Der Tod des Manga-Künstlers und Animators Leiji Matsumoto im Februar im Alter von 85 Jahren markierte einen traurigen Moment für seine Fans auf der ganzen Welt. Sein Œuvre reichte von Jugendromanzen und erotischen Komödien bis hin zu den ikonischen Weltraumopernserien „Space Pirate Captain Harlock“, „Queen Millennia“ und „Galaxy Express 999“. Außerhalb Japans ist er besser bekannt für seine Gemeinschaftsprojekte: „Interstella 5555“, eine zusammenhängende Reihe von Musikvideos, die er für Daft Punk entworfen hat, und, noch beliebter, das langjährige Epos „Space Battleship Yamato“. die 1974 im japanischen Fernsehen debütierte und 1979 in den Vereinigten Staaten als „Star Blazers“ auftrat. Diese Serie, die gemeinsam mit dem Produzenten Yoshinobu Nishizaki entwickelt wurde, überarbeitete das kaiserliche japanische Flaggschiff Yamato als Raumschiff auf einer gewagten Mission zur Rettung der Menschheit von den Folgen eines außerirdischen Angriffs. „Yamato“ war ein großer Hit, der wesentlich dazu beigetragen hat, die erste Generation ernsthafter Anime-Fans heranzuziehen.
1938 als Akira Matsumoto in Fukuoka geboren, wurde er in einer für Manga als Kunstform entscheidenden Zeit erwachsen. Matsumoto veröffentlichte sein Werk erstmals 1954 im Alter von nur fünfzehn Jahren. Nach dem Abitur kaufte er ein One-Way-Ticket von seiner Heimatstadt im Südwesten Japans nach Tokio, wo er auf eine Gruppe talentierter Gleichgesinnter stieß. Dazu gehörten so etablierte Stars wie Osamu Tezuka, der Schöpfer von „Astro Boy“, sowie aufstrebende wie Shotaro Ishinomori, der Jahrzehnte später den Rahmen für die Shows schaffen sollte, die zu „Power Rangers“ wurden. Zu diesem Zeitpunkt in den fünfziger Jahren betrachtete die japanische Gesellschaft im Allgemeinen Manga als ein Medium, das nur für die Jugend geeignet war. Matsumoto schuftete jahrelang in Armut und Dunkelheit, schrieb romantische Comics und kam über die Runden, indem er erfolgreichere Manga-Künstler bei ihrer Arbeit unterstützte. Mitte der sechziger Jahre nahm er den Pseudonym an, den er für den Rest seiner Karriere verwenden sollte: Leiji, geschrieben mit den Ideogrammen für „Null“ und „Krieger“. „Akira ist ein gebräuchlicher Name, der keine ausreichende Wirkung hatte“, sagte Matsumoto Le Monde. „Da meine Mutter aus einer Samurai-Linie stammt, habe ich mich entschieden, Leiji genannt zu werden, was ‚Kämpfer der Unendlichkeit’ bedeutet. ”
Erst 1971 schuf er die Serie, die ihn bekannt machte: „I Am a Man“. Matsumotos Manga wurde mitten in Japans wachstumsstarker Zeit geschrieben, nachdem die Nation erfolgreich aus der Nachkriegsarmut herausgekommen war, und spielte einen jungen Mann, der darum kämpft, seinen Lebensunterhalt in einer Großstadt zu verdienen. Der Protagonist Nobotta Oyama, der für einen Großteil der Erzählung nur mit Boxershorts und einem Tanktop bekleidet ist, lebt in einer schäbigen Einzimmerwohnung ohne Heizung oder fließendes Wasser und ernährt sich von Ramen und weißem Reis, ergänzt von Pilzen, die aus der durchnässten Wäsche geerntet wurden, die in seinem Schrank verschimmelte. Seine Trübsale trafen auf junge Tokioter, von denen viele wie Matsumoto aus der Ferne angereist waren und unter ähnlich erbärmlichen Bedingungen lebten.
