Skulpturen im Freien bieten einige unserer zugänglichsten Begegnungen mit Kunst, und das gilt in diesem Sommer noch mehr für Kunstbetrachter, die immer noch zögern, Galerien und Museen wieder zu betreten, und für diejenigen, die eine Pause der Heilung und Geschichte suchen.
Kritiker der Times haben Sie bereits auf einige der neuen Outdoor-Ergänzungen im New Yorker Stadtbild aufmerksam gemacht, darunter David Hammons’ „Day’s End“ am Hudson River, das eine Hommage an Gordon Matta-Clarks öffentliche Skulptur aus den 70er Jahren ist – eigentlich ein Einschnitt in der Mauer eines bröckelnden Piers – und mehr als zwei Dutzend Projekte im Riverside Park, von der 64. bis zur 151. Straße. Und da ist Yayoi Kusama, dessen „Kosmische Natur“ den New York Botanical Garden übersät. Hier sind andere auf jeden Fall einen Besuch wert.
Melvin Edwards: Hellere Tage
Bis 28. November. City Hall Park, Manhattan; publicartfund.org.
Melvin Edwards wurde als Bildhauer mit seinen harten, abstrakten „Lynch Fragments“ bekannt, die 1963 begonnen wurden. Die aus zusammengeschweißten Metallresten gefertigte Serie schöpfte sowohl aus der afrikanischen Skulptur als auch aus der europäischen und amerikanischen Moderne und vermittelte perfekt das Schreckliche, Gewalttätige , verdrehte Natur seines Themas. „Brighter Days“ im City Hall Park in Lower Manhattan, auf dem sich auch der African Burial Ground aus dem 18. Jahrhundert befindet, ein Friedhof, auf dem sowohl freie als auch versklavte Menschen begraben wurden, dient als kleiner Überblick über Edwards’ größere Werke. Die Skulpturen in „Brighter Days“ sind weniger viszeral und monumentaler als die „Lynch Fragments“, die den abstrakten, polierten Stahlskulpturen von David Smith ähneln. Einige, wie „Song of the Broken Chains“ (2020), erinnern elegant an die versklavten Vorfahren. Andere, wie „Ukpo. Edo“ aus den 90er Jahren beziehen sich direkt auf afrikanische Präzedenzfälle. (Ukpo ist ein in Nigeria hergestelltes Gericht mit Kochbananen.) Im vergangenen Sommer, ein paar Meter von diesen Skulpturen entfernt, übernahmen Aktivisten von Black Lives Matter einen Teil dieses Gebiets und erinnerten daran, dass die Geschichte und der Kampf, auf den sich Edwards in seinen Skulpturen bezieht, kaum vorbei sind .
Guadalupe Maravilla: Planeta Abuelx
Sokrates-Skulpturenpark, 32-01 Vernon Boulevard, Long Island City, Queens; 718-956-1819; sokratesskulpturpark.org.
Trauma und Heilung stehen im Mittelpunkt der Arbeit von Guadalupe Maravilla, und seine „Planeta Abuelx“ im Sokrates-Skulpturenpark setzt sich sowohl pragmatisch als auch symbolisch mit diesen Themen auseinander. „Planeta Abuelx“ erweitert die Idee von Mutter Erde zu einem generationenübergreifenden „Großeltern-Planeten“. Zentrales Objekt ist hier „Disease Throwers (#13, #14)“ von 2021, eine hoch aufragende, sich windende Skulptur aus Aluminiumguss und Stahlrohr mit Gongs, die als eine Art Kopf und Bauch der pyramidenförmigen Arbeit dienen. Das Werk wird von einem temporären Garten mit Heilpflanzen umgeben, zusammen mit Kürbis, Bohnen und Mais – Gemüse, das für die indigene Ernährung Amerikas von zentraler Bedeutung ist – sowie Tabak und Rosen. Performances in Form von Klangbädern machen „Disease Throwers“ zu einer eigentlichen (hoffentlich) therapeutischen Übung und nicht zu einer rein symbolischen. Für Maravilla ist das alles persönlich: Er wanderte während des Salvadorianischen Krieges der 1980er Jahre als unbegleiteter Minderjähriger in dieses Land aus und überlebte später den Dickdarmkrebs. „Planeta Abuelx“ verbindet Künstler, Betrachter und Landschaft und ist auch mit der NYC Ferry auf dem East River (wenige Minuten von der Haltestelle Astoria) leicht zu erreichen, die genauso viel kostet wie eine Fahrt mit der U-Bahn. Das Projekt ist eines der besten, das Sokrates in den letzten Jahren präsentiert hat.
