Ihre Meinung zu Baz Luhrmann’s Elvis hängt weitgehend davon ab, was Sie von Baz Luhrmanns unverkennbarem, glitzernden Maximalismus halten. Allein die hyperkoffeinhaltige Aufbausektion – noch bevor Austin Butlers bewegliche Hüften anfangen, ihr ruckartiges Ding zu machen, wenn Elvis Presley die Bühne betritt, um „Heartbreak Hotel“ in einem Rockabilly-Chic-Rosa-Anzug aufzuführen – lässt Sie mit seiner frenetischen Explosion schwindelig werden von sengenden Farben, geteiltem Bildschirm, Retro-Grafiken und mehr Bearbeitungen pro Szene, als ein menschliches Auge zählen kann. Fügen Sie das vielschichtige, ohrenbetäubende Sounddesign hinzu und das ist Baz-mal eine Bazillion.
Wenn der Text zu selten der erstaunlichen visuellen Wirkung entspricht, ist die Affinität, die der Regisseur zu seinem Showman-Thema empfindet, ansteckend und anstrengend zugleich. Luhrmanns Vorliebe für poperatisches Spektakel ist auf der ganzen Linie offensichtlich, was zu einem Film führt, der sowohl in Momenten hohen Melodrams als auch in theatralischen Kunstgriffen und energisch unterhaltsamer Darbietung jubelt.
Elvis
Das Endergebnis
Ein Stück, ein Stück brennendes Spektakel.
Was die große Frage betrifft, ob Butler es schaffen würde, sich als eine der unauslöschlichsten Ikonen in der Geschichte der amerikanischen Popkultur auszugeben, lautet die Antwort ein uneingeschränktes Ja. Seine Bühnenbewegungen sind sexy und hypnotisch, seine melancholische verlorene Muttersöhnchen-Qualität ist ohnmächtig und er fängt das tragische Paradoxon einer phänomenalen Erfolgsgeschichte ein, die hartnäckig am amerikanischen Traum festhält, auch wenn er immer wieder in seinen Händen zerbröckelt.
Aber das Herz dieses Biopics ist verdorben, dank eines Drehbuchs, dessen abgehacktes Patchwork-Feeling vielleicht direkt mit seiner komplizierten Abrechnung korreliert – von Baz Luhrmann & Sam Bromell und Baz Luhrmann & Craig Pearce und Jeremy Doner; Geschichte von Baz Luhrmann und Jeremy Doner. Dieser Bissen deutet auf eine Mischung aus verschiedenen Versionen hin, obwohl die große Hürde die abstoßende Figur ist, die die Erzählung leitet und ein Loch in der Mitte schafft.
Das wäre „Colonel“ Tom Parker, gespielt von Tom Hanks in der wohl am wenigsten ansprechenden Darbietung seiner Karriere – ein gruseliges, knopfäugiges Grinsen unter einem Berg aus Latex, mit einem kratzenden, nicht identifizierbaren Akzent, der auch danach nicht weniger verwirrend wird Die düstere niederländische Herkunft des Charakters wurde enthüllt. Es ist ein großes Risiko, Ihre Geschichte durch das Prisma eines moralisch abstoßenden Egoisten zu erzählen, eines Finanzmißbrauchers, der seine manipulativen Fähigkeiten als Karnevalsschreier einsetzte, um seine verletzliche Starattraktion zu kontrollieren und auszunutzen, ihn bis zur Erschöpfung trieb und ihm einen übergroßen Teil seines Lebens entzog Verdienste.
Jedes Mal, wenn die Handlung gegen Ende seines Lebens zu Hanks’ Parker zurückkehrt, widerlegt er seine designierte Rolle als Bösewicht der Geschichte von einem Casino in Las Vegas, wo er Spielschulden anhäufte, die es erforderlich machten, Elvis unter einem lukrativen International Hotel-Aufenthaltsvertrag zu halten – Der Film stockt. Wie hier und anderswo dargestellt, war Parker ein eigennütziger Betrüger, der die künstlerische und persönliche Freiheit des Stars monopolisierte und nun die Nacherzählung seines Lebens monopolisiert. Elvis Der Film funktioniert besser, wenn Elvis the Man eine Schöpfung von Zirkusdirektor Luhrmanns fieberhafter Fantasie ist, als wenn Parker immer wieder auftaucht, um uns daran zu erinnern: „Ich habe Elvis Presley gemacht.“
Die musikalische Ausbildung des Subjekts wird im angenehm blumigen Stil der Südgotik illustriert, als der junge Elvis (Chaydon Jay) in Tupelo, Mississippi, aufwächst und in ein ärmliches schwarzes Viertel zieht, nachdem sein Vater Vernon (Richard Roxburgh) kurzzeitig wegen Passverlustes inhaftiert wurde ein schlechter Scheck.
