Die Oscar-Verleihung war eine bleiche und verwässerte Unterhaltung, mit wenig von dem, was irgendjemanden für Filme interessiert. Es fühlte sich wie Propaganda an, und das könnte – angesichts des Erfolgs von, sagen wir, Fox News – tatsächlich eine Formel für einen Quotenhit sein. Mit Jimmy Kimmel als Moderator und einheimischer Werbung für Disney, Warner Bros. und das Academy Museum war die diesjährige Sendung ein rauschendes kommerzielles Unterfangen, ein hektisches Verkaufsgespräch für Hollywood als Produkt und einen Wert an und für sich.
Der Elefant im Raum war natürlich die Ohrfeige vom letzten Jahr, was der Zeremonie die Art von Aufmerksamkeit verlieh, die die Akademie nicht wollte. Kimmel sprach es in seinem Eröffnungsmonolog an und scherzte, dass mit fünf irischen Schauspielern, die um Auszeichnungen kämpfen, „die Chancen auf einen weiteren Kampf auf der Bühne einfach gestiegen sind“. Wenige Sätze später scherzte er über den von der Akademie mobilisierten „Krisenstab“ bei „etwas Unvorhersehbarem oder Gewalttätigem“. Dieses Team hatte wahrscheinlich die ganze Nacht über wenig zu tun, aber die gesamte Zeremonie fühlte sich vor allem überwacht an. Die illustre Reihe von Moderatoren schien alle Angst davor zu haben, mit der vorherrschenden Atmosphäre des fröhlichen Anstands in Konflikt zu geraten, als ob jeder, der das Smiley-Gesicht der Eigenwerbung des Abends verdirbt, den Zorn der Akademie und der gesamten Branche auf sich ziehen würde. Obwohl Dwayne Johnson sich in der ersten Präsentation des Abends mit der Etymologie von „Animation“ beschäftigte und Hugh Grant sich später selbst als „Skrotum“ bezeichnete, wurden die Honoratioren damit beauftragt, auf dem Weg zum Öffnen der Umschläge und zum Lesen der Namen der Gewinner zu scherzen und zu knutschen so pflichtbewusst und vorsichtig wie Führungskräfte auf einer Hauptversammlung.
Es war Kimmel, der die Last der offiziell sanktionierten Nervosität trug, um die offiziellen Äußerungen auszugleichen, die er mit vorgetäuschter Unbekümmertheit einschlug. Die Academy-Mitgliedschaft brüskierte „Till“ und „The Woman King“, aber Kimmel bot beiden Filmen in seinem Monolog einen Daumen nach oben. Nach der Auszeichnung für den Filmschnitt lieferte er den einzigen scharfen politischen Witz des Abends über die Macht des Schnitts, „vierundvierzigtausend Stunden gewalttätiges Aufstandsmaterial in eine respektvolle Besichtigungstour durch das Kapitol zu verwandeln“. Er wurde auch beauftragt, die einzige wirklich geschmacklose Routine des Programms zu liefern, ein faux Zuschauer-Writing-Segment, in dem er Malala Yousafzai fragen musste, ob Harry Styles wirklich auf Chris Pine spuckte, sich über Colin Farrells Akzent lustig machte und darüber scherzte (der Abwesende) Matt Damons zweifelhafte Hygiene. Nirgends schien Spontaneität bereit zu sein, durch die Oberflächen des anständigen und werbenden Jubels zu brechen. Niemand, nicht Kimmel und keiner der Moderatoren, schien sich unterdrückt oder zensiert zu fühlen – die Normen und Standards schienen so tief verinnerlicht, dass sie zur zweiten Natur wurden.
Was die Auszeichnungen selbst betrifft, so herrschte auch dort die Ära der guten Gefühle. Es war keine große Überraschung, dass „Everything Everywhere All at Once“ in den wichtigsten Kategorien, in denen er nominiert wurde, die Bestenlisten eroberte – er gewann den Preis für den besten Film, die beste Regie (Daniel Kwan und Daniel Scheinert, auch bekannt als die Daniels) und die beste Hauptdarstellerin in einer Hauptrolle (Michelle Yeoh) und als bester Nebendarsteller und beste Nebendarstellerin (Ke Huy Quan bzw. Jamie Lee Curtis), zusammen mit dem besten Originaldrehbuch und dem besten Schnitt. Die Kombination des Films aus extravaganter Superhelden-Fantasy-Parodie, liebenswerter Dummheit und einer tief empfundenen, persönlichen, sentimentalen Familiengeschichte trifft einen süßen Fleck wohlwollender, belebender Jugendlichkeit. (Um einen Eindruck davon zu bekommen, was bei den Oscars mit stacheligeren Fantasien passiert, sehen Sie sich an, wie viele Statuetten Wes Anderson gewonnen hat.)
