Amerika: Pro oder Contra? | Der New Yorker

Seit wir Demokratie haben, brauchen wir Argumente, damit sie funktioniert. Diese vor langer Zeit verstorbenen Athener stimmten nur nach Diskussion in der Versammlung ab; Die demokratische Theorie hat immer behauptet, dass gute Entscheidungen aus intellektuellem Kampf hervorgehen. Es ist also wichtig zu fragen – wie läuft das? In zwei aktuellen Shows in New York setzt sich das Theater mit der Nützlichkeit politischer Argumente auseinander: Eine bewusst adstringierende Broadway-Inszenierung des Musicals „1776“ wirft einen schiefen Blick auf das Gründungsgespräch unserer Nation und das Off-Broadway-Stück „Baldwin and Buckley at Cambridge“ lässt den gesamten Konfrontationsmechanismus der Debatte verdächtig erscheinen. In beiden sehen wir zu, wie entscheidende Themen – in gewisser Weise dasselbe Thema – ausgelöscht und durch Rhetorik vermieden werden. Überzeugungsarbeit scheint unmöglich, und der öffentliche Dialog klingt korrupt. Wenigstens singt die Sprache.

Es ist eine knifflige Sache, das Musical von Sherman Edwards und Peter Stone aus dem Jahr 1969 wiederzubeleben, in dem ursprünglich ein Kongress von Weißen (sicherlich das passende Sammelwort) in Reithosen die Hauptrolle spielte. John Adams, Thomas Jefferson, Ben Franklin, John Dickinson, et al. im verschwitzten Philadelphia darüber, ob man die Unabhängigkeit erklären soll, und der Höhepunkt – ein Sieg des Kompromisses über Ideale – kommt, als Jefferson überredet wird, eine Verurteilung der Sklaverei aus der Erklärung zu streichen. (Dramatisch gesehen ist dieser Höhepunkt ein Blindgänger; historisch gesehen könnte es kaum wichtiger sein.) Nur zwei Frauen dürfen überhaupt etwas sagen: Abigail Adams, die ihrem Ehemann schreibt, um ihn bei Laune zu halten, und Martha Jefferson, die die ihres Mannes inspiriert , äh, Feder. Es gibt genug nostalgische Liebe für die Show (der Film von 1972 wurde eine Zeit lang im US-amerikanischen Geschichtsunterricht gezeigt), dass viele im Kino es „lösen“ wollten. Eine farbenblinde, modern gekleidete 2016 Zugabe! Produktion weckte Zuneigung, stolperte aber auch über konzeptionelle Probleme, die zum Beispiel durch eine schwarze Schauspielerin verursacht wurden, die Martha spielte. Das Thema Sally Hemings kann buchstäblich nicht aufhören aufzutauchen.

Die Regisseure der aktuellen Version, Diane Paulus und Jeffrey L. Page (der auch der Choreograf der Show ist), thematisieren die unangenehme Optik und die geschlechtsspezifischen Ungleichheiten des Musicals, indem sie es mit einer vielfältigen Gruppe weiblicher, nicht-binärer und transsexueller Darsteller besetzen fügt ein paar strenge Blicke hinzu, wenn die Heuchelei – Jefferson spricht von Gleichheit – zu viel wird. Crystal Lucas-Perry spielt Adams mit einem reumütigen Befehlsgefühl und seufzt: „Bei Gott, ich habe Dies Kongress“, mit einem komplexen Ausdruck von Müdigkeit; Mit dieser Haltung beabsichtigt die Produktion laut Paulus, „die Geschichte als Zwangslage gegenüber einem bestätigenden Mythos zu betrachten“. Ein Dilemma ist es sicherlich, zumal die Produktion im American Airlines Theatre – zufälligerweise? – suggeriert, dass selbst eine Änderung der Zusammensetzung unseres Leitungsgremiums zu denselben Ungerechtigkeiten, demselben Kuhhandel und derselben moralischen Kapitulation führt. Ansonsten wirken die Anpassungen an das zugrunde liegende Musical bescheiden: Arrangements für einige Lieder betonen den Choral; eine der düstereren Nummern („The Egg“) rockt jetzt ab; und die Schöpfer haben Zeilen aus einem echten Abigail Adams-Brief hinzugefügt, in dem sie John ermahnt, „sich an die Damen zu erinnern“. Die Besetzung verursacht auch einige ziemlich schöne musikalische Veränderungen – zum Beispiel sind die Duette von Abigail (Allyson Kaye Daniel) und John, die für zwei Frauenstimmen zurückgesetzt wurden, neu üppig und anmutig.

Das Kreativteam verwendet eine Mischung aus den Strategien von Lin-Manuel Mirandas „Hamilton“, in dem bekanntermaßen weiße Gründerväter mit schwarzen und braunen Darstellern besetzt wurden, und Daniel Fishs realistischer Inszenierung von „Oklahoma!“, in der die Charaktere die Gewalt im Film registrierten Drehbuch und verlangsamte das Tempo der Show, was die allgemeine staatsgründende Freude dämpfte. Entscheidend ist jedoch, dass das Edwards-Stone-Musical nicht die gleichen Knochen hat wie diese beiden Wahrzeichen des Musiktheaters. „Hamilton“ wandte seine diversifizierenden Methoden auf jeden Teil seiner selbst an, einschließlich seiner Kreation und seines Sounds; In „Oklahoma!“ enthielt das Ausgangsmaterial bereits eine reiche Ader von Zweifeln an der Cowboy-Ethik. Wie gehen diese beiden Techniken – Umformung und Ironisierung – mit „1776“ um? Nun, wenn es darum geht, Kritik zu äußern, übernimmt unsere eigene Macht, den Unglauben aufzuheben, nach nur wenigen Minuten. Verbringen Sie nur eine Szene mit Patrena Murray als Ben Franklin und passen Sie sich an, sodass die Subversion der Identität des Schauspielers schnell nachlässt. Was die strengen Blicke betrifft, je verärgerter das Unternehmen wird, desto seltsamer wird es. Ein säuerlicher Blick ist das eine, lange Blicke ins Publikum, gespielt vom Ensemble, können ungewollt komisch werden. Sie scheinen so verrückt danach zu sein, diese Show aufzuführen, für die sie sich entschieden haben!

Die Regisseure sind bereit zu zerlegen und zu dekonstruieren, aber die Show behindert sie anfangs, indem sie zu schlapp ist, um sie im Kampf einzusetzen: „1776“ hat einen sehr albernen ersten Akt, der zwischen Bluffs, gesprächigen Wortwechseln und verrückten Liedern wechselt, die beibehalten werden sollen uns unterhalten. Der Akt endet mit einer postkoitalen Martha Jefferson (Eryn LeCroy), die suggestiv „He Plays the Violin“ singt, was einfach nicht die Art von Dingen ist, bei denen man eine Brechtsche Haltung bewahren kann – nicht einmal, wenn Jen Schriever die Beleuchtung macht sehr Stark und Scott Pask machen das Set mit verblassten Vorhängen sehr mürrisch. Es sollte eine freilaufende Szene sein, zumal LeCroy eine riesige Stimme hat, die für leichte Opern gebaut wurde und zu atemberaubender Akrobatik fähig ist. Paulus und Page können sich jedoch nicht von ihrer beharrlichen Feierlichkeit abwenden, um diese Art von Dummheit anzusprechen, also zerquetschen sie alle Witze. Diese Momente im ersten Akt werden weder politisch zerrissen (es ist immer noch ein Sexsong über eine Geige!) noch lustig.

In der substantielleren zweiten Hälfte gelangt die Produktion auf festeren Boden, und das Musical erreicht seinen Höhepunkt mit „Melasses to Rum“, einer wütenden Anklage gegen die Heuchelei des Nordens, die von Sara Porkalob mitreißend gesungen wird. Unter seinem Gehrock verborgen, ist der letzte Teil des Musicals sehr wütend, und dies ist die Lunte, die das offensichtliche Sendungsbewusstsein des Ensembles zum Vorschein bringt. Stone hat viele gute Analysen in das Buch gesteckt: dass Sklaverei das morsche Brett war, das das Schiff versenken würde, dass Frauen vergessen wurden, weil sie nicht in der Kammer waren, während Revolutionssoldaten vergessen werden konnten, selbst wenn sie es waren. Ein Kurier von George Washingtons verzweifelter Front kanalisiert einen toten Jungen: „Momma, hey, Momma, come looking for me.“ Die Hymne wird von Salome B. Smith dargeboten, die die Wände niedersingt und nebenbei das beste Argument der Produktion liefert. Strenge Blicke bringen uns weder politisch noch künstlerisch sehr weit, aber die musikalischen Höhepunkte der Show haben immer noch Kraft: Sie bekommen die Unterschriften; sie sammeln die Truppen; sie klingeln.

Währenddessen befinden wir uns im Public Theatre in der Innenstadt an einem Höhepunkt für James Baldwins Stimme im Theater: „Baldwin and Buckley at Cambridge“ ist tatsächlich einer von ihnen zwei Produktionen in dieser Saison, die die Sprache seiner Debatte von 1965 mit William F. Buckley, Jr. in der Cambridge Union als Text verwenden. (Die andere stammt von der Gruppe American Vicarious.) In diesem Frühjahr brachte The Vineyard „Lessons in Survival: 1971“ heraus, ebenfalls eine wörtliche Baldwin-Erfahrung, damals ein ausgedehntes Gespräch mit der Dichterin und Aktivistin Nikki Giovanni. Es ist kein Wunder, dass Theatermacher nach Baldwin strömen. Der Tenor seiner Rede ist sowohl mitreißend als auch opernhaft: Sein Ausdrucksniveau ist so berauschend hoch, dass es Sie für einen Moment davon überzeugt, dass die amerikanische Konversation so klingt.

Die elegante Elevator Repair Service-Produktion, eine schnelle 60-minütige Show unter der Regie von John Collins, hält sich größtenteils an die Aufzeichnung der Veranstaltung selbst. Erstens schlagen zwei Studenten der Debattiergesellschaft der Union (Gavin Price und Christopher-Rashee Stevenson) den Antrag „Der amerikanische Traum geht auf Kosten des amerikanischen Negers“ vor und lehnen ihn ab. Dann, an einem einfachen Rednerpult stehend, argumentiert Baldwin (Greig Sargeant, der die Produktion konzipierte) bejahend und weist auf die Zerstörung sowohl des schwarzen als auch des weißen Amerikas durch die weiße Vorherrschaft hin. Als er in den Tagen nach den Unruhen in Alabama sprach, sagte er: „Einem Menschen muss etwas Schreckliches zugestoßen sein, um zum Beispiel einen Viehstoß gegen die Brüste einer Frau zu setzen. Was mit der Frau passiert, ist grausam. Was mit dem Mann passiert, der es tut, ist in gewisser Weise viel, viel schlimmer. . . . Ihr moralisches Leben wurde durch die Pest namens Farbe zerstört.“