Durch die Ritzen in den Wänden von Juke-Joints oder unter den Zeltklappen von Holy-Roller-Revival-Meetings beobachtend, nimmt Elvis Einflüsse auf, die es ihm ermöglichen würden, Bluegrass mit R&B, Gospel und Country zu verschmelzen und einen Sound zu kreieren, der von einem weißen Sänger noch nie dagewesen ist. In einem amüsant wilden Schnörkel werden die Wurzeln der „anzüglichen Drehungen“, die kreischende Fans und konservative Wachhunde auf ihre jeweilige Art entflammen würden, darauf zurückgeführt, dass der Junge während eines Gottesdienstes körperlich vom Geist besessen war.
Wie sie es getan haben Der große Gatsby und anderswo mischen Luhrmann und der langjährige Musikmanager Anton Monsted freizügig zeitgenössische und zeitgenössische Melodien, als der Teenager Elvis, dessen Familie inzwischen nach Memphis umgezogen ist, anfängt, in der Beale Street abzuhängen, wo er sich mit dem jungen BB King (Kelvin Harrison Jr.) anfreundet. und begeistert zu den Gospelklängen von Schwester Rosetta Tharpe (englische Musikerin Yola). Angesichts der Tatsache, dass Elvis’ Gesangsstil von mehreren Inspirationen stammt, ist es sinnvoll, Hip-Hop- und Elvis-Cover von einer Reihe von Künstlern in den Soundtrack einzuflechten.
Elvis wurde ursprünglich vom Colonel angeworben, um sich einer Rechnung anzuschließen, die vom Country-Sänger Hank Snow (David Wenham) und seinem Sohn Jimmie Rodgers Snow (Kodi Smit-McPhee) angeführt wird. Bald wird Elvis zum Headliner, und Hank tritt zurück, weil er befürchtet, dass seine christliche Familie zuhört könnte bei Presleys heidnischem Hüftschwung erbleichen. Aber Elvis’ hingebungsvolle Mutter Gladys (Helen Thomson), die seine Nerven wie keine andere beruhigt, versichert ihrem Sohn: „Die Art, wie du singst, ist von Gott gegeben, also kann nichts falsch daran sein.“
Das schnelle Schneiden der Redakteure Matt Villa und Jonathan Redmond ermöglicht es Luhrmann, den kometenhaften Anstieg der Popularität, die Landung eines RCA-Plattenvertrags und die übergreifende Bedrohung durch die politische Moralpolizei gleichzeitig durchzupeitschen. Parker hält die Familie Presley auf der Seite, indem er Vernon zum Geschäftsführer seines Sohnes macht, wenn auch ohne viel Einfluss oder Verantwortung. In der Zwischenzeit schiebt ihm einer von Elvis’ Bandkollegen unterwegs eine Pille zu, „um den Schwung wieder in Gang zu bringen“, was eine Abhängigkeit in Gang setzt, die sich in späteren Jahren bekanntermaßen verschärfen sollte.
Rassentrennungs-Kundgebungen mit alarmierenden Warnungen vor „afrikanisierter Kultur“ und „Verbrechen der Lust und Perversion“ zielen auf Presley ab, und Fernsehauftritte beginnen mit der Bedingung „kein Wackeln“. Aber Elvis-Fans entscheiden sich nicht für die aufgeräumte, heruntergefahrene Version; Sie wollen die Aufregung und Gefahr, die weibliche Fans dazu bringt, ihre Unterwäsche auf die Bühne zu werfen. Als Elvis ihnen gibt, was sie wollen, befürchtet der Colonel, dass er die Kontrolle über seine Essenskarte verliert, also manövriert er, um ihn 1958 zum Dienst in der US-Armee verschiffen zu lassen, um sein Image zu überarbeiten. Elvis macht seine Abwesenheit für den zunehmenden Alkoholkonsum und den anschließenden Tod seiner Mutter verantwortlich, und doch ist Parkers Einfluss auf ihn zu stark, um ihn zu erschüttern.
Zu diesem Zeitpunkt ist klar, dass sich der Colonel zwar aggressiv als Elvis’ Beschützer nach vorne drängt, aber wenig bis gar keine echte Zuneigung zu seinem Starkunden zeigt und ihn lediglich als Einnahmequelle betrachtet. Da Gladys weg ist, hinterlässt das eine emotionale Leere um die Titelfigur herum, die zwar lebensecht ist, dem Film aber die Unmittelbarkeit raubt. Sogar seine Ehe mit Priscilla (Olivia DeJonge) tut dem nicht genug entgegen, was Elvis fernhält, während Luhrmann uns näher an sich ziehen sollte.
