Die Regisseurin Mira Nair stand letzte Woche im St. Ann’s Warehouse und zeigte auf einen mit Ringelblumen bedeckten Torbogen, der in der Nähe des Eingangs montiert wurde. Im Bewusstsein der Hochzeitsfotoshootings, die oft außerhalb des Veranstaltungsortes stattfinden, sprach sie über die musikalische Adaption ihres Films „Monsoon Wedding“ aus dem Jahr 2001 im Theater, das an der Uferpromenade von Dumbo und nur einen Steinwurf vom Osten entfernt liegt und Hudson Rivers verschmelzen. „Darum geht es in unserer Show“, sagte sie. “Zusammenfluss.”
Wie der Film dreht sich auch in der Show alles um eine arrangierte Ehe, die zwei äußerst unterschiedliche indische Familien, Hochzeitsplaner und Hausangestellte, zusammenbringt. Im Musical bilden die freudig chaotischen Hochzeiten ein Mosaik aus Fragen echter Anziehung (die Braut muss sich mit einem verachteten heimlichen Liebhaber auseinandersetzen), Diaspora (die Gruppe, insbesondere der in New Jersey geborene Bräutigam, versammelt sich aus der ganzen Welt) und Beziehungen über Kasten und Religionen hinweg.
Die Show wurde erstmals 2017 im Berkeley Repertory Theater aufgeführt, wo sie gemischte Kritiken erhielt, und hat, wie Nair es ausdrückte, eine „wunderschöne Odyssee“ nach New York hinter sich. (Eigentlich ist es eine Art Rückkehr: Die Proben für diese erste Inszenierung fanden in Manhattan statt – Anisha Nagarajan schlüpft erneut in ihre Hauptrolle als Brautjungfer der Braut, zusammen mit Palomi Ghosh als Tante.) Seitdem wurde „Monsoon Wedding“ umgestaltet, mit neue Choreographie, Bewegungsrichtung und szenische Gestaltung. Ein zusätzlicher Autor wurde hinzugezogen, um bei der Arbeit an dem Buch zu helfen, und die Show wurde 2019 für Freunde und Familie in Neu-Delhi veranstaltet, wo Gagan Dev Rear als Vater der Braut dabei war. Obwohl Pläne für Aufführungen in Großbritannien im Jahr 2020 wegen der Pandemie abgesagt wurden, wurde das Stück letztes Jahr im Rahmen des Kulturprogramms für die Weltmeisterschaft in Katar in Doha aufgeführt.
Im St. Ann’s letzten Donnerstag, nur zwei Tage bevor die Vorpremiere des Musicals beginnen sollte, kam einmal Susan Feldman, die künstlerische Leiterin des Theaters, vorbei. Sie achtete auf ihren Schritt inmitten von Teilen eines noch aufgebauten Hochzeitszeltes und stimmte zu, dass die Produktion „das Warehouse weiter vorangetrieben hat als je zuvor“.
Eine visuelle Bestätigung dieser Behauptung könnte Jason Ardizzone-Wests imposantes brutalistisches Bühnenbild sein, das sich über die gesamte Länge des großen Aufführungsraums erstreckt. „Es ist ein ganzheitliches Design in der Art und Weise, wie das Publikum sich auf die Szenerie bezieht“, sagte Ardizzone-West während eines Videoanrufs früher am Tag. Inspiriert von den heimischen Innenhöfen in Indien, fügte er hinzu, sei das Set eine Mischung aus „alten Stufenbrunnenstrukturen und modernistischer Architektur, insbesondere inspiriert von Le Corbusier, der viele Gebäude in Indien hat.“
Nair erklärte, dass sie stets wollte, dass sich die Zuschauer bei der Hochzeit wie Gäste fühlten, und nannte das neue Bühnenbild „die Verwirklichung vieler Träume“.
„Wenn man in Indien zu Hause eine Hochzeit feiert, breitet sich das Wetter in Innenhöfen, in Vordächern und unter Zelten aus“, sagte sie. „Es ist eine offene Tür für die Gemeinschaft, diese Hochzeit zu feiern, und das war das Gefühl, das ich wollte.“
Die konkrete Pracht des Bühnenbildes, das die Zuschauer überqueren müssen, um zu ihren Plätzen zu gelangen, wird durch Arjun Bhasins farbenfrohe, kulturspezifische Kostüme ausgeglichen. („Indien ist wie Japan“, witzelte Nair, „alles ist verschlüsselt.“) Die Turbane der Männer sind beispielsweise in einem bestimmten Fliederton gehalten, und der Tradition folgend wird die Braut in der Nacht vor der Hochzeit nie allein gesehen. Bhasin, der an dem Film mitgearbeitet hat und sich daher als „einer der ältesten Mitglieder der Produktion“ betrachtet, sagte, der Schlüssel zur Bewahrung seiner DNA liege darin, den Fokus auf den Charakter zu bewahren.
