für „Harawi“. Tines, der bereits für die Aufführung eines reinen Eastman-Programms geplant war, fügte zu seinem weitgereisten konzeptionellen Konzert hinzu: „Masse“, die von Bach bis Gospel reicht.
Diese Auftritte lieferten einen neuen Beweis dafür, dass Tines, der kürzlich der Star in Anthony Davis’ „X“ an der Detroit Opera war, einer der faszinierendsten Sänger für das heutige Publikum ist. In der Eastman-Sequenz zeigte er gleichermaßen viszerale Kraft und ironische Intelligenz; in einer Interpretation von Frederic Rzewskis minimalistischem Klassiker „Coming Together“ wendete er eine Vielzahl von Nuancen auf den gesprochenen Text an (ein Brief des Attica-Gefängnisinsassen Sam Melville). Und in “BALSAM“, seine und Aucoins Ausarbeitung des spirituellen „There Is a Balm in Gilead“, brach Tines Ojais entspannte Stimmung, indem er von einer rassistischen Beleidigung erzählte, die er in der vergangenen Nacht erlitten hatte. Im Stadtpark, berichtete er, habe eine Frau zu ihm gesagt: „Ich mag nichts an dir, aber ich liebe deine Stimme.“
Ojai hält sich für einen fortschrittlichen Ort, auch wenn es in den letzten Jahren zu einem Spielplatz für die Elite von Los Angeles geworden ist. Danach wurde gemeckert: Hat der Vorfall eine so pointierte Reaktion erfordert? Doch Tines hatte Recht, sich zu äußern, insbesondere angesichts der beeindruckenden Geschicklichkeit, mit der er dies tat. Anstatt aufzuhören, um die düstere Geschichte zu erzählen, er sang es, improvisierende Gesangslinien wie die Amok Ensemble vamped hinter ihm. Das Unbehagen, das er hervorrief, war am Ende des Festivals verflogen, als weißhaarige Zuschauer „Bleib dran!“ riefen. und tanzen auf ihren Sitzen. Manchmal macht die Politisierung der Kunst sie schöner und wahrer. ♦