In den Neunzigern, als ich dem Profil eines jungen Menschen entsprach, wagte ich mich manchmal in turbulente New Yorker Tanzclubs wie Twilo and the Tunnel, vage in der Hoffnung, eine vorübergehende romantische Verbindung herzustellen, aber hauptsächlich, um die Art von überwältigendem Klang zu erleben Sinnlichkeit, auf die sich diese Clubs spezialisiert haben. Unfähig zu tanzen, ahmte ich die Leute um mich herum nach und hüpfte so unauffällig wie möglich auf und ab. Wenn ich nahe genug an die Lautsprecher herankam, konnte ich spüren, wie Bassbeats durch meinen Körper strömten – eine elementare Mischung aus Fleisch und Klang. Der unerbittliche Lärm war wunderschön und höllisch zugleich. Danach wanderte ich auf leeren Straßen nach Hause und genoss das ferne Grollen der Stadt als eine neue Art von Stille.
Ash Fure und Lilleth Glimchers Performance-Installation „Hive Rise“, die die Industrie und MOCA Kürzlich in Los Angeles präsentiert, hat mich in diese längst vergangenen Nächte in der Stadt zurückgebracht. Veranstaltungsort war eine lagerhausähnliche Galerie im Geffen Contemporary. Fure, ein Komponist und Klangkünstler, dessen Werke oft die Live-Modifikation voraufgezeichneter elektroakustischer Tracks beinhalten, entfesselte einen stundenlangen Klangsturm mit extrem tiefen Bassfrequenzen, die unterhalb des menschlichen Hörbereichs begannen und bis auf kaum wahrnehmbare 30 Hz nach oben glitten . Einige Minuten lang stand ich vor einem Lautsprecherturm, nachdem ich vorsichtshalber Ohrstöpsel eingesteckt hatte, und hatte eine rein viszerale Begegnung mit Klang – eine, die mir das beunruhigende und befreiende Gefühl gab, in meinem eigenen Körper nicht mehr materiell zu sein .
Tatsächlich fand die erste Iteration von „Hive Rise“ ab Anfang 2020 in einem Tanzclub statt – dem Berghain, dem geschichtsträchtigen Techno-Palast in Berlin. Aber eine Tanzparty ist das nicht. Es gibt keine stetigen Beats, obwohl verschiedene Arten von Periodizität ins Spiel kommen, darunter ein ratterndes Flattern, das Fure hervorruft, indem er ein Blatt Papier über einen umgedrehten Subwoofer hält. Die Musik ist amorph, verschlingend, gallertartig, wild. Einige Passagen erinnern an eine unterirdische Maschine, die aufdreht und mahlt, während sie zur Oberfläche aufsteigt; andere schlagen vor, dass winzige Kreaturen einen höhlenartigen Raum ausgraben. Höhepunkte haben eine ranzige Schönheit, die Schönheit der Katastrophe und des Zusammenbruchs.
Dem klanglichen Fundament überlagert ist ein theatralisches Ritual, das von Glimcher konzipiert wurde, einem interdisziplinären Künstler und Regisseur, der in New York, Berlin und anderswo gearbeitet hat. Im Geffen Contemporary war Fure an einem Ende der Galerie zwischen einer Reihe von Subwoofern stationiert. Ein Trupp von vierzehn schwarz gekleideten Darstellern zirkulierte durch die Menge und sang in maßgeschneiderte Megaphone, die auf einem 3D-Drucker erzeugt worden waren. Wenn Mitglieder der Gruppe in der Nähe waren, hatte selbst ihr leises Flüstern eine taktile Unmittelbarkeit, als käme sie aus Ihrem Kopf. Mit donnernder Kraft hallten laute Schreie durch den Raum.
Die Darsteller folgten einer unvorhersehbaren, zackigen Choreographie. Manchmal standen sie in statuenhaften Gruppen an Ort und Stelle; eine Zeitlang waren sie auf Tragegurten um Fure herum positioniert. Zu anderen Zeiten peitschten sie ihre Körper hin und her oder bewegten sich schnell von einem Ort zum anderen. Die Zuschauer verfolgten die Truppe und manövrierten um skulpturale Neoprenformen herum, die von Xavi Aguirre und stock-a-studio entworfen wurden. Wir hatten unsere eigene Choreografie – diesen Vermeidungstanz aus der Pandemie-Ära, den wir in überfüllten Supermarktgängen perfektioniert haben. Die Stimmung war von Glückseligkeit und Angst vermischt.
Welche Katastrophe hat „Hive Rise“ im Sinn? In einer Programmnotiz wurde allgemein von „andauernden Ausnahmezuständen“ gesprochen, an denen es derzeit keinen Mangel gibt. Ich dachte an die Umweltkrise, vor allem, weil ich im Oktober beim Geffen Contemporary eine Arbeit zu diesem Thema gesehen hatte: Lina Lapelyts Installationsoper „Sun & Sea“, die seit ihrer Premiere in Litauen in der Welt tourt 2017. Dieses Stück versucht eine leicht ironische, musikalisch einschmeichelnde Kritik an Selbstgefälligkeit und Vergesslichkeit angesichts des Klimawandels, mit Sängern, die an einem künstlichen Strand faulenzen, während das Publikum von Galerien herabschaut. Eine solche Zurückhaltung war in „Hive Rise“ unmöglich: Fures akustische Flutwelle, hinreißend und gefährlich, hinterließ eine konstruktive Art von Panik.
