Amerikanische Gegenkultur, ein Blick durch Zines

Das erste Magazin, das ich je gelesen habe, hieß Snotrag, und sein Autor war ein geradliniger Hardcore-Fan, Fahrrad-Enthusiast und gelegentlicher Raver, der in Vermont lebte. Ich war nichts davon; Unsere größte Gemeinsamkeit war, dass wir beide im Debattiercamp waren. Snotrag Es bestand lediglich aus fünf in der Mitte gefalteten fotokopierten Seiten, aber es fühlte sich wie eine intime Geste an, als es mir überreicht wurde. Jede Seite war gefüllt mit wackeligen, von Hand arrangierten Kolumnen mit Riffs, Interviews, Rezensionen von Kellershows und 7-Zoll-Singles sowie Rückblicken auf Debattenrunden, mit wenig grafischem Design außer dem gelegentlichen fett gedruckten Albumtitel und einer Fotokopie SICH AUFSPIELEN Aufkleber. Es waren zwei Seiten völlig leer, vermutlich aus Versehen. Ich erinnere mich an ein Gefühl der Entdeckung, nicht nur neuer Musikgenres oder Bands, sondern auch der Tatsache, dass man sich für so viele verschiedene Dinge gleichzeitig interessieren kann: Punk, Derrida, Nanotechnologie, AIDS Aktivismus, Islam, die freie Natur. Ich wurde dazu inspiriert, mein eigenes Zine zu starten, um verschiedene Posen auszuprobieren und herauszufinden, ob ich ein Träumer oder ein Zyniker, ein Eiferer oder ein Snob war, obwohl mein Geschmackssinn weniger sicher war. Meistens habe ich aus allem, was ich ablehnte, eine politische Haltung entwickelt. Herauszufinden, was ich wirklich liebte, würde erst viel später kommen.

Ich wusste es damals noch nicht, aber ich stand in einer langen Tradition der jungen und entfremdeten Menschen, die sich für die Randgebiete der Kultur interessierten. Es wäre unmöglich, sich eine umfassende Geschichte von Zines vorzustellen, da sie aus so vielen kleinen, vergessenen Momenten wie diesem bestehen würde. Unzählige Veröffentlichungen haben begonnen und es dann nie über eine oder zwei Ausgaben hinaus geschafft. Entscheidend war, dass du es überhaupt versucht hast. Und was die Menschen dazu bewegt, es zu versuchen, ist weniger eine klare Abstammung als vielmehr ein gemeinsames Gefühl.

Viele glauben, dass Zines ihren Ursprung in den 1930er und 1940er Jahren haben, als Science-Fiction-Enthusiasten, die ihre Lieblingsgeschichten analysieren (oder ihre eigenen veröffentlichen) wollten, begannen, „Fanmagazine“ oder Fanzines zu erstellen. Diese frühen Beispiele, von denen einige Jugendliche zeigten, die mit Schreibmaschinen und Schulmaschinen Amok liefen, waren ein Ausdruck der Hingabe – selbstveröffentlicht, amateurhaft und ohne Rücksicht auf das Endergebnis. Sie waren auch ein Schutz gegen die Einsamkeit. Das Starten einer eigenen Publikation weckt immer den Wunsch nach Kontakt und Gemeinschaft, nach der Suche nach seltsamen Mitmenschen und nach der Gründung einer Leserschaft. Im gesamten 20. Jahrhundert ging es in Zines sowohl um das, was die Fans liebten – Comics, Horrorfilme, Rockmusik –, als auch um das, was sie ablehnten. In den 1970er Jahren wurde die Form mit der Popularisierung xerografischer Kopiergeräte eng mit der Punk-Subkultur und ihrem Do-it-yourself-Ethos verbunden. In den folgenden Jahrzehnten wurden Zines zu einem wichtigen Forum für die Diskussion über radikalen Feminismus und Identität, avantgardistische Poesie und Kunst, die bevorzugte Plattform für Nachdenkliche und Angstgeplagte. Tauben von New York, seltsame Wikipedia-Einträge, Graffiti, chinesisches Essen, Müllcontainertauchen, anarchistische Politik: Es gibt wahrscheinlich ein Zine für jedes Nischeninteresse, das Sie sich vorstellen können.

„Copy Machine Manifestos“, eine ehrgeizige Ausstellung im Brooklyn Museum, kuratiert von den Kunsthistorikern Branden W. Joseph und Drew Sawyer, dokumentiert einen Ausschnitt dieser Welt. Der Schwerpunkt liegt hauptsächlich auf Künstler-Zines, grob definiert als solche, die von Leuten veröffentlicht werden, die eine gewisse Beziehung zur Kunstwelt haben. Der kanadische Künstler und bahnbrechende Zine-Hersteller AA Bronson hat solche Werke als „formatorientiert“ bezeichnet, da Künstler, desillusioniert von den hochnäsigen Kreisen von Galerien und Kritikern, die Möglichkeiten des Do-it-yourself-Publishings erkundeten.

