Verzeihen Sie mir, aber ich bin immer noch etwas benommen vom musikalischen Höhepunkt von „Hell’s Kitchen“, dem neuen halbautobiografischen Musical der Singer-Songwriterin Alicia Keys, das seine Weltpremiere im Public Theatre in einer stilvoll kinetischen Inszenierung unter der Regie von Michael feiert Greif.
Die Show, in der ein Buch des Dramatikers Kristoffer Diaz (einem Pulitzer-Preis-Finalisten für „The Elaborate Entrance of Chad Deity“) vorgestellt wird, steigt immer dann in die Höhe, wenn die talentierte Besetzung einen der brillant neu interpretierten Hits von Keys singt.
Die Songs wirken nicht so heruntergekommen, wie es bei vielen Jukebox-Musicals der Fall ist. Stattdessen werden sie kunstvoll neu interpretiert, ihre Rhythmen im Jazz wiederentdeckt, ihre Texte in neue Kontexte überführt. Die Interpreten – Sänger von außergewöhnlichem Talent, die ihre musikalischen Rollen als Schauspieler angehen – machen die Nummern zu ihren eigenen, das heißt zu ihren Charakteren.
Ich habe einen Teil der Musik von Keys in meiner digitalen Bibliothek, aber ich würde mich nicht als begeisterten Fan bezeichnen. Wertschätzend, ja, aber aus der Distanz. Vielleicht war ich deshalb überrascht, wie entzückt ich in den Bann des Musicals geriet. Normalerweise zähle ich bei einem Jukebox-Musical die Hits ab wie ein Angestellter in einer Hardware-Geschichte mit einem Klemmbrett. Hier wollte ich nie, dass die Lieder enden.
Maleah Joi Moon (im Vordergrund) und die Begleitung der Weltpremiere von „Hell’s Kitchen“ im Public Theater.
(Joan Marcus)
Das Buch ist eine andere Geschichte. „Hell’s Kitchen“ hat nicht, wie so viele neue Musicals, ein Problem mit dem zweiten Akt. Es gibt ein Problem mit den Einsätzen, das überall offensichtlich ist. Diaz, der vielleicht nicht in Bereiche eindringen möchte, die für Keys so persönlich sind, gräbt sich nicht so unermüdlich in die Komplexität des Materials ein. Es gibt eine schonungslos ehrlichere Version dieser Coming-of-Age-Geschichte, die darauf wartet, erzählt zu werden. Im Moment liegt die Genialität der Show in Keys’ Partitur.
„Hell’s Kitchen“ wurde von New Yorkern, die mit dem staatlich subventionierten Wohnkomplex am westlichen Rand des Theaterviertels vertraut sind, in dem das Musical spielt, informell als „Manhattan Plaza Musical“ bezeichnet. Der Name des Viertels klingt rau und holprig – und als Keys in den 1990er Jahren aufwuchs, war er düsterer. Aber Manhattan Plaza, das Künstlern bezahlbaren Wohnraum bietet, ist ein magisches Königreich.
Die Fahrt mit dem Aufzug war für die jungen Keys ein musikalisches Erlebnis, da von jeder Etage die Klänge der übenden Musiker, der harmonierenden Sänger und der Tänzer, die neue Bewegungen ausprobierten, herüberdrangen. Für ein frühreifes Kind mit einem erstaunlichen musikalischen Talent, das darauf wartete, gefördert zu werden, war es ein idealer Ort zum Aufwachsen, auch wenn es mitten in all den gefährlichen Verlockungen einer Großstadt lag – und daher für einen überfürsorglichen Single eine Quelle ständiger Sorgen Mutter möchte ihre Tochter davon abhalten, ihre eigenen Fehler zu wiederholen.
Ali, Keys‘ Stellvertreter, wird von Maleah Joi Moon gespielt, der ein atemberaubendes Profidebüt gibt. Es ist eine erstaunliche Leistung, und das nicht nur, weil Moon mit Glanz und Kraft singt, die Keys ohnmächtig gemacht haben muss. Moon porträtiert die 17-jährige Ali mit einer Mischung aus Prahlerei, Trotz und Verletzlichkeit und geht über die Imitation hinaus, um ein Seelenbild einer Künstlerin als junge Frau zu zeichnen.
Shoshana Bean spielt Alis Mutter Jersey, eine ehemalige Schauspielerin, die zwei Jobs annimmt und gleichzeitig ein strenges Auge auf ihre Tochter hat. Der Broadway weiß seit langem, dass Bean eine der großartigsten Musical-Theaterstimmen ihrer Generation besitzt. (Sie erhielt eine Tony- und eine Grammy-Nominierung für „Mr. Saturday Night“ und hat sechs Soloalben aufgenommen.) Aber das ist die Rolle, auf die sie gewartet hat – und sie liefert sie auf eine Art und Weise, die die Mängel des Drehbuchs fast unerheblich erscheinen lässt.
Jersey weiß, dass Ali von der Musik auf der Straße fasziniert ist. Je mehr sie ihrer Tochter verbietet, abends die Wohnung zu verlassen, wenn sie bei der Arbeit ist, desto mehr sieht sich Ali gezwungen, ihr nicht zu gehorchen. Ray (Chad Carstarphen), der Türsteher, wurde damit beauftragt, für Alis Sicherheit zu sorgen. Aber New York lockt, und sie ist zu voller Inbrunst, um nicht an seiner Wache vorbeizukommen.