Der Erfolg von „I Am a Man“ markierte für Matsumoto persönlich einen Wendepunkt und spiegelte gleichzeitig große Veränderungen in der Manga-Industrie im Allgemeinen wider. Ungehindert von irgendetwas wie Amerikas drakonischer Comics Code Authority – einer Reihe von Richtlinien, die 1954 eingeführt wurden, die „reißerische, unappetitliche, grausame Illustrationen“ verbot und darauf bestand, dass „in jedem Fall das Gute über das Böse siegen wird“ – hatten japanische Schöpfer große Freiheit. Im Laufe der sechziger Jahre haben Manga-Künstler das Medium in Comic-Anthologie-Wochenzeitungen auf neue Weise vorangetrieben. Das vielleicht am meisten gelesene davon war Wöchentliches Shōnen-Magazin. Es enthielt „Tomorrow’s Joe“ von Tetsuya Chiba und Asao Takamori, die Geschichte eines Boxers aus der Arbeiterklasse, der sich seinen Weg durch die Ränge des Rings und der Gesellschaft bahnt, und die Arbeit von Sanpei Shirato, dessen Ninja-Geschichten die japanische Geschichte in marxistischen Begriffen neu interpretieren. mit Samurai als grausame Unterdrücker der arbeitenden Massen.
Dramatische, gewalttätige und unverhohlen politische Hits fanden bei den Revolutionären der sechziger Jahre großen Anklang. Die Saat von Japans radikaler Bewegung wurde 1960 gesät, als das Parlament eine unpopuläre Überarbeitung eines Militärsicherheitsabkommens mit Amerika durchsetzte. Bis zum Ende des Jahrzehnts hatte sich eine große Zahl von Studenten den Protestgruppen auf dem Campus angeschlossen, abwechselnd getrieben von Wut über die Unterstützung ihrer Regierung für den amerikanischen Krieg in Vietnam und Unzufriedenheit mit den Bedingungen an überfüllten, unterbesetzten Universitäten. Im Westen nährten Volks- und Rockmusik studentische Demonstranten; In Japan wurde die Protestbewegung in Manga-Panels dosiert. Ein berühmter Satz, der jungen Demonstranten zugeschrieben wurde, war „Asahi-Journal in unseren rechten Händen, Shōnen-Magazin zu unserer Linken.“ Als Angehörige der Roten Armee 1970 ein japanisches Passagierflugzeug entführten, erklärten sie: „Vergiss nie: Wir sind ‚Tomorrow’s Joe’. ”
Matsumoto hat die Politik nie so offen angenommen wie einige seiner Zeitgenossen, sondern sich stattdessen auf breitere, universellere Themen konzentriert. „Wie mein Vater zu sagen pflegte: ‚Wir sind geboren, um zu leben, nicht um zu sterben‘“, schrieb er 2013 in einer Aufsatzsammlung. „Dies wurde zum Hauptthema von ‚Yamato’. “ Es ist eine Plattitüde, die im 21. Jahrhundert offensichtlich, sogar abgedroschen klingt. Aber Matsumoto, der während des Krieges geboren wurde, war alt genug, um sich an etwas anderes zu erinnern, und erinnerte sich an eine Zeit, als die Idee, das Leben nach seinen eigenen Bedingungen zu leben, undenkbar, ja sogar verräterisch war. Er modellierte den entschlossenen, prächtig bärtigen Captain Okita der Yamato nach seinem eigenen Vater. Matsumotos Vater, ein ehemaliger Luftwaffenpilot der kaiserlichen Armee, war von seinen militärischen Erfahrungen so traumatisiert, dass er das Fliegen ganz aufgab und stattdessen eine bescheidene Karriere wählte, in der er Gemüse verkaufte und an Holzkohleöfen arbeitete.