Tausende Zines sind in „Copy Machine Manifestos“ ausgestellt und bieten einen spannenden Überblick über die nordamerikanischen Subkulturen im 20. Jahrhundert. Der Künstler John Dowd erkannte schon früh die Möglichkeiten des Xerox-Geräts und begann Ende der 1960er-Jahre damit, plakative Schwarz-Weiß-Publikationen unter ihnen in Umlauf zu bringen Fanzini Und Der Stern, das Dada-inspirierte Collagen von Rockstars, Disney-Ikonen und Werbung enthielt. Zu einer Zeit, als es noch mühsam war, gedruckte Bilder zu sammeln und zu manipulieren, hatten Dowds ausgeschnittene und eingefügte Gegenüberstellungen eine subversive Kraft. „Mir gefallen Bilder in der Reihenfolge sehr gut“, sagte er später, „die sich auf gegenüberliegenden Seiten gegenüberstehen; dann kannst du etwas sagen.“ Dowd war Teil der Mail-Art-Szene, die traditionelle Medien- und Vertriebskanäle umging und Künstler ihre Stücke über den Postdienst tauschte. Seine Zines gründeten einen eigenen Fanclub und inspirierten andere dazu, sich an der körnigen, verwaschenen Ästhetik des Xeroxierens zu erfreuen.

Während die Gegenkultur der sechziger Jahre zu einem Boom der Community- und Bewegungszeitungen führte, tendierten die Künstler-Zines der 1970er Jahre zu transgressiveren Extremen. Abscheulich war eine Publikation aus San Francisco, die Mitte der Siebzigerjahre erschien und von einer Publikation aus Toronto mit dem Titel inspiriert wurde Datei; beide übernahmen das rot-weiße Logo von Leben Zeitschrift. Die Cover von Abscheulich waren eindeutig dazu gedacht, zu schockieren; Eines zeigt einen gehängten Mann mit erigiertem Penis. Probleme von Schmutz, ein frühes Boston-Zine von Mark Morrisroe und Lynelle White, enthält Interviews mit Punkmusikern sowie handgekritzelte Schlagzeilen, die den prominenten Klatsch der Mainstream-Boulevardzeitungen verspotten. Trotz der eigenwilligen Tendenz des DIY-Verlags trugen Zines immer noch Spuren der Momente der Massenkultur, denen sie zu widerstehen versuchten.

Die Ausstellung im Brooklyn Museum ist chronologisch aufgebaut, und wenn die Ausstellung die Achtzigerjahre erreicht, fühlen sich die von diesen Zines repräsentierten Bewegungen und Subkulturen benennbar und begrenzt an, von der Entstehung eines Queer-Zine-Undergrounds in diesem Jahrzehnt bis zum Aufstieg von Riot Grrl im nächsten. Eines der bewegendsten ausgestellten Stücke ist keine Ausgabe eines Zines, sondern „Envelope Quilt“ der Künstlerin und Filmemacherin K8 Hardy, das die Umschläge zusammennäht, die ihr im Laufe der Jahre von Lesern zugesandt wurden.

Der Kulturhistoriker Stephen Duncombe beschrieb Zines in seinem 1997 erschienenen Buch „Notes from Underground: Zines and the Politics of Alternative Culture“ als „Ausbrüche roher Emotionen“, die „uneingeschränkten, authentischen Ausdruck“ über Politur stellen. „Envelope Quilt“, das die Distanz zwischen der Künstlerin und ihren Lesern überbrückt, fängt einen Teil dieser Energie ein. Der Fokus des Museums auf sogenannte Künstlerzines führt jedoch dazu, dass „Copy Machine Manifestos“ weniger an zufälligen, amateurhaften Provokationen interessiert ist, sondern sich mehr mit der Beziehung zwischen selbstveröffentlichten Werken und den Kanons und Konventionen der Kunstgeschichte beschäftigt. Heftklammerte Fotokopien, die unter der Erde und anti-institutionell sein sollen, hinter Glas in einem Museum auszustellen, wird sich immer etwas seltsam anfühlen, insbesondere wenn der ursprüngliche Reiz von Zines sowohl in ihrer Haptik als auch in ihrer Verfügbarkeit lag. Am Ende wirkt die Ausstellung wie eine verblüffende Sammlung von Umschlägen, in der nur ein neckischer Eindruck davon entsteht, was darin geschrieben steht. Auch die Kontextualisierung von Werken innerhalb des künstlerischen Schaffens hätte geholfen. Was ermöglichten Raymond Pettibon, Miranda July oder Harmony Korine die Ausmaße eines Zines, etwas zu erforschen, was ihnen beim Malen, Schreiben oder Filmemachen nicht möglich war?

In der letzten Galerie gab es eine kleine Auswahl an Zeitschriften zum Ansehen und Stöbern, und in einer Online-Galerie waren Scans ausgewählter Ausgaben zu sehen. Aber es gab so viele weitere, in Glas eingeschlossene Bücher, die ich öffnen wollte – um zu sehen, ob sie gesetzt oder handgeschrieben waren oder einen Sinn für Humor hatten, was für Dinge sie rezensierten oder gegen die sie wetterten. Ich fühlte mich an eine wunderbare Ausstellung aus dem Jahr 2010 über die Geschichte der alternativen Kunsträume New Yorks im inzwischen geschlossenen Exit Art erinnert, einem wichtigen Teil dieser Welt. Jeder Raum wurde durch eine Kiste mit Archivmaterial repräsentiert, die auf einem massiven Tisch angeordnet war und für die Gäste Handschuhe und Lupen bereitstellten. Wir wurden eingeladen, Reproduktionen der Papiere, Ephemera und Veröffentlichungen dieser Räume selbst zu prüfen – um einen kleinen Teil der Gemeinschaften zu spüren, die sie jeweils zusammenbringen wollten.

Kunstwerk von Robert Ford / Foto von Evan McKnight / Mit freundlicher Genehmigung des Brooklyn Museum

Ein ausgezeichnetes Begleitbuch, herausgegeben von Phaidon und herausgegeben von den Kuratoren der Ausstellung, Joseph und Sawyer, gleicht einige der inhärenten Einschränkungen der Ausstellung aus, indem es ganze Seiten aus vielen der Zines in der Sammlung nachdruckt und den Lesern ein umfassenderes Gefühl dafür vermittelt, was diese Künstler tun leisteten Widerstand. Einige Angebote wirken bescheiden und intim, ein Dickicht aus handschriftlichen Notizen und neu gemischten Cliparts. Es gibt Riffs über Malbücher, Ratgeberkolumnen und Unternehmenswerbung. Die Zines von Ari Marcopoulos aus den 90er- und 2000er-Jahren voller körniger Xeroxkopien seiner Fotografie wirken wie eine Absage an den digitalen Perfektionismus und fangen stattdessen das pulsierende Chaos des Alltags ein. Andere suggerieren den Ehrgeiz, vielleicht sogar den Wunsch, ein richtiges Magazin zu werden; Dingdas von Robert Ford geleitete Zine über die schwarze, queere Clubkultur der Neunziger, wirkt wie ein verkleinertes Analogon zum Mainstream-Lifestyle-Publishing, mit klaren, anspruchsvollen Layouts und grafischem Design.

Meistens lenken die Essays des Buches die Aufmerksamkeit von den Künstlern und Verlegern weg und vermitteln ein Gefühl der Begeisterung der Leser, die erfuhren, dass eine andere Welt möglich ist. Die Kunsthistorikerin Julia Bryan-Wilson erinnert sich an den „coolen älteren Geschwister“-Effekt, wenn man auf das Zine eines Fremden stößt – ein Schatz, der allerdings nicht dazu gedacht ist, mit allzu großer kuratorischer Kostbarkeit behandelt zu werden. Stattdessen fühlt sie sich von den informellen Kreisen angezogen, die entstehen, wenn Zines wie beabsichtigt zirkulieren, denn „Wissen wird weitergegeben und auch.“ herumgereicht.“ Die Kritikerin Tavia Nyong’o erinnert sich liebevoll an die Lektüre alter Exemplare von Leerlaufblattein New Yorker Zine, das die Ballsaalszene dokumentiert, war, als würde man „Hieroglyphen meiner Zukunft“ sehen.

Der Nervenkitzel, den Nyong’o beschreibt, war weder ein gewöhnliches, alltägliches Gefühl der Mitte der neunziger Jahre noch etwas, das besonders selten war. Es erforderte nur Anstrengung und Glück. Ich kam ungefähr zu dieser Zeit in die Welt der Zines, als der Aufstieg (und die Marktfähigkeit) der alternativen Kultur dazu führte, dass sie nicht länger die alleinige Domäne abgelegener Verrückter waren. Das Veröffentlichen von Zines war eine normale, fast generische Sache, wenn man Gedichte zum Teilen hatte, ein paar Auslandssemester-Eskapaden, die man aufschreiben wollte, oder eine neue Band, die man liebte. Manchmal schien es, als gäbe es Dinge, die meine Freunde und ich uns nur durch den Austausch von Zines mitteilen könnten. Meine Versicherung war eine vorgefertigte Ausrede, um Fremde mit dummen Fragen zu kontaktieren, die ich über mich selbst herausfinden wollte. Ich habe viel über Geschmack gelernt, vor allem durch das Nachahmen dessen, was ich gelesen habe Riesiger Roboter, Geheimer asiatischer Mann, Müllhaufenoder Kükenfaktor, und weil ich einige Halifax-Popbands der frühen 1990er Jahre verehrte, freundete ich mich mit einer unverhältnismäßig großen Anzahl von Menschen aus dem Osten Kanadas an. Es gab Momente der Verbundenheit und Gemeinschaft, und es gab Zeiten, in denen es schien, als wären die verbittertesten Menschen auf dem Planeten Zine-Macher, die die Bemühungen anderer Menschen überprüften.