5 klassische Alben, die Sie jetzt hören sollten

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Augustin Hadelich, Geige (Warner Classics)

Bach war anscheinend der Komponist der Pandemie, und seine Musik sprach viele der gesamten menschlichen Erfahrungen und Emotionen an. Auch isolierte Musiker haben ihre Partituren seiner Solowerke herausgezogen – Wunder, aus einzelnen Instrumenten Symphonien zu machen.

Zählen Sie den Geiger Augustin Hadelich dazu. Er widmete einen Großteil des Jahres 2020 Bach und erfüllte sich schließlich einen lang gehegten Traum, die monumentalen Sonaten und Partiten aufzunehmen. Es ist ein riskantes Unterfangen mit der Herausforderung, sich in einem überfüllten Feld abzuheben.

Hadelich gelingt im Allgemeinen eine technisch gesicherte Interpretation, die weder der historisch informierten Aufführung noch dem altmodischen Stil eines Jascha Heifetz gewidmet ist. Hadelichs Klang spielt mit einem Barockbogen, ist klar und leicht, und Vibrato-Blitze werden mit Bedacht eingesetzt, wie in seiner anmutigen Lektüre des Andante der zweiten Sonate und seiner schmerzlich lyrischen Darstellung des Largo aus der dritten Sonate.

An anderer Stelle enthüllt die Musik Hadelichs Begabungen zum Schattieren – die große Chaconne aus der zweiten Partita hat hier starke Kontraste -, verrät aber auch seine Mängel, insbesondere seine Unzuverlässigkeit, implizite Kontrapunkte herauszufiltern. Dieses Album fängt jedoch nur einen einzigen Moment ein – und für so viele sind diese Werke ein lebenslanges Projekt. Hoffen wir, dass sie auch für Hadelich sind. JOSHUA BARONE

Britten Sinfonia; Thomas Adès, Dirigent (Signum)

Wenn ein Dirigent mit einem Zyklus von Beethoven-Symphonien herauskommt, ist es ein bisschen so, als würde man einem Pitcher zusehen, wie er sich einem No-Hitter nähert. Sie wollen das Verfahren nicht wirklich verhexen, indem Sie darüber sprechen, während es geschieht. Aber jetzt, da Thomas Adès ‘Bericht über die neun Werke, der zwischen 2017 und 2019 mit der Britten Sinfonia aufgenommen wurde, endlich veröffentlicht wurde, können die Hörer ruhig atmen.

Im letzten Album der Serie lassen Interpretationen der siebten, achten und neunten Symphonie vertraute Passagen erneut glitzern. Schon früh im ersten Satz des Siebten gibt es eine gesellige Qualität des Rufs und der Antwort zwischen Saiten und Winden, anstatt rotes Volleyballspiel. Dies bedeutet, dass später, wenn das gesamte Ensemble zusammenläuft, ein starkes Gefühl der Kollektivität besteht – unabhängig von der Kammer-Orchester-Skala dieser Kräfte.

Während des gesamten Zyklus hat Adès Beethoven mit den antiken Unterhaltungen des zeitgenössischen Komponisten Gerald Barry gepaart. Hier vibriert der Bericht dieser Spieler über Barrys „The Eternal Recurrence“ mit der gleichen freudigen Liebe zum Detail wie in den Symphonien. SETH COLTER WALLS

Odense Symphony Orchestra; Bjarke Mogensen, Akkordeon; Sebastian Lang-Lessing und Scott Yoo, Dirigenten (Brücke)

Der dänische Komponist Poul Ruders hat lange Werke geschrieben, die auf subtile Weise hinreißende Klänge, viel Fantasie und eine komplizierte modernistische Technik miteinander verbinden. Aber wie er in den Liner Notes für diese neue Aufnahme von „Sound and Simplicity“ (2018) für Akkordeon und Orchester schreibt, sind vier der sieben Sätze dieses mysteriösen, flüchtigen Stücks „sehr einfach“ – das heißt mit einem „ Fehlen jeglicher struktureller und metrischer Komplexität. “

Der zweite Satz, “Trance”, ist in der Tat einfach: eine unheimliche Verlängerung eines anhaltenden Akkords von nur vier Noten. Aber andere Abschnitte dieser 30-minütigen Partitur sind dunkel und hektisch, wie „Wolf Moon“. Am faszinierendsten ist vielleicht die schiere Bandbreite an seltsamen, zarten und durchdringenden Klängen, die der brillante Bjarke Mogensen aus dem Akkordeon zieht. Wer braucht Synthesizer, wenn Sie diesen Virtuosen in Ihrem Ensemble haben? Auf dem Album spielt Mogensen auch sein eigenes Solo-Arrangement von Ruders ‘kontemplativem, harmonisch säuerlichem „Dream Catcher“, dessen Thema in Ruders’ Symphonie Nr. 3 aufgenommen ist, deren Aufnahme 2012 hier neu aufgelegt wird. ANTHONY TOMMASINI