Yoshinobu Nishizaki, der Produzent von „Yamato“, holte Matsumoto als Art Supervisor an Bord. Der Manga-Künstler hat Handlung, Design und Charaktere jedoch so gründlich überarbeitet, dass man das gesamte Unternehmen für sein eigenes halten könnte. Die Geschichte beginnt damit, dass die Erde nach einem Angriff einer Alien-Rasse mit fortschrittlicher Technologie in Not geraten ist. Unsere Raumflotte, die zahlenmäßig überlegenen Gegnern unterlegen ist, ist nicht in der Lage, den Feind daran zu hindern, die Erde mit verstrahlten Meteoriten massenhaft zu bombardieren, und was von der Menschheit übrig bleibt, ist gezwungen, tief unter die Oberfläche umzusiedeln. Trotzdem sickert Strahlung durch die Kruste, und uns wird gesagt, dass die menschliche Rasse in nur einem Jahr aussterben wird. Plötzlich kommt eine Nachricht von einem fernen Stern. Starsha, eine schöne Königin von einem Planeten namens Iscandar, liefert der Menschheit die Pläne für eine überlichtschnelle „Wellenbewegungsmaschine“. Wenn Erdlinge es nutzen können, um ihre Heimatwelt in der Großen Magellanschen Wolke zu erreichen, wird sie die Technologie bereitstellen, um die Erde von Strahlung zu reinigen. Um keinen feindlichen Verdacht zu erregen, bauen die Erdstreitkräfte ihr Raumschiff heimlich innerhalb der Grenzen des Rumpfes der längst gesunkenen Yamato, die jetzt in Sichtweite sitzt, da die Meere der Erde verdunstet sind. Nach dem Start rasen die Yamato und ihre Crew hundertachtundvierzigtausend Lichtjahre quer durch die Galaxie und zurück, während der Feind ihnen dicht auf den Fersen ist.
Der Anblick des buchstäblich wieder auferstandenen Stolzes und der Freude der ehemaligen kaiserlichen Marine mag auf den ersten Blick als einfache Metapher für die Remilitarisierung erscheinen. Doch Matsumoto hatte ein ausgeprägtes Talent dafür, die Kriegsmaschinerie zu fetischisieren, ohne die Kriegsmaschinerie zu fetischisieren. „Ich war schockiert darüber, wie völlig anders er als Anime oder Live-Action-Drama im Fernsehen war“, sagte mir der Anime-Kritiker Ryūsuke Hikawa. Er war in der High School, als die erste Folge der Serie ausgestrahlt wurde, und organisierte bald einen der aktivsten japanischen Fanclubs für die Serie. Matsumoto enthüllte das Elend „des ersten Kampfes sehr detailliert. . . dann zeigte uns, dass der Planet Erde zu einem roten Feuerball reduziert worden war. . . Und doch hat er diese schreckliche, apokalyptische Tragödie mit einem Sinn für Schönheit dargestellt.“
Matsumoto bewegte sich in seinem Werk immer wieder auf diesem schmalen Grat, am feinsten in seinen Kriegscomics, die den Luftkrieg im Pazifik als eine Art Schmelztiegel für den menschlichen Geist darstellten. Für Amerikaner, die mit triumphalistischen Erzählungen aufgewachsen sind, kann Matsumotos Kriegsarbeit schockieren und, wie so oft, auf den Verlierern von Schlachten verweilen. „Mein Vater hat mir einmal erzählt, dass er einen Feind in einem Luftkampf in die Enge getrieben hat und schießen musste, aber dann dachte er daran, wie traurig ihre Familien sein würden, wenn sie ihn verlieren würden, und er zögerte“, erinnerte sich Matsumoto in einem Interview von 2018. „Von feindlichen Familien zu hören, hat mich wirklich getroffen. Es ist schrecklich für beide Seiten. Da wurde mir klar, was ein schmutziger Geschäftskrieg war. Ich war nur ein Junge. Ich denke, das ist der Grund, warum meine Geschichten so ausfallen, wie sie es tun.“