Am selben Wochenende, an dem „Hive Rise“ stattfand, um MOCApräsentierten die Los Angeles Philharmonic mit „Reel Change“ ein Festival, das sich frischen Energien in der Filmmusik widmet. Kuratoren der Reihe, die vor großem Publikum in der Disney Hall stattfand, waren die Komponisten Hildur Guðnadóttir, Kris Bowers und Nicholas Britell, die jeweils ein Konzert moderierten. Die angebotenen Stücke bildeten weniger Kontrast zu Fures Klanglandschaften, als man annehmen könnte. Hildur, eine neununddreißigjährige Isländerin, wendet sich dem Experimentellen zu, und ihr LA Phil-Programm unter der Leitung von Hugh Brunt zeigte ihre eigenen Arbeiten neben modernistischen und minimalistischen Klassikern von György Ligeti, Arvo Pärt und Henryk Górecki.
Avantgardistische Disruption ist keineswegs ein Novum in der Filmmusikgeschichte: Größen wie Ingmar Bergman, Andrei Tarkovsky und Stanley Kubrick mobilisierten das widerspenstige Ende des musikalischen Diskurses des 20. Jahrhunderts. In den letzten zehn oder fünfzehn Jahren haben jedoch düstere Ambient-Texturen Einzug in den Mainstream gehalten. Jonny Greenwoods jenseitige, glissandolastige Filmmusik zu „There Will Be Blood“ aus dem Jahr 2007 markierte einen Wendepunkt: Paul Thomas Anderson, der Regisseur des Films, vertraute Greenwood lange, fast wortlose Abschnitte des Films an, der zunächst als Leadgitarrist von Radiohead. Inzwischen hat der Komponist drei Filme im Kino: „Licorice Pizza“, „Spencer“ und vor allem „The Power of the Dog“ – ein anhaltendes Meisterwerk der Vertonung, das Spannung aufbaut und den Charakter gleichermaßen prägt.
Wie Greenwood ist Hildur ein Doppelbürger des Pop- und Klassikbereichs. Sie studierte Komposition in Reykjavík und Berlin, ist aber auch im alternativen Rock und Pop präsent, indem sie Cello bei der ohrenbetäubenden Black-Metal-Band Sunn O))) und beim ehrwürdigen Noise-Kollektiv Throbbing Gristle spielte. Ein Punkt im Programm von LA Phil war „Bathroom Dance“, ein Track aus ihrer Partitur für „The Joker“, der ihr letztes Jahr einen Oscar einbrachte. Das Stück ist um einen nachdenklichen Wechsel der Töne Cis und E auf dem Cello herum aufgebaut: Andere Streichinstrumente schieben sich mit Einzeltönen und Akkorden aus der C-Moll-Tonleiter ein und ergeben ein Zeitlupen-Kaleidoskop der Melancholie Harmonie. Dies ist ein Pärt-ähnlicher Prozess, und der LA Phil machte die Verbindung deutlich, indem er einen makellosen Bericht über die „Fratres“ dieses Komponisten lieferte.
Viel wilder ist Hildurs Score für Battlefield 2042, ein Ego-Shooter-Computerspiel, das in einer apokalyptischen Zukunft spielt, die vom Klimawandel verwüstet wird. Hildur und Sam Slater, ihr Co-Komponist und Partner, entfalteten eine spektakuläre Flut von Live-Orchester- und elektronischen Texturen, einschließlich Klängen, die aus Materialien extrahiert wurden, die den im Spiel abgebildeten Landschaften entsprechen: Metall, Glas, Sand, Kies. Daneben stand Ligetis „Atmosphères“ auf dem Programm, ein Wahrzeichen der Nachkriegsmoderne, das in diesem Kontext geradezu heiter wirkte, dessen dichter Klang in Disneys Akustik transparent und leuchtend wurde.
Britell sorgte bei seinem Konzert für eine beschwingtere Stimmung, obwohl Auszüge aus Greenwoods „There Will Be Blood“ und aus Mica Levis zitterndem Score für „Jackie“ den Hollywood-Glanz in Schach hielten. Britell ist ein stilistischer Allesfresser, der sich auf aufgewühlte, abwegige Riffs auf vertrauten Formen spezialisiert hat. Pop-Ruhm hat er mit seiner Musik für HBOs „Succession“ erlangt, die auf einem kniffligen Grat zwischen zelebrierendem und persiflierendem Monopolkapitalismus liegt. Ein fröhliches Gebrüll ging aus der Menge, als die verführerisch düsteren Akkorde des Showthemas einsetzten: eine barocke Progression mit Hip-Hop-Beats obendrauf. Ich grinste auch, obwohl ein Teil von mir wollte, dass Ash Fures Musik auftaucht und alles auslöscht. ♦