LONDON – Die Stimmung am Dienstagabend im Royal Opera House war lebhaft, als sich das Publikum auf die erste Aufführung des Royal Ballet seit fast sechs Monaten einließ, einen Tag nachdem Theater und Museen offiziell in England eröffnet worden waren. Die körperlose Stimme, die die Leute aufforderte, ihre Handys auszuschalten, erhielt mitreißenden Applaus, bevor das Licht für das Abendprogramm „21st Century Choreographers“ ausging, eine gemischte Rechnung, die ein neues Werk von Kyle Abraham enthielt, sein erstes für das Royal Ballet.
Abraham, einer der wenigen schwarzen Choreografen, die vom Royal Ballet in Auftrag gegeben wurden, hat in den letzten Jahren seine weitreichende Neugier gezeigt, in verschiedenen Modi und Tönen zu arbeiten. Sein neuer Tanz „Optional Family: A Divertissement“ unterscheidet sich grundlegend von seiner Arbeit für seine eigene Kompanie AIM oder seinen beiden Stücken für das New Yorker Ballett – dem erfinderischen, glamourösen „The Runaway“ (2018) oder dem jüngsten Ersatz und heiteres “When We Fell”, ein gefilmter Tanz.
Zu Recht nennt er „Optionale Familie“ eine Ablenkung: Die 10-minütige Arbeit für drei Tänzer ist amüsant, gut ausgearbeitet und faszinierend. Es fühlt sich aber auch unvollständig an, wie eine Idee für etwas Größeres. (Vielleicht ist es das; er wurde beauftragt, im Frühjahr 2022 ein Ensemble für das Royal Ballet zu schaffen.)
Das Stück beginnt mit einem Voice-Over (der Text wurde von Abraham geschrieben), das eine bösartig höfliche, sehr lustige Ode an die Schrecken der Ehe und vielleicht eine Anspielung auf die Sperrung aus nächster Nähe bietet. („Ohne dich zu sein, wäre reine und vollkommene Glückseligkeit.“) Der Vorhang öffnet sich für Natalia Osipova und wirbelt in einer virtuosen Abfolge von Drehungen um die Bühne zu den spannenden, ruckartigen, perkussiven Ausgüssen von Nídia Borges ‘„Intro“, während Marcelino Sambé zusieht . Lichtdiamanten zersplittern die Bühne und bilden isolierte Hülsen für die Tänzer, die sich immer wieder kreuzen und auseinander schälen. Das Licht verblasst, als Osipova in Sambés Armen kreist.
Als die Lichter wieder angehen, kriecht eine dritte Figur, Stanislaw Wegrzyn, diagonal die Bühne hinunter und treibt sich dann in eine energetische Reihe von Sprüngen, kreuz und quer verlaufenden Füßen und Körperangeln. Dieser Mann ist die Speiche im Rad, der Katalysator für Veränderung, Unzufriedenheit. Er bewegt sich jetzt zu Grischa Lichtenbergers „Kamilhan: Il ya Péril en la Demeure“ und tanzt mit Osipova, manchmal mit Sambé, deren Linien sich durch balletische Dehnung, idiomatische, naturalistische Geste und eine zeitgemäßere Gewichtung bewegen.
Abraham nutzt die Männer in knorrigen, komplexen Formationen und ungewöhnlichen Partnerschaften interessanter als Osipova, der viel Zeit damit verbringt, schnelle Kurven auf der Bühne zu drehen. Vielleicht ist ihr Ausschluss der Punkt, aber es scheint, dass nichts klar sein soll. “Optionale Familie” fühlt sich paradoxerweise leicht und faszinierend an, ein Stück, das Sie sofort wieder sehen möchten, um es herauszufinden.
Es kam nach Christopher Wheeldons „Within the Golden Hour“ (2008), einer Freude an einem Ballett mit einer Auswahl melodischer Streichmusik von Ezio Bosso und Vivaldi. Das von Jasper Conran kostümierte und von Peter Mumford dramatisch beleuchtete Stück ist eine visuelle Freude, aber auch sorgfältig verarbeitet.
Wheeldon webt drei sehr unterschiedliche männlich-weibliche Pas de Deux inmitten eines Ensembles und anderer kleinerer Gruppierungen mit wunderbarer Erfindung. Irgendwie erinnert er sowohl an die natürliche als auch an die menschliche Welt, wobei die Tänzer manchmal mit gebeugten Knien den Rücken krümmen oder mit katzenartiger Anmut über den Boden schleichen. manchmal bewegen sie sich mit platten Füßen zu einem einfachen Walzer, als wären sie bei einem lokalen Tanz. Es gibt auch Anspielungen auf den indischen Tanz, in den zart emporgehobenen Handflächen und Wellen eines weiblichen Quartetts und berauschende, fast kriegerische Virtuosität im Eröffnungsduett (der exzellente Leo Dixon und David Yudes).
Nach der Pause boten zwei Stücke von Crystal Pite, die beide für das Nederlands Dans Theatre geschaffen und neu im Royal Ballet waren, düsterere Welten. „The Statement“ (2016) ist ein Werk für vier Tänzer (Ashley Dean, Joseph Sissens, Kristen McNally, Calvin Richardson), das an einem großen, glänzenden Tisch steht und sich auf das wegweisende Ballett von Kurt Jooss über den Krieg „The Green Tabelle.” Um den Dialog von Jonathon Young aufzuzeichnen, führen die Tänzer eine Konfrontation über die Übernahme der Verantwortung für einen Konflikt durch, der offenbar außer Kontrolle geraten ist.
Der schräge Harold Pinter-ähnliche Dialog über eskalierende Kriegsführung („Sie erwarten die Wahrheit.“ „Was ist das?“) Könnte genauso leicht über den aktuellen Konflikt in Israel handeln wie jeder andere. Die Tänzer verkörpern die Worte mit übertriebenen Gesten, Körpern, die sich zurückziehen und taumeln, über und unter den Tisch gleiten, wobei sich der Machtzusammenhang ständig verändert. Die aufregend präzise Choreografie suggeriert kraftvoll die Emotionen und Gedanken hinter dem mehrdeutigen verbalen Duell; Es ist eine spannende, theatralische Tour de Force.
Das 2012 in Brahms angesiedelte „Solo Echo“, inspiriert von einem Mark Strand-Gedicht „Lines for Winter“, bietet sieben Tänzern eine melancholische Reise durch eine frostige Welt. Mit seinem fallenden Schneehintergrund und der perlmuttartigen Beleuchtung ist „Solo Echo“ atmosphärisch und gekonnt konstruiert. Aber wie bei vielen Werken von Pite schlägt es so lange auf eine ernsthafte einzelne Note ein, dass es zu einem allgemeinen melancholischen Eindruck zu verschwimmen beginnt.
Wenn das Eröffnungsprogramm des Royal Ballet eher düster war als nicht, bot das English National Ballet am Abend zuvor in Sadler’s Wells ein kontrastreich leichtes und optimistisches Programm an. Fünf kurze Ballette – von Yuri Possokhov, Sidi Larbi Cherkaoui, Stina Quagebeur, Russell Maliphant und Arielle Smith -, die ursprünglich während des Lockdowns für den Film geschaffen wurden, wurden auf die Bühne übertragen, alles mit viel besserer Wirkung.
Es war kein Abend mit viel choreografischer Substanz, aber man konnte die technische Meisterschaft der Tänzer und die offensichtliche Freude, wieder auf der Bühne zu stehen, nicht bemängeln. Das sozial distanzierte Publikum reagierte mit Sachleistungen, jubelte und jubelte. “Ich habe für alles gebucht”, sagte der Mann hinter mir zu seinem Begleiter. Daumen drücken.