Jeder lebt im Seitenwind der Geschichte, und eine Form des Privilegs besteht darin, diese Winde nur im Rücken und nicht im Gesicht zu spüren. (Ein noch selteneres Privileg ist der Glaube, dass es überhaupt keine Winde gibt und dass man sich nur aus eigener Kraft durch die Welt bewegt.) Man muss vielleicht kein Wetterfrosch sein, um den Unterschied zu erkennen, aber man muss ein Dichter sein ihren Stachel und ihre Wucht treffend zu beschreiben, und das gelingt Rebeca Huntt in ihrem ersten Spielfilm „Beba“, der am Freitag anläuft. Es ist ein dokumentarisches Selbstporträt einer jungen Filmemacherin, deren Identität mit ihrer Familie und ihrem Platz in der Zeit verbunden ist – den politischen Strömungen und gesellschaftlichen Ereignissen, die ihr Leben und Selbstverständnis geprägt haben. Der Film handelt größtenteils von rassischer und ethnischer Identität, dem Segen und der Last eines Erbes, das sowohl familiär als auch kollektiv ist. Im Ergebnis ist „Beba“ ein intimer Film mit großer Tragweite; Huntt erkennt sich und ihre Familie als Charaktere in einem gewaltigen Drama. Sie begreift den komplexen Verlauf von ineinandergreifenden persönlichen Erfahrungen und öffentlichen Ereignissen als eine Art Schicksal.
Huntts pointiertes Voice-Over sorgt für den hauptsächlich chronologischen Rahmen des Films und seinen nachdenklichen Ton. Es gibt ein im Wesentlichen literarisches Element aus Erzählung und Poesie, das „Beba“ trägt, und Huntts eigene Erfahrung mit Literatur (nennen wir es ihr literarisches Erwachsenwerden) ist ebenfalls in die Geschichte eingebaut. „Beba“ wird von Huntts Stimme zusammengehalten – ihr Off-Kommentar erklärt: „Du betrittst jetzt mein Universum. Ich bin die Linse, das Subjekt, die Autorität“ – und doch ist der Film eine kontrapunktische Sinfonie der Stimmen. Es ist eine Mischung aus verschiedenen dokumentarischen Elementen, darunter Aufzeichnungen von Ereignissen aus Huntts täglichem Leben, Bildern von Orten, die in der Geschichte eine Rolle spielen, und audiovisuellen Archiven aus familiären und öffentlichen Quellen. (Ein großes Lob an die Kamerafrau Sophia Stieglitz, die Cutterin Isabel Freeman und den Komponisten Holland Andrews für ihre Beiträge zu den feinkörnigen, aber nachdrücklichen Texturen des Films.) Es enthält Huntts Interviews mit ihren Eltern und Geschwistern, impressionistische Bilder, die Ereignisse hervorrufen, und auch angedeutete, subjektive Tiefen. Huntts Anerkennung – und Konfrontation mit – ihrer komplexen Vorstellung von Selbst wird durch die komplizierte, schillernde Form des Films ergänzt, und die Geschichten, die sie in der Mischung der Stimmen des Films in den Vordergrund rückt, sind leidenschaftlich und fesselnd.
Huntts Vater liefert etwas vom geografischen Motor des Films. Ihr Vater, ein Schwarzer, wurde in einer armen Familie in der Dominikanischen Republik geboren und wuchs dort inmitten politischer und rassistischer Gewalt während der Militärdiktatur von Rafael Trujillo auf. Er zog Mitte der sechziger Jahre nach New York (wegen des gerade liberalisierten Einwanderungsgesetzes von 1965, sagt er). Schockiert über den Verfall seines Viertels Bedford-Stuyvesant, schwor er, am Central Park zu leben – und trotz seines bescheidenen Einkommens gelang es ihm, eine Ein-Zimmer-Wohnung im Central Park West zu mieten, wo Huntt und ihre beiden Geschwister lebten erzogen. Huntts Mutter, die aus Venezuela stammt und dort in bequemen Verhältnissen aufgewachsen ist, floh vor einem dennoch unruhigen Familienleben – geprägt von der psychischen Erkrankung ihrer eigenen Mutter – und ging zum Studieren nach New York.