Christian Boltanski: Animitas
Bis zum 5. September. Noguchi Museum, 9-01 33rd Road, Long Island City; 718-204-7088; noguchi.org.
Gegenüber von Sokrates hat der in Paris geborene Konzeptkünstler Christian Boltanski in seiner Installation „Animitas“ den Garten des Noguchi Museums – einen der schönsten geschlossenen Außenräume New Yorks – mit 180 kleinen Bronzeglocken gefüllt. Der Titel bezieht sich auf die Altäre, die indigene Ureinwohner Chiles zu Ehren der Toten am Straßenrand aufgestellt haben.
Von den Glocken baumeln durchsichtige Plexiglasstreifen, die sich drehen und im Sonnenlicht glitzern. Im Inneren des Museums ist ein Video mit dem Titel „Animitas, La Forêt des Murmures“ (2016) zu sehen, das eine dauerhafte Version dieser Arbeit auf der Insel Teshima in einem japanischen Binnenmeer dokumentiert. Boltanski wurde in den 80er Jahren für seine verschwommenen und eindringlichen Fotografien von Menschen, insbesondere Kindern, die im Holocaust starben, berühmt. (Seine ukrainischen Eltern waren Überlebende des Holocaust.)
„Animitas“ hat eine ähnlich elegische Qualität. Ursprünglich in Chile installiert, ehrte es auf subtile Weise die „Verschwundenen“ unter dem Pinochet-Regime. Der Regisseur von Noguchi, Brett Littman, hat betont, dass Isamu Noguchis eigene Arbeit mit anderen Künstlern ins Gespräch gebracht wird – so wie es Noguchi zu seinen Lebzeiten getan hat. Dieses Projekt macht das wunderbar. „Animitas“ ist auch ein perfekter Kontrapunkt zu Maravillas dramatischerer Installation auf der anderen Straßenseite.
Mary Mattingly: Öffentlicher WaterThrough
7. September: Prospect Park in der Nähe des Grand Army Plaza, Brooklyn. moreart.org.
Direkt hinter dem Eingang des Grand Army Plaza zum Prospect Park befindet sich eine klare geodätische Struktur, die von Drahtgeflecht umgeben und mit Pflanzen, Röhren und Kanistern gefüllt ist. Mary Mattinglys „Public Water“ (2020-2021) nimmt deutlich Anleihen bei den futuristischen modernen Designs von Buckminster Fuller – dem Vater der geodätischen Kuppel – und wendet diese auf zeitgenössische Umweltthemen, insbesondere Wasser, an. Die aktuelle Struktur beherbergt Pflanzen unserer Region und simuliert im winzigen Maßstab, was in den Einzugsgebieten von Croton, Catskill und Delaware passiert, wo das Trinkwasser von New York City stammt.
Pflanzen und Schwerkraft machen hier die Arbeit und ahmen die Reinigungssysteme nach, die unser Wasser trinkbar und nahrhaft machen. Mattingly ist kaum neu, wenn es um Menschen und ihre Lebensräume geht. In diesem Winter und Frühjahr veranstaltete die Brooklyn Public Library eine Ausstellung von Mattingly und dem Künstler Dario Robleto, die sich mit der „bewohnbaren Zukunft auf der Erde“ beschäftigte. In ähnlicher Weise war Mattinglys „The Waterpod Project“ (2009) ein Schiff, das um den New Yorker Hafen segelte und eine Art schonendes Überlebensmodul mit einer geodätischen Kuppel als zentralem Element aufstellte. Ein Teil dessen, was Mattingly in das Öko-Kunst-Gespräch einbringt, sind gut aussehende Objekte, die Sie dazu bringen, an der Rettung des Planeten teilzunehmen, im Gegensatz zu all den verführerischen Objekten, die ihn zerstören.