Eine Gruppe Eimertrommler, die vor dem Manhattan Plaza geparkt sind, erregt Alis Aufmerksamkeit. Insbesondere ein Schlagzeuger, Knuck (Chris Lee), der mehrere Jahre älter als Ali ist und sich nur ungern mit einem Teenager einlassen will, wird zum Gegenstand von Alis Zuneigung. Ihre Beharrlichkeit überzeugt ihn schließlich, aber nur bis ihre Mutter dabei erwischt, wie es ihnen auf der Couch heiß und schwer wird.
Als zentrale Struktur des Buches verwendet Diaz die klassische Handlung eines jungen Liebenden, der von einem Elternteil blockiert wird. Der langsame Beginn der Romanze kommt in „You Don’t Know My Name“ zum Ausdruck. „Girl on Fire“ bricht siegreich aus, nachdem Ali das bekommen hat, wovon sie geträumt hat. Ein wunderschönes Duett von „Like You’ll Never See Me Again“ mit Knuck im zweiten Akt signalisiert den Verlust, der immer die erste Liebe überschattet.
Maleah Joi Moon und Kecia Lewis in der Weltpremierenproduktion von „Hell’s Kitchen“ im Public Theater.
(Joan Marcus)
Die Intensität von Alis Innenleben wird durch die Musik vermittelt. (Musikbetreuer Adam Blackstone arbeitete mit Keys an den Arrangements zusammen und Tom Kitt, der mit Keys an den Orchestrierungen arbeitete, fungierte als Musikberater für die brillante Partitur, die neben neuer Musik auch gefühlvolle Schätze enthält.)
Camille A. Browns Choreografie interpretiert die emotionalen Veränderungen, die Ali durchläuft, mithilfe von Ensemblenummern, die ein wenig kitschig wirken können, wenn sie übermäßig illustriert werden. Doch an der Überzeugung der kämpferischen Tänzer besteht kein Zweifel und die Energie auf der Bühne ist durchgehend treibend. (Robert Brills szenischer Entwurf schafft eine postmoderne Landschaft, die teils Stadtbild, teils Tanzfläche ist.)
Dramatisch gesehen kann der Konflikt zwischen Ali und ihrer Mutter langweilig erscheinen und den ganzen Theatertrubel nicht wert sein. Es gibt in Alis bi-rassischer Identität noch mehr zu entdecken. Ali wird von einer weißen Mutter großgezogen und sehnt sich nach einer stabileren Beziehung zu ihrem schwarzen Vater Davis (einem herzergreifenden Brandon Victor Dixon), einem Musiker, der häufig unterwegs ist und praktischerweise nicht in der Lage ist, seine Versprechen einzuhalten.
Das Buch fängt ein, wie geliebte Menschen, die es gut meinen, immer wieder enttäuschen können. Jersey versucht, ihre Tochter vor dem Schmerz eines Vaters zu schützen, der Erwartungen weckt, diese dann aber unerfüllt lässt. Aber die Familienpsychologie offenbart sich am tiefsten in der Musik.
Davis, der seine Tochter überredet, sich ihm in einer großartigen Version von „If I Ain’t Got You“ anzuschließen, und Jersey, der ihre Tochter in einem Duett von „No One“ tröstet, sind zwei der emotionalsten Stücke der Serie. Die Lieder werden auf solch überraschende Weise neu interpretiert, aber es ist die pure Schönheit des Gesangs, die unsere Herzen erfasst und uns etwas über die Urwunde der Liebe verstehen lässt.
Ein weiterer wichtiger Handlungsstrang betrifft Alis Entwicklung als Künstlerin unter der strengen, liebevollen Anleitung von Miss Liza Jane (Kecia Lewis), einer Mitbewohnerin des Manhattan Plaza, deren klassische Klavierstunden in einem Proberaum des Gebäudes Ali in ihren Bann ziehen. Als Figur vereint Miss Liza Jane den Hochmut der Operndiva Jessye Norman mit der Predigtweisheit von Maya Angelou.
Die Lehrer-Schüler-Beziehung könnte subtiler abgegrenzt werden. (Lewis’ Ernsthaftigkeit ist am überzeugendsten, wenn sie singt.) Es werden jedoch komplizierte Identitätsfragen aufgeworfen. Miss Liza Jane ist entschlossen, Ali mit dem musikalischen Erbe ihrer schwarzen „Vorfahren“ in Verbindung zu bringen. Alis Mutter, die in die Rolle der bösen Polizistin gedrängt wird, fühlt sich durch Alis wachsende Nähe zu ihrem Lehrer bedroht. Die Geschichte nimmt eine düstere Wendung, aber diese Dynamik hat noch mehr zu bieten.
Die Mängel des Buches liegen auf der Hand, aber ich erlag der überwältigenden Emotionalität von Alis Geschichte, verdammt noch mal, der Sentimentalität. „Hell’s Kitchen“ dramatisiert nicht den Aufstieg eines R&B-Phänomens. (Nur die frühe Entwicklung der Figur als Musiker wird skizziert.) Was die Show stattdessen aufzeichnet, ist der Betondschungel, aus dem die Träume eines Künstlers entstanden.
„Empire State of Mind“ ist ein passendes Schlussstück, und es gelingt ihm, das zu tun, was der Titelsong von Kander und Ebb für „New York, New York“ in der Musicaladaption zu erreichen versuchte, die letzten Frühling am Broadway uraufgeführt wurde: ein Publikum in den Bann zu ziehen eine höhere Wertschätzung dafür, wie eine Stadt als Akt des ekstatischen Überlebens Kreativität anregen und sogar provozieren kann.
„Hell’s Kitchen“ machte diesen Jukebox-Musical-Leugner zum Gläubigen. Neuerfindung ist der Schlüssel zum spektakulären Erfolg von Keys. Hoffen wir, dass der Broadway es zur Kenntnis nimmt.