Schon früh macht Huntt deutlich, dass ihr Familienerbe, zusammen mit seiner unerschütterlichen Entschlossenheit, ein Erbe von Gewalt und Schmerz ist, und die tief verwurzelte politische Dimension dieser Gewalt – das Erbe von Versklavung, Kolonialismus, politischer Unterdrückung und weißer Vorherrschaft – liefert eine weitere entscheidende durch Linie zu Huntts Erzählung. Huntt wuchs in einer relativ armen Ecke der Upper West Side auf und erlebte offensichtliche Rassendiskriminierung, als sie und ihre ältere Schwester Raquel von einem Gemeinschaftsgarten abgewiesen wurden, der von weißen Bewohnern als quasi privater Social Club betrieben wurde. Raquel erzählt, dass sie in der Schule in Schwierigkeiten geraten ist, als sie für einen Show-and-Tell-Auftrag über die Nachbarschaft der Schüler Crack-Fläschchen mitbrachte, ohne zu wissen, was sie waren.
Huntt ist eine außergewöhnliche Merkerin und Erinnererin, ob sie sich an eine Schulaufgabe erinnert, in der sie Harriet Tubman porträtierte und ein Plantagendiorama mit einer weißen Ken-Puppe als Meisterin schuf, oder die Gesten ihres Vaters in den Arbeitsbewegungen eines Zuckerrohrschneiders entdeckte Ghana; ob sie romantische Details von ihren Familienbesuchen in Venezuela aussortiert oder sich an einen Streit mit einer schwarzen Studentin erinnert, die es wagte, sie schwarz zu nennen. Sie spricht davon, von Shakespeare stark inspiriert zu sein, und dankt einem Lehrer dafür, dass er ihr den Begriff Afro-Latina vorgestellt hat, den sie als ihre Identität angenommen hat. Von Bard akzeptiert, gehörte sie zwei Cliquen aus schwarzen Künstlern und weißen Prominenten an, die sich nie überschnitten. Huntt schreibt einem birassischen Professor (den sie interviewt) entscheidende Aspekte ihrer Ausbildung zu; Sie interviewt diese Professorin über ihre äußerst persönliche Intervention in Huntts widersprüchlichem Weg durch das College, eine Intervention, die Huntt später als Übung in „Respektabilitätspolitik“ verspottet. Eine Szene, in der Huntt während der Proteste im Sommer 2020 mit scheinbar wohlmeinenden, aber ahnungslosen und aggressiven weißen Freunden spricht, unterstreicht ihr Gefühl für die Sinnlosigkeit des Versuchs, sich „in ein System zu integrieren, das darauf ausgelegt ist, Sie zu zerstören“.
Die wütenden Privatdramen der Familie Huntt haben eine ähnliche literarische Kraft, die Huntt mit ihrem feinen Urteilsvermögen in ihren intimen Details aufspürt, die sowohl auf das emotionale Erbe der Familie zurückgreifen als auch ihre eigenen Fehler und Missetaten ins Rampenlicht rücken. Sie erinnert sich, dass sie heimlich Essen weggeworfen hat, das ihre Mutter gekocht hatte; sie zeigt, wie sie ihre Mutter mit einer konfrontativen Energie interviewt, die ihre Mutter zu Tränen rührt. Ihr Bruder Juancarlos erscheint nicht vor der Kamera, man hört aber mit ihr sprechen; Huntt führt ihre schwierige Beziehung auf die offensichtliche Vorliebe ihres Vaters für sie zurück, auch wenn sie ihre gemeinsame analytische Liebe zum Hip-Hop als prägende intellektuelle und literarische Erfahrung anerkennt.
Obwohl Huntt die Heldin ihrer eigenen Coming-of-Age-Geschichte ist, die in ihren postgradualen Bemühungen, Filmemacherin zu werden, gipfelt, ist sie sich selbst gegenüber kritischer als gegenüber anderen und gesteht Feindseligkeit und Aggression gegenüber ihrer Familie, die weit über das hinausgeht sie ertrug. Ihre Feier ihrer Familie – zusammen mit ihrer Offenheit über ihre eigenen Kämpfe – ist auch eine Entfaltung ihrer „Flüche“, sagt sie, und ihr Erzählen der Geschichte ist ein Teil ihrer Bemühungen, sie zu brechen. Huntt stellt sich oft in ein alles andere als heldenhaftes Licht, und sie baut ihren eigenen Film und ihr eigenes Filmemachen in ihr Schuldgefühl ein: „Ich fürchte, meine Familie wird nie wieder mit mir sprechen; Ich verspreche, das ist das letzte Mal, dass ich verpetze.“ Huntt ist so offen, dass ich ihr glaube. Aber sie ist so eine Künstlerin, dass ich mir nicht vorstellen kann, dass sie ihr Versprechen halten kann. ♦