Sanford Biggers’ riesiges „Oracle“ (2021) hält den prominenten Eingang zum Rockefeller Center an der Fifth Avenue wie ein feierlicher Wachposten fest und ist zugleich beängstigend und heiter. Die 7 Meter hohe Bronzearbeit ist Teil von Biggers’ Serie „Chimera“, die sich mit unterschiedlichen historischen, künstlerischen Darstellungen von Körper, Mythen und Macht auseinandersetzt. Die Skulptur orientiert sich eindeutig an der Ästhetik afrikanischer Masken und großer afroamerikanischer Bildhauer wie Augusta Savage, aber „Oracle“ verbindet auch afrikanische und europäische bildhauerische Traditionen. Die Figur hat schlaffe, herabhängende Augenlider und hält eine Fackel, wie die Freiheitsstatue. Gleich um die Ecke befinden sich weitere Arbeiten dieser campusweiten Installation von Biggers, darunter eine Reihe von blauen Flaggen mit dem Titel „Seigaiha“ (2021), die die Elemente Wind und Wasser darstellen. („Seigaiha“ ist ein traditionelles Wellenmotiv, das erstmals im 6. Jahrhundert in der japanischen Kunst auftauchte.) Dies ist eine eher leichte Geste im Vergleich zu „Oracle“ – das sogar mit einer Spotify-Playlist geliefert wird. Zu den Tracks mit dem Titel „WeAreTheOracle“ gehören Sabu Martinez’ optimistisches afrokubanisches Jazzstück „The Oracle“ und „The Message“ der britischen Funkband Cymande aus den 70ern. Nach fast fünfeinhalb Stunden können Sie Orakelkräfte erleben, noch lange nachdem Sie Biggers’ monumentale Skulptur gesehen haben.
Rashid Johnson: Rote Bühne
Bis 4. Juli Astor Place, Manhattan; creativetime.org.
Rashid Johnson macht monumentale Skulpturen, wie sie gerade in „Grief and Grievance“ im New Museum erschienen sind und aus einer offenen Regalstruktur bestanden, die mit lebenden Pflanzen, Büchern, Gemälden und Objekten gefüllt war, die die afroamerikanische Kultur feierten. „Red Stage“ am Astor Place ist eine Skulptur mit einem anderen Ansatz: Sie fordert die Teilnehmer auf, die Bühne zu betreten. „Das bedeutet Sie – der Künstler, Aktivist, Hetzer, Performer, Lehrer, Schüler, Träumer, Nachbar und Zuschauer!“ liest die Aufforderung von Creative Time, die das Projekt in Auftrag gegeben hat.
Zu den geplanten Teilnehmern gehörten bisher Jason Moran, der Jazzpianist, sowie Studenten der Brooklyn School of Music und Landanerkennungszeremonien zu Ehren der indigenen Völker, die diese Region Jahrhunderte vor dem Kolonialismus bewohnten. Eine Jubiläumsfeier der Emanzipation versklavter Schwarzer im Juni hatte eine besondere Aufstellung, und das Wochenende vom 4. Juli verspricht dasselbe. Dann betritt der jüdisch-radikale Performer Morgan Bassichis die Bühne und teilt sie mit palästinensischen Aktivisten, Arbeitern der Rassenjustiz und anderen, die die Freiheit und den modernen Nationalstaat neu denken wollen. Es ist eine große Aufgabe – aber angemessen für einen Tag zum Gedenken an die Unterzeichnung der Unabhängigkeitserklärung und zur Ermutigung aller, andere Formen der Freiheit zu unterstützen.