Von links: Der Produzent Jonathan Wang und die Regisseure Daniel Kwan und Daniel Scheinert posieren mit ihren Oscars für „Everything Everywhere All at Once“.Foto von Angela Weiss / AFP / Getty
Aber der Schlüssel zum Erfolg des Films ist der Einfallsreichtum seiner Besetzung. Quan konnte natürlich nach einem schnellen Start als Kinderstar als asiatischer Mann seinen Lebensunterhalt als Schauspieler nicht verdienen, und hier hat er seine erste große Rolle seit zwanzig Jahren. Yeoh hat die doppelten Hindernisse des Mangels an Rollen für asiatische Frauen und Schauspielerinnen mittleren Alters überstanden. Indem sie diese beiden Darsteller (zusammen mit Curtis, die zu lange in Nebenrollen in kleineren Filmen stecken geblieben sind) ins Rampenlicht gerückt haben, haben die Daniels mehr getan, als nur die Palette des aktuellen Kinos zu erweitern; Sie haben die Zukunft erweitert. Diese Akteure nehmen nun einen lang verdienten Platz in der Branche ein; Die Oscars, die sie letzte Nacht gewonnen haben, beweisen die grundlegende Bedeutung der Auszeichnungen als Zeichen dessen, was die Academy-Mitglieder von Hollywood erwarten. Abgesehen von den besonderen Vorzügen von „Everything Everywhere“ haben seine Regisseure und die Akademie die Voraussetzungen für eine Reihe zukünftiger Filme geschaffen, für die sonst wahrscheinlich nie grünes Licht gegeben worden wäre, nicht mit diesen Schauspielern. Hollywood ist das Land der Überschwänglichkeit, aber die Teilnehmer dieses Films, die gestern Abend ans Mikrofon gingen, vermittelten ein Gefühl authentischer gegenseitiger Wertschätzung, und auch das ist der Ton der Branche dieser Zeit.
Spannend wurde der Abend durch das Backloading der großen Auszeichnungen, denen eine Siegesserie für den deutschen Film „Ruhig an der Westfront“ vorausging, ein Film, der die andere Seite der Generationentrennung andeutet. Es ist ein schwerfällig wörtlicher und fantasieloser Film, der überzeugend mit cremigen audiovisuellen Texturen vermittelt, dass Krieg ein Teufelskreis ist. Es gewann für seine Filmmusik, für die Kamera und für das Produktionsdesign und erhielt den Oscar für den besten internationalen Spielfilm; sein Erfolg ist vielleicht ein Schock, aber keine Überraschung. Was mich überrascht hat, war Brendan Frasers Sieg als bester Schauspieler für seine Leistung in „The Whale“. Auch seine Rückkehr ist willkommen, nach Jahren verminderter Präsenz auf dem Bildschirm, teilweise aufgrund persönlicher Probleme, einschließlich Depressionen, nach seinem mutmaßlichen sexuellen Übergriff im Jahr 2003 durch Philip Berk, den damaligen Leiter der Organisation, die die leitet Golden Globes. (Berk hat bestritten, Fraser angegriffen zu haben, und nur behauptet, ihn „im Scherz“ begrapscht zu haben.) Aber Frasers Rückkehr kommt in einem Film, der nicht hätte existieren dürfen. Es zeigt mit einer entsetzlichen Wortwörtlichkeit eine Einbildung – ein Leben, das von extremer Fettleibigkeit geprägt ist, dargestellt von Fraser mittels Make-up-Kunst, die auch den Oscar in seiner Kategorie gewann – die theatralische Vorstellungskraft erforderte.
Sarah Polleys Film „Women Talking“ ist mein Favorit unter den zehn Nominierten für den besten Film; Obwohl ich keine Hoffnungen auf einen Sieg hegte, war ich zumindest erfreut über Polleys Oscar für das beste adaptierte Drehbuch – es ist das Drehbuch, adaptiert aus dem Roman von Miriam Toews, das die größte Leistung des Films ist. Und der Preis für den besten Originalsong für „Naatu Naatu“ aus S. S. Rajamoulis historischer Action-Fantasie „RRR“ scheint mir ein ähnlich beispielhafter Triumph für die Filmkunst insgesamt zu sein – denn ohne die Choreografie (von Prem Rakshith) oder die von Rajamouli Richtung der Szene, in der es vorkommt, hätte das Lied kaum die Aufmerksamkeit der Akademie erregt. Die größten Hits des Jahres in der Kategorie „Bester Film“ – „Avatar: The Way of Water“ und „Top Gun: Maverick“ zusammen mit „Elvis“ – kamen zusammen mit nur zwei technischen Preisen davon. „Avatar“ gewann für die besten visuellen Effekte; „Top Gun: Maverick“ für den besten Ton. (Das Tom-Cruise-Actionfahrzeug sorgte für den einzig wahren filmischen Moment der Sendung selbst: die erweiterte Nahaufnahme von Lady Gaga, als sie den für den besten Originalsong nominierten Film, „Hold My Hand“, aufführte, den sie zusammen mit BloodPop schrieb. ) Letztendlich erwiesen sich auch die Nominierungen dieser Filme als so pflichtbewusst, so nüchtern und lustlos professionell, wie die abgestumpfte Sendung selbst. ♦