Auch wenn Peter Bogdanovich, der am Donnerstag im Alter von zweiundachtzig Jahren starb, als Regisseur noch nie ein einziges Filmbild gezeigt hätte, er wäre einer der geschichtsträchtigen Helden der Filmwelt. Bogdanovich, geboren 1939, wuchs in Manhattan als frühreifer Cinephiler auf. 1961, im absurd jungen Alter von 21 Jahren, organisierte er im Museum of Modern Art die allererste amerikanische Retrospektive der Filme von Orson Welles und verfasste eine Monographie über die Arbeit des Regisseurs. Dasselbe tat er im selben Museum im folgenden Jahr mit den Filmen von Howard Hawks und 1963 mit Alfred Hitchcock. Diese Vorführungen, zusammen mit der Symbolik des Eintritts in die Reihen des Museums von drei der größten Filmemacher, die auch Hollywood-Regisseure waren – und die zu dieser Zeit noch arbeiteten – waren so etwas wie eine Zeitlupen-Coming-out-Party für die Vorstellung von Hollywood als Brutstätte der Regiekunst.
Es ist schwer vorstellbar, wie eigenartig diese Idee damals schien, wie umstritten sie war, als die meisten prominenten Kritiker hartnäckig zwischen Kunstfilmen aus Europa (oder unabhängig davon in den USA) und kommerziellen Filmen aus Hollywood unterschieden haben . Die Vorstellung, dass Hollywood eine Handvoll Filmkünstler ersten Ranges beherbergte, die allen Regisseuren ebenbürtig waren, hatte sich in Frankreich ein Jahrzehnt zuvor durchgesetzt und beeinflusste eine junge Generation von Filmemachern – die französische Neue Welle – deren Arbeit damals begann hier aufzutauchen. In den frühen sechziger Jahren gaben Bogdanovichs kuratorische und kritische Bemühungen praktischen Impulsen für Ideen, die auch von einigen anderen weitsichtigen amerikanischen Kritikern, hauptsächlich Andrew Sarris und Eugene Archer, geäußert wurden. Bogdanovich ermöglichte es den Menschen in New York, aus erster Hand zu sehen, worüber sie sprachen, und die kritische Masse dieser neu anerkannten Klassiker inspirierte eine neue Generation junger amerikanischer Filmemacher, sich der Kunst auf eine neue Art und Weise zu nähern – mit einer selbstbewussten Aufmerksamkeit zur Geschichte des Kinos und Hollywoods. Unter ihnen waren die Drehbuchautoren Robert Benton und David Newman, die 1963 an einem Drehbuch arbeiteten. Benton sagte mir 2004: „Bogdanovich war dabei, seine Monographie über Hitchcock zu schreiben; Also rief er uns an und sagte: 3 PN, ‘Seil’; Wir sahen uns den Film an und gingen dann zurück und arbeiteten am Drehbuch.“ Der Film, den sie schrieben, war „Bonnie and Clyde“.
Bogdanovich war mehr als ein frühreifer Programmierer. Er war ein frühreifer Künstler, dessen frühe Theatertätigkeit (mit sechzehn Schauspielstudium bei Stella Adler, mit zwanzig Jahren Regie bei einer Off-Broadway-Produktion von Clifford Odets „The Big Knife“) seine filmische Berufung vorwegnahm. Er begann eine journalistische Karriere, die über Filme und Filmemacher schrieb, und 1964 gingen er und seine erste Frau Polly Platt nach Hollywood, um besseren Zugang zu seinen Helden der Branche zu haben. Schon bald wurde er vom Low-Budget-Produzenten Roger Corman angeworben, um zunächst Drehbücher zu schreiben, dann Regie zu führen. Sein zweiter dramatischer Spielfilm „The Last Picture Show“ aus dem Jahr 1971 katapultierte ihn an die Spitze der Branche – er wurde von der Kritik gefeiert, war ein großer kommerzieller Erfolg und erhielt acht Oscar-Nominierungen (u. a. für den besten Film und die beste Regie .). , das Drehbuch und die Kinematografie sowie je zwei für Nebendarsteller und Schauspielerinnen) und gewann zwei (für die Aufführungen von Cloris Leachman und Ben Johnson). Aber das Beste sollte noch kommen.
Bogdanovichs Regiekunst erreichte seinen Höhepunkt in einem Trio noch stilisierterer Filme. Die erste von ihnen, die Komödie „What’s Up, Doc?“ von 1972 mit Barbra Streisand und Ryan O’Neal, spiegelte Bogdanovichs cinephile Leidenschaft in ihrer fantasievollen Variation von Hawks’ „Bringing Up Baby“ wider, verstärkt durch mächtige Versatzstücke von komödiantische Katastrophe im Stile von Buster Keaton. Die beiden anderen sind Filme von sui-generis Originalität, in denen Bogdanovichs lebenslanges selbstverwaltetes Studium des filmischen Klassizismus zwei Epochenwerke einer kühnen, beispielhaften Moderne und eines exquisiten Stilbewusstseins hervorbrachte. Zuerst kam „Daisy Miller“, eine Adaption der Novelle von Henry James mit Cybill Shepherd in der Hauptrolle, in der kühne und filigrane choreografische Figuren für Schauspieler und Kamera gleichermaßen die komplexe Subjektivität von James’ Schreiben widerspiegeln und in der die Performances von Shepherd, Barry Brown , Leachman, Mildred Natwick und Eileen Brennan verkörpern mit ihrer erhabenen Diktion und präzisen Gesten die seltene Komödie der Manieren, die in James tragischer Leidenschaft lauert. Dann, in einem der kühnsten und akribischsten Hollywood-Filme der Zeit, „At Long Last Love“, einem Musical-Set aus den dreißiger Jahren, das seine romantische Geschichte durch nahezu wandlose Liederaufführungen erzählt von Cole Porter mit dem Quartett Shepherd, Madeline Kahn, Duilio Del Prete und Burt Reynolds realisierte Bogdanovich eine Verschmelzung von Hollywood-Klassikern und Arthouse-Stilen, die auch Windbeutelkonfekt und rauen Humor mit einem Hauch bitterer Melancholie verleiht.
