4000 Meilen (Minerva Theatre, Chichester)
The Vortex (Chichester Festival Theatre)
Es gibt einige Schauspieler, denen Sie gerne dabei zusehen würden, wie sie Auszüge aus einem Telefonbuch vorführen. Und – vorausgesetzt, Sie sind alt genug, um zu wissen, was ein Telefonbuch ist – könnten Sie Dame Eileen Atkins durchaus als eine von ihnen betrachten.
Nächsten Monat wird sie 89 Jahre alt und leitet die Besetzung von Amy Herzogs 4000 Miles, einer von zwei Neuproduktionen enttäuschender Dramen, die das diesjährige Sommerfestival in Chichester eröffnen. (Das andere zeigt Lia Williams und den aufstrebenden Star Joshua James in Noel Cowards Werk „The Vortex“ von 1924.)
„4000 Miles“ ist eine Geschichte, in der ein 20-Jähriger aus Seattle in der Wohnung seiner 91-jährigen kommunistischen Großmutter Vera (Atkins) in Manhattan auftaucht.
Es ist ein süßer, aber leicht entpolitisierter 90-minütiger Nachruf auf die marxistisch-leninistischen Linken New Yorks – gesehen aus der Sicht des Enkels Leo (Sebastian Croft), der gerade mit dem Fahrrad durch Amerika gereist ist.
Leo sieht vielleicht aus wie ein süßer, schlapphaariger Jugendlicher, aber obwohl er sich für Unterkunft, Verpflegung und Geld auf seine Oma verlässt, ist er ein undankbarer Undankbarer mit ungezogenen Manieren, der sie gelegentlich beschimpft, wenn sie Geschichten über Ex-Ehemänner und Liebhaber erzählt.
Das Bild zeigt Eileen Atkins als Vera und Sebastian Croft als Leo
Nachdem er sich selbst Ansprachen gehalten hat – zuerst von seiner Ex-Freundin (Nell Barlow), dann von einem nächtlichen Pick-up (Elizabeth Chu) – stellt er düster fest, dass Veras Kommunismus für ihn wie „Recycling oder so etwas“ ist.
Ausschweifende, aber liebevoll gezeichnete Gespräche gelten als bedeutungsvolle Bindung in der hingebungsvollen Inszenierung des bekennenden ehemaligen Marxisten Sir Richard Eyre – angesiedelt in einer typischen, gemütlichen, mit Büchern gesäumten Wohnung in Greenwich Village.
Für mich sind Veras leichter Fauxpas (sie benutzt das „f“-Wort – fett –, wenn sie Leos Freundin beschreibt) und ihre Sexgespräche dem Telefonbuch von Manhattan in puncto Intrige nur knapp überlegen.
Dennoch beweist Atkins, dass sie selbst das langweiligste, kitschigste Material beleuchten kann. Während sie sich um ihren mürrischen Enkel kümmert, schafft sie es, sowohl luftig-ätherisch als auch durch und durch bodenständig zu sein; und lässt uns immer raten, was sie denkt.
Es ist nicht meine Vorstellung von Drama, aber es ist großartig, ihr zuzusehen.
Ich bin mir WENIGER sicher, dass ich mich beeilen würde, Lia Williams aus dem Telefonbuch vorlesen zu sehen, aber man kann sich darauf verlassen, dass sie mit ihrer drahtigen Wildheit zumindest die Theaterstücke vorantreibt.
So auch hier in Noel Cowards „The Vortex“ – einem Stück unterdrückter Sexualität, das nicht mit einer seiner Salonkomödien verwechselt werden darf. Obwohl es in drei Akten angelegt ist, handelt es sich in Wirklichkeit um ein Einakter-Drama des 25-jährigen Coward, das sich auf die Beziehung zwischen der äußerst wartungsintensiven Schauspielerin Florence (Williams) und ihrem bedürftigen Pianistensohn Nicky (Joshua James) konzentriert.
Er ist gerade von seinem Leben als La Vie Boheme im Nachkriegs-Paris zurückgekehrt und seine neu erworbene Drogensucht ist als Ersatz für Cowards Homosexualität im Zeitalter der Zensur zu verstehen.
Die Geschichte ist stark von Ibsens Düstergeist „Gespenster“ aus dem 19. Jahrhundert und Tschechows Schauspielerin-Sohn-Tragödie „Die Möwe“ beeinflusst, ohne die Ernsthaftigkeit von beidem zu erreichen.
Es basiert auf einer Reihe abrupter Charakterwechsel ohne klare Motivation und flattert wie ein Windsack herum, der nur durch kurze Anflüge von feigem Witz aufgelockert wird.
Regisseur Daniel Raggett übertreibt es mit dem Anachronismus eines Nachtclubsängers, der David Bowies „Oh!“ aufführt. You Pretty Things in einem alptraumhaften Party-Zwischenspiel zur Hälfte.
Obwohl ein Schauspieler von einem Ersatzdarsteller vorgetragen wurde, als ich ihn diese Woche sah, liegt die Stärke der Produktion in ihrem Hauptdarstellerpaar. Williams ist energisch scheu und wirkt erschreckend verloren in ihrem dunklen, holzgetäfelten Haus, das mit Art-Déco-Schmuck ausgestattet ist, der ständig weggeräumt wird, um ihre Isolation zu demonstrieren.
Aber es war James, der mich wirklich beeindruckt hat. In einer Reihe von Seidenanzügen (und einem geblümten Peignoir) ist ein Gefühl der Gefahr spürbar, während er zwischen Charme, Panik, Wut und leidenschaftlicher Intensität schwankt.
Als er seine Mutter wegen der sexuellen Untreue zur Rede stellt, die ihm und seinem Vater die Liebe gekostet hat, wünschen sich Mütter und Söhne im wirklichen Leben vielleicht, sie hätten an anderen Abenden gebucht.
Operation Mincemeat – Das Musical (Fortune Theatre, London)
Das Musical „Operation Mincemeat“ ist mittlerweile der verrückte Toast des West End. Es handelt sich um eine „Trojaner-Leichen“-Geschichte – in der tapfere britische Geheimdienstagenten des MI5 aus dem Zweiten Weltkrieg eine Leiche benutzen, um Hitlers heimtückische Hennen auszutricksen – aber mit knackigen Gags und einer frechen Wendung des Klassenkampfs.
Die Split Lip Theatre Company, die es geschrieben hat und auch aufführt, liefert eine umfassende Mischung aus Showmelodien von damals und heute (ich mochte die nie offensichtlichen Reimtexte). Meine Lieblingsnummer war der aufgeweckte Nazi-Rap im Beastie-Boys-Stil nach der Pause, aber es gibt auch süße musikalische Wendungen und einen herzzerreißenden Fackelgesang.
Die Truppe besteht mehr aus Komikern im Cross-Dressing als aus Musikern – der vielleicht klügste Moment sind die singenden Admirals, deren Köpfe durch Bilderrahmen stecken –, aber Robert Hasties unbeschwerte Inszenierung strahlt viel Flair, Spaß und Erfindungsreichtum aus und sichert gute Chancen auf einen Long-In dieser kleinste Veranstaltungsort im West End.
Das Musical „Operation Mincemeat“ ist mittlerweile der verrückte Toast des West End. Es handelt sich um eine „Trojaner-Leichen“-Geschichte – in der tapfere britische Geheimdienstagenten des MI5 aus dem Zweiten Weltkrieg eine Leiche benutzen, um Hitlers heimtückische Hennen auszutricksen – aber mit knackigen Gags und einer frechen Wendung des Klassenkampfs
Die Handlung baut auf Wendungen in der Handlung und flotten choreografierten Versatzstücken auf, bevor sie in einem Parodie-Finale von Busby gipfelt.
Es ist absolut eine Teamleistung, aber Natasha Hodgson (in der Colin-Firth-Rolle von Ewen Montagu aus dem Film) bezeichnet es einfach als die wunderbar vornehme alte Etonianerin (Motto: „Vertraue niemals den Dienern“), die irgendwo zwischen einem verstohlenen Boris Johnson und … liegt eine dreiste Phoebe Waller-Bridge.
Die abschließende Aussage ist düsterer, als sie sein müsste, aber da ist das Publikum bereits auf den Beinen.
The Circle (Orange Tree Theatre, Richmond)
„Ohne Lippenstift traue ich mich nicht“, sagt Jane Asher als übermalte, posierende Lady Kitty (im Bild). Im wahrsten Sinne des Wortes war es ihre Art, eine helle, mutige Maske aufzusetzen, nachdem sie von der „Gesellschaft“ geächtet wurde, als sie mit Lord Hughie Porteous durchbrannte und ihren fünfjährigen Sohn Arnold zurückließ.
Als sie in ihr früheres Zuhause zurückkehrt und feststellt, dass ihre Schwiegertochter im Begriff ist, das Gleiche zu tun und den langweiligen Arnold (jetzt ein 35-jähriger Kindermann) zugunsten eines armen, aber leidenschaftlichen Gummipflanzers aufzugeben, ist Kitty entsetzt.
Der Titel von Somerset Maughams Stück aus dem Jahr 1921 bezieht sich auf die mögliche Wiederholung der Geschichte. Doch das ernste Thema hinter der leichtfertigen Komödie ist der Kampf zwischen Kopf und Herz.
Tom Littlers minimalistische Wiederbelebung in der Runde macht es umso besser, jeden Standpunkt zu sehen, und lässt uns fragen, in welche Richtung Olivia Vinalls Elizabeth springen wird.
Clive Francis betört als Lady Kittys Ex-Ehemann, bis er als gruseliges Raubtier entlarvt wird. Nicholas Le Prevost ist als Hughie urkomisch. Als Arnold ist Pete Ashmore ebenso ausgetrocknet, wie Chirag Benedict Lobos romantischer Teddy sprudelt. Aber es ist alles ein bisschen zu viel. Bei Maugham ist weniger mehr.