„Wenn man die Nahaufnahme weglässt und zu diesen Tableaus gelangt, geht es um Menschen“, erklärte Bhasin. „In der Show geht es um die Interaktionen dieser Menschen miteinander; das Obergeschoss versus das Erdgeschoss, die Familie der Braut versus die Familie des Bräutigams, all diese unterschiedlichen Liebesgeschichten.“
Die Arbeit an der Adaption begann 2006, als Nair und die Drehbuchautorin des Films, Sabrina Dhawan, mit dem Komponisten Vishal Bhardwaj und der Texterin Susan Birkenhead zusammenarbeiteten. Nair sagte, sie sei von der Broadway-Wiederaufnahme von „Fiddler on the Roof“ im Jahr 2004 inspiriert worden, einer Show, die sich um kulturelle Traditionen dreht, die sich anpassen, um zu überleben. Der Film thematisiert wie das Musical die Folgen der Teilung Indiens im Jahr 1947 und wird durch die religiösen, sozialen und wirtschaftlichen Unterschiede der Charaktere zum Leben erweckt.
„Wir hatten einen Film gemacht, der gewissermaßen unsere Version war“, sagte Nair. „Es geht um unsere Familien, aber so zutiefst universell – diese wesentliche Geschichte des Verständnisses einer ganzen Gesellschaft und Bewegung anhand einer sehr persönlichen Geschichte.“
Diese Besonderheit bedeutete, dass in die Adaption das Konzept der Jugalbandi-Darbietung, einer Art indischem Duett, eingeflochten wurde. Dies ist nicht nur in der Partitur zu spüren, die jetzt auch Texte von Masi Asare enthält (ein Tony-Nominierter im letzten Jahr für „Paradise Square“, in dem es ebenfalls um kulturelle gegenseitige Befruchtung ging), sondern auch in der Platzierung der Band an den Seiten der Bühne.
„Ich betrachte es als einen Dialog zwischen der Musik und den Schauspielern, und das hat es sehr geprägt“, sagte Nair. „Deshalb sind die Musiker den Schauspielern ebenbürtig, und man sieht den Sitarspieler und die Posaune. Es ist eine echte Kombination aus Blaskapelle und der vollen Kraft eines indischen Hochzeitssounds, destilliert und sehr exquisit.“
Arpita Mukherjee, die Co-Autorin des Buches, war Nairs Assistentin, bevor sie während des Berkeley-Auftritts zur stellvertretenden Regisseurin und Dramaturgin befördert wurde. Sie zog im Alter von 12 Jahren von Delhi in die Vereinigten Staaten und bringt ihr Verständnis für die Emigrantenerfahrung in Dhawans aktualisiertes Buch ein, in dem die Familie des Bräutigams als Indianer-Amerikaner der zweiten Generation dargestellt wird.
„Als der Film herauskam, gab es noch einige wirklich antiquierte Vorstellungen darüber, was Indien war, und kein Verständnis dafür, wie ein globalisiertes Indien aussah“, sagte Mukherjee in einem Videoanruf. „Hier gibt es eine tolle Geschichte darüber, was Heimat und Zugehörigkeit bedeutet.“ Sie fuhr fort: „Das wirklich Aufregende sind all diese verschiedenen Typen brauner Menschen, die aufgrund ihrer Klasse oder Erziehung sehr unterschiedliche Erfahrungen mit Braunheit haben.“
Nairs Arbeit hat sich nie davor gescheut, kulturelle Unterschiede zu untersuchen, wie in „Mississippi Masala“, einer interrassischen Romanze zwischen einem schwarzen Mann und einer indisch-amerikanischen Frau, oder die unterbelichteten Aspekte ihrer Heimat Indien zu erkunden, wie in „Salaam Bombay!“, einem Drama über lebende Kinder in den Slums.
Für das Musical bedeutete diese Suche, die Zeit widerzuspiegeln, die Überarbeitung einer der Nebenhandlungen des Films über die Pflege und den sexuellen Missbrauch zweier jüngerer Familienmitglieder durch einen Verwandten. Wo die Familie des Films dem wohlhabenden Patriarchen ein gewisses Maß an Amnestie gewährt, verurteilt das Musical.
„Wir haben konzertierte Anstrengungen unternommen, um die Frauen dazu zu bringen, das Patriarchat in Frage zu stellen und ihre Stimme zu erheben“, sagte Nair. „Andere Charaktere, die davon betroffen sind, schieben es nicht unter den Teppich; Sie treffen Entscheidungen in ihrem eigenen Leben, die widerspiegeln, dass sie dieses Verhalten, das wir vorher nicht hatten, nicht akzeptieren werden.“
Mukherjee wiederholte diese Meinung und nannte die Frauen „die Verwalterinnen einer neuen Art des Denkens und Seins“.
„Sie alle haben eine Stimme in der Show, die untersucht, wie die musikalische Form dazu beitragen kann, den Geist des Films einzufangen, aber noch tiefer zu gehen“, fügte sie hinzu. „Musik ist der Kern davon; Wer darf singen, wer darf eine Stimme haben? Der Wunsch, dass sich die Dinge von den Generationen zuvor unterscheiden, ist ein großartiges Thema, und das alles wird von Frauen vorangetrieben.“