Wie sollen klassische Musik-Ensembles nach 18 Monaten Pandemie-Schließungen und einer bundesweiten Abrechnung mit Rassenungerechtigkeit zu Live-Auftritten zurückkehren?
Es ist eine Frage, die sich auftaucht, als Programmierer entscheiden, ob sie ihre Saison mit Absichtserklärungen eröffnen. Kürzlich kehrten zwei große New Yorker Gruppen – das Orchestra of St. Luke’s und das Orpheus Chamber Orchestra – mit scheinbar meist normaler Kost zurück, die als zaghafte verpasste Gelegenheiten wirken konnte, aber außergewöhnlich feines und engagiertes Musizieren boten, das sich anfühlte wie Akte der Erneuerung.
In der Carnegie Hall am vergangenen Donnerstag begrüßte Bernard Labadie, seit 2018 Musikdirektor von St. Luke’s, das Publikum herzlich und erklärte, als er und die Spieler mit der Planung ihres Programms begannen, “sprang ein Wort heraus: Freude”. Bei diesem Konzert gehe es vor allem darum, Spaß zu haben, fügte er hinzu, und Händels „Wassermusik“ sei „die glücklichste Musik, die ich kenne“.
Er führte das Orchester in einer lebendigen, stilvollen Darstellung der gesamten „Wassermusik“, 22 Stücke von etwa 50 Minuten Länge. Händel schrieb diese Partitur, um König Georg I. und sein Gefolge während einer Flussfahrt im Jahr 1717 vom Whitehall Palace in London in den Stadtteil Chelsea zu unterhalten. „Water Music“ ist vor allem für die verschiedenen daraus entstandenen Suiten bekannt – die für mich die Reize der Musik und die reichen Feinheiten, die Händel subtil in jedes Stück eingearbeitet hat, besser zur Geltung bringen. Doch den begeisterten Ovationen nach zu urteilen, schien das Publikum glücklich, die gesamte musikalische Flussfahrt Händels mitzumachen.
Dieses barocke Programm begann mit einer kraftvollen Darstellung des Präludiums aus Charpentiers „Te Deum“, einer Musik, die geschickt martialische Strenge und funkelnde Überschwänglichkeit mischt. Als nächstes kam eine Bach-Neuheit, ein „seltsames Geschöpf meiner Phantasie“, wie Labadie es beschrieb, mit dem Titel „Ein imaginäres Konzert für Violine“. Während seiner arbeitsreichen Jahre in Leipzig recycelte Bach oft bestehende Sätze aus Instrumentalstücken in große geistliche Partituren, erklärte Labadie. Mit Respekt und beherztem Wagemut gestaltete Labadie daher ein Konzert aus drei Bach-Sätzen, die eine Solovioline beinhalten: zwei Sinfonien, die ein Adagio aus dem „Osteroratorium“ einschließen. Das Ergebnis war eine Art Konzert mit einem fleißigen ersten Satz, einem traurig langsamen und einem flüchtigen Finale, das für den großartigen Geiger Benjamin Bowman, der wunderschön spielte, auf Bestellung angefertigt wurde.
In der 92nd Street Y am Dienstag dominierten zwei Mozart-Heftklammern das Programm von Orpheus, das 2022 feiert sein 50-jähriges Jubiläum als stolzes Dirigentenensemble. (Der Abend war auch der Beginn der klassischen Musiksaison des Veranstaltungsortes.) Das Konzert eröffnete ein kurzes Werk des Komponisten und Geigers Joseph Boulogne aus dem 18. Das Ensemble erzählte lebendig die betörende, dreisätzige Ouvertüre zu „L’Amant Anonyme“, Boulognes einziger erhaltener Oper.
Dann trat der renommierte Pianist Richard Goode, der seit Mitte der 1970er Jahre mit Orpheus zusammenarbeitet, unter anderem mit Aufnahmen von Mozart-Konzerten, als Solist im Klavierkonzert Nr. 25 in C auf, einer majestätischen und virtuosen Partitur. Goode war von seiner besten Seite, in einer sensiblen, klaren und überragenden musikalischen Darbietung. Das Orchester endete mit einer spannenden Darstellung von Mozarts „Linzer“ Symphonie. Mit nur 25 Spielern in der intimen Halle des Y kam die Musik großartig, aber auch mit aufschlussreichen Details rüber.
Ich wünschte, jemand von Orpheus hätte, wie Labadie für St. Luke, über die Gründe des Ensembles für die Auswahl der Werke gesprochen, die es für diese bedeutende Rückkehr hatte. Es gab nicht einmal Programmnotizen. Manche Künstler lassen lieber Musik für sich sprechen. Aber vielleicht ist dies eine Zeit, in der klassische Musiker direkt darüber sprechen müssen, was sie spielen und warum.