Jean-François Heisser und Jean-Frédéric Neuburger, Klaviere; Serge Lemouton, Elektronik (Mirare)

Karlheinz Stockhausens „Mantra“, ein 1970 geschriebenes Zwei-Klavier-Epos, scheint über seine einstündige Zeitspanne frei zu wandern. Aber es ist tatsächlich eng gebaut. Zu Beginn steht ein 13-Noten-Thema – was Stockhausen als Formel oder Mantra bezeichnet -, das im Laufe des Stücks manipuliert wird.

Dies ist nicht gerade ein Thema und Variationen, da die Formel kaum variiert wird; Es ist nur erweitert und komprimiert, in Geschwindigkeit und Tonhöhe. Jede der 13 Noten ist mit einer bestimmten Qualität verbunden – wie knusprigem Staccato, einem Triller oder einer bestimmten Akzentbetonung – und in 13 Abschnitten wendet Stockhausen diese Eigenschaften nacheinander auf die Behandlung der Formel an, die in einem wilden Klima gipfelt Tokkata.

Dies kann als trocken gelesen werden – rein konzeptionell. Die Ergebnisse haben jedoch eine verführerische, schattige nächtliche Sinnlichkeit, zumal der Klang der Klaviere von der Elektronik verarbeitet wird, was zu einer Vielzahl von Effekten führt: kupferfarbener Schimmer, verlassenes Echo, schleifende Benommenheit, zarte Trübung. Die beiden Pianisten spielen auch Holzklötze und Crotales (kleine gestimmte Becken) und singen sogar kurz für die rituelle Stimmung, die für einige Komponisten in den 1970er und 1980er Jahren ein wesentlicher Bestandteil von Stockhausens Vermächtnis sein würde.

Aber diese Aufnahme ist bemerkenswert für eine Aufführung und insbesondere für die Verwendung der Elektronik, die sich in Psychedelika der späten 60er Jahre nicht veraltet oder verirrt anfühlt. Dafür und für ihre allgemein präzise, ​​eindrucksvolle Arbeit verdienen die Pianisten Jean-François Heisser und Jean-Frédéric Neuburger, der Elektronikkünstler Serge Lemouton und das Plattenlabel Mirare große Anerkennung. ZACHARY WOOLFE

London Symphony Orchestra; Antonio Pappano, Dirigent (LSO Live)

Simon Rattle schockierte die Musikwelt im Januar, als er ankündigte, das Podium des London Symphony Orchestra für das Bavarian Radio Symphony Orchestra in München zu verlassen. Zwei Monate später, sogar einen Ozean entfernt, konnte man die Seufzer der Erleichterung hören, als Antonio Pappano zu seinem Nachfolger ernannt wurde.

Nur wenige Dirigenten genießen in Großbritannien – oder anderswo – ein höheres Ansehen als Pappano, der dienstälteste Musikdirektor in der Geschichte der Royal Opera. Und obwohl es berechtigte Fragen gibt, wo ein Dirigent, der vor allem für seine Arbeit in der Operngrube bekannt ist, ein Orchester von solch Prestige und Neugier aufnehmen könnte, ist die Übereinstimmung zwischen Ensemble und lokalem (in Essex geborenem) Maestro vielversprechend, insbesondere zu einer Zeit, als der Brexit stattfand und Covid-19 haben die britische Kultur und das Selbstbewusstsein des Landes destabilisiert.

Wie um diesen Punkt hervorzuheben, kommt diese Veröffentlichung: eine Live-Aufzeichnung von Konzerten aus dem Jahr 2019 und kurz vor der Sperrung im Jahr 2020, die leicht Pappanos beeindruckendste symphonische Aufnahme ist. Vaughan Williams ‘Sechster ist schwierig und ambivalent, aber Pappano reißt ihn ein und zwingt ihn zu einer enormen Wirkung. Und der Vierte aus der Kriegszeit hat seit Leonard Bernsteins mit den New York Philharmonic vor einem halben Jahrhundert keine so flammende, grausame und überzeugende Aufnahme mehr erhalten. Es ist erstaunliches Zeug, und man hofft nur, in den kommenden Jahren besser zu werden. DAVID ALLEN



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