Zu oft baut Luhrmann Sequenzen wie isolierte Vignetten auf und nicht als Teil einer durchgehend fließenden Erzählung, zum Beispiel eine romantische Montage von Elvis und Priscilla in Deutschland während seines Militärdienstes, die von Kasey Musgraves mit einem hübschen, fadenscheinigen Cover von „Can’t Help Sich verlieben.” Die Sequenz ist süß und verträumt, aber sie ist kein Ersatz dafür, Priscilla kennenzulernen, eine dünn gezeichnete Rolle unter den Frisuren und umwerfenden Moden.
Die Handlung sprintet durch den Aufstieg und Fall von Elvis’ Filmkarriere, ohne lange zu verweilen (leider keine Darstellung von Ann-Margret), findet aber saftige Details in NBCs Comeback-Special von 1968. Es wurde von Parker als weihnachtliches Familienspecial und als frische Merchandising-Möglichkeit für nerdige Pullover konzipiert. Aber Elvis’ Frustration über seinen Karriererückgang veranlasst ihn, den Rat seines alten Freundes Jerry Schilling (Luke Bracey) zu befolgen und ihn zu seinen eigenen Bedingungen zu überarbeiten, was Parker und die Sponsoren der Show bei Singer verärgert.
Regisseur Steve Binder (Dacre Montgomery) formt das Special um und stellt Elvis auf eine kleine Bühne, umgeben von einem Fernsehpublikum. Das rohe Rock ‘n’ Roll-Set bekräftigt Elvis’ einflussreichen Platz in der amerikanischen Popmusik, während er gleichzeitig das Risiko eingeht, obsolet zu werden. Die nachgebauten Produktionsnummern sind ein Knaller, mit einem Gospelchor, „Ballhaus“-Tänzern und Kung-Fu-Kämpfern. Elvis schüttelt auch die Beharrlichkeit des Colonels ab, mit „I’ll Be Home for Christmas“ zu schließen, und spielt stattdessen den ursprünglichen Protestsong „If I Can Dream“, der nur zwei Monate nach der Ermordung von Martin Luther King Jr. kraftvoll nachhallt.
Die Aufmerksamkeit, die darin gegeben wird Elvis zum 68er-Special legt nahe, wie viel heller Presleys Stern hätte brennen können, wenn er öfter aus Parkers Kontrolle herausgekommen wäre. Aber als er versucht, sich zu befreien, überredet ihn der Colonel, sich für fünf Jahre mit 5 Millionen Dollar pro Jahr in Vegas zu verpflichten, was den internationalen Tourplan der Mitglieder des Managementteams blockiert, die tatsächlich sein Wohlergehen zu berücksichtigen scheinen. Bei Parkers Marionettenspiel geht es offenbar nicht nur um seine Spielschulden, sondern auch um seinen undokumentierten Status in den USA, der aufgedeckt worden wäre, wenn er das Land verlassen hätte.
Natürlich ist dies letztendlich eine Tragödie, und ein anderer Filmemacher, der weniger von der Größe und Messinghaftigkeit seines Unternehmens verzehrt ist, hätte sich vielleicht tiefer in das Pathos eingegraben. Aber es gibt bewegende Momente, besonders in Butlers Auftritt, als er sich in den aufgedunsenen, verschwitzten Elvis seiner letzten Jahre verwandelt (zum Glück sind seine Prothesen weniger ein Schandfleck als Hanks’), seine Ehe mit Priscilla sich auflöst und ihnen beiden Kummer bereitet .
Man wünscht sich vielleicht ein Biopic mit mehr Zugang zum verletzten, blutenden Herzen des Subjekts, aber in Bezug auf die Erfassung der Essenz dessen, was Presley zu einer solchen Supernova gemacht hat, Elvis macht vieles richtig.
Die Live-Performance-Sequenzen sind elektrisierend, aufgenommen von der Kamerafrau Mandy Walker mit schwungvollen Bewegungen, die Presleys dynamischer Körperlichkeit entsprechen, und mit Intimität, um das geschmolzene Gefühl einzufangen, das er in seine Songs gegossen hat. Der mutige Einsatz von Farbe und Beleuchtung ist auffällig. Dasselbe gilt für das Produktionsdesign von Luhrmanns Frau und langjähriger Mitarbeiterin Catherine Martin und Karen Murphy; ebenso Martins absolut fabelhafte Kostüme.
Luhrmann wird oft dafür kritisiert, dass er Material formt, um seinem Stil zu dienen, anstatt seinen Stil zu verfeinern, um ihn an das Material anzupassen. Viele werden die unerbittliche Extravaganz dieses Films als bombastischen Baz im ADHS-Overdrive abtun, ein Werk aus schimmernden Oberflächen, das sich weigert, lange genug anzuhalten, um unter die Haut seines Subjekts zu gehen. Aber als Hommage von einem Meister der unverschämten Showmanier zum anderen blendet es.