Vor Michael Ciminos „Heaven’s Gate“, vor Elaine Mays „Ishtar“ gab es den Skandal um „At Long Last Love“, den die Kritiker der damaligen Zeit himmelstürmte und Bogdanovich versteinert und gefiedert zurückließen. Es war nicht nur so, dass dieser Film mit großem Budget und großen Stars eines namhaften Regisseurs von Kritikern wegen seiner Kühnheit und seiner großen Ambitionen angegriffen wurde; Bogdanovich wurde auch wegen der gewagten, eigenwilligen Originalität seiner Kunst angegriffen. Mehr noch, er wurde verspottet – wie Cimino ein paar Jahre später für „Heaven’s Gate“ und wie Elaine May ein Jahrzehnt später für „Ishtar“ – dafür, dass er das Studio-Filmemachen zu einer persönlichen Vision machte, um zu arbeiten in einem Mainstream-Studio mit Mainstream-Schauspielern, um seinen Film außerhalb der kreativen Normen des Mainstreams zu bewegen.
Obwohl Bogdanovichs Karriere weiterging und er sowohl einige künstlerische Erfolge (“They All Laughed”, “The Cat’s Meow”) als auch einige kommerzielle Erfolge (“Mask”) hatte, erreichte er nie wieder den Höhepunkt des individualistischen Stils oder der umfassenden Originalität dieser Neunzehn -Siebziger-Trio. (Tad Friend’s 2002 Profil von Bogdanovich in Der New Yorker beschreibt die schmerzhafte, tragische Geschichte von Bogdanovichs jahrzehntelangen persönlichen und beruflichen Schwierigkeiten, die Mitte der siebziger Jahre begann.) in seiner Jugend. Sein erster Film aus dem Jahr 1967 ist ein Dokumentarfilm über Hawks, bei dem er Co-Regie war, und kurz darauf drehte er einen über John Ford; sein letzter aus dem Jahr 2018 ist ein Dokumentarfilm über Buster Keaton. Er setzte seine journalistische Tätigkeit fort und stellte seine Interviews aus den sechziger und siebziger Jahren mit Regisseuren aus der klassischen Hollywood-Zeit in einem lehrreichen Buch von 1997 „Who the Devil Made It“ zusammen. Er hat ein ganzes Buch mit Interviews mit Ford gemacht, ein weiteres mit Fritz Lang und ein drittes mit Allan Dwan (einem der am wenigsten bekannten der größten Hollywood-Regisseure), das ist einer der die anregendsten Bücher von filmbezogenen Interviews, die ich gelesen habe. Bogdanovichs ausführliches Interview mit Hitchcock aus dem Jahr 1963 ist ein aufschlussreicheres Dokument als François Truffauts berühmtes Buch mit Interviews mit ihm aus derselben Zeit.
Bogdanovichs umfassendste und tiefgreifendste Erweiterung des cinephilen Erbes reicht noch weiter in seinen eigenen Hintergrund zurück und verbindet sich mit seiner ursprünglichen Ausbildung und Arbeit als Schauspieler. Bogdanovich hat die Geschichte selbst erzählt: 1968, sieben Jahre nach der MOMA Retrospektive meldete sich Orson Welles dankbar und schlug Bogdanovich vor, mit ihm eine Reihe von Interviews in Buchlänge zu führen, wie sie Bogdanovich gerade mit Ford gemacht hatte. Das daraus resultierende Buch „This Is Orson Welles“ (das 1992, sieben Jahre nach Welles’ Tod, einen verschlungenen Weg zur Veröffentlichung nahm) ist ein Klassiker der Filmliteratur.
Doch dieses monumentale Buch ist nicht die Summe oder gar der Höhepunkt von Bogdanovichs Zusammenarbeit mit Welles. 1970 begann Welles mit der Arbeit an einem neuen Film, den er teilweise selbst finanzierte, mit dem Titel “The Other Side of the Wind”, und als die Produktion fortschritt und sich weiterentwickelte, besetzte er Bogdanovich in einer Hauptrolle, der eines gefeierten junger Regisseur mit einer hingebungsvollen, aber ironischen Beziehung zu einem alternden Regisseur (gespielt von John Huston). Im Laufe ihrer Freundschaft versuchte Bogdanovich, Welles wieder nach Hollywood zu holen und Filmfinanzierungen zu bekommen, allerdings ohne Erfolg. Nach Welles’ Tod blieb “The Other Side of the Wind” unvollendet, und die Rechte an dem Filmmaterial waren umstritten. (Alex Ross schrieb in Der New Yorker über die Launen seiner endgültigen Fertigstellung.) Als die geschäftliche Seite im Jahr 2017 endgültig ausgearbeitet wurde, holten die Produzenten Bogdanovich als Teil des Teams, das den Film fertigstellte. Es wurde 2018 auf Filmfestivals uraufgeführt und auf Netflix, das seine Fertigstellung finanzierte, und in den Kinos veröffentlicht.