Bei der Vorbereitung des Wandtextes für eine Museumsausstellung über New York City befragte die Kuratorin Wendy Nalani E. Ikemoto eine ungewöhnliche Figur in der Welt der zeitgenössischen amerikanischen Kunst: einen Kutschenfahrer im Central Park.
Sie ging zu Nurettin Kirbiyik und seinem Pferd an einer Stelle, an der sich die Kutschen am südlichen Ende des Parks treffen, und zeigte ihm ein Foto eines Ölgemäldes von Gifford Beal aus dem Jahr 1945, „Central Park Hack“, auf dem ein top Fahrer befehligt ein königliches weißes Pferd.
„Hallo, ich bin Kuratorin bei der New-York Historical Society“, sagte Ikemoto in ihrer Einführung. Herr Kirbiyik trug wie sein Vorgänger einen Zylinder. „Kann ich mit Ihnen über dieses Gemälde sprechen?“
Heute prangt seine Interpretation neben dem Gemälde selbst an der Wand des ältesten Museums von New York City.
„Dieses Gemälde erinnert mich an den Frühling im Central Park, wenn die Blätter am hellsten sind und die Sonne scheint“, schrieb Kirbiyik. „Es erinnert mich daran, mein Pferd Leyla zu reiten und eine gute Zeit mit meinen Kunden zu verbringen, während ich nach einem kalten Winter das warme Wetter geniesse.“
Die New-York Historical Society, in der Ikemoto arbeitet, ist eine von einer wachsenden Zahl von Institutionen im ganzen Land, die dringend Gespräche darüber führen, wie man Ausstellungen diversifizieren, ein breiteres Publikum erreichen und kulturelle Vorurteile aus ihrem Programm entfernen kann. Jetzt wenden sich viele Kuratoren Experimenten zu, die Außenstehenden die Möglichkeit geben, innerhalb von Museumswänden zu sprechen – wie zum Beispiel das Schreiben von Wandetiketten –, von denen Experten sagen, dass sie Besuchern helfen können, sich persönlicher als zuvor mit der Kunst zu verbinden. In der Ausstellung erscheint die öffentliche Interpretation auf dem Etikett direkt unter der Facheinsicht.
Das Middlebury College Museum of Art in Vermont zum Beispiel beschloss, während es seine Kunst neu aufhängte, kürzlich Studenten – einige ohne künstlerischen Hintergrund – einzuladen, bestehende Labels umzuschreiben, um ihnen die Möglichkeit zu geben, das zu bearbeiten, was sie als kulturelle Stereotypen und Vorurteile in kuratorisches Schreiben. Studierende, Dozenten und Mitarbeiter des Colleges sind auch eingeladen, zusätzliche Labels für ausgewählte Arbeiten zu verfassen, die ihre eigene persönliche oder akademische Perspektive in den Mittelpunkt stellen; In einem solchen Label reagierten zwei Studenten aus Ghana auf eine Arbeit des ghanaischen Bildhauers El Anatsui.
Es kommt häufiger vor, dass die Gemeinde eingeladen wird, zu einer bestimmten Ausstellung beizutragen, wie beispielsweise der Ausstellung des Delaware Art Museum, die Danny Lyons Fotografien der Bürgerrechtsbewegung des Südens zeigt. Das Museum brachte schwarze Anführer – darunter darstellende Künstler und einen Treuhänder der historischen Gesellschaft – dazu, Wandtexte für die Ausstellung zu erstellen, und gewann Lob beim Label-Writing-Wettbewerb der American Alliance of Museums.
Laut den Ausgangsumfragen des Museums lasen 77 Prozent der Besucher die Etiketten „Gemeinschaftsbeitrag“, während 29 Prozent sagten, dass die Etiketten ihre Sicht auf die Fotos verändert hätten. Und Umfragen zeigten, dass die Besucher die Möglichkeit schätzen, von anderen Gemeindemitgliedern zu lernen, sagte das Museum.
„Es geht um das wachsende Verständnis, dass Kunstmuseen exklusive Orte waren“, sagte Swarupa Anila, eine leitende Angestellte des Royal Ontario Museum in Toronto, die bei diesem Wettbewerb als Juror tätig war. “Dies ist eine Praxis, um sich zu engagieren, um integrativer zu sein.”
New-York Historical nennt sein Schema „demokratisieren“ der Etikettierung. Ikemotos Ausstellung „Scenes of New York City“ umfasst Gifford Beals Arbeiten unter denen von Marc Chagall, Edward Hopper, Jacob Lawrence, Georgia O’Keeffe und Andy Warhol in einer Schatzkammer berühmter New Yorker Wahrzeichen und Landschaften, darunter die Brooklyn Bridge , Carnegie Hall, Union Square Park und das Waldorf Astoria Hotel.
Neben den großen Namen, die die Ausstellung bevölkern, die letzten Monat vollständig eröffnet wurde, werden die Besucher viele unbekannte sehen – Dutzende von New Yorkern, die von Ikemoto, dem Kurator für amerikanische Kunst, eingeladen wurden, um die Werke zu kommentieren, die von den 1790er bis 2009. Wandetiketten beinhalten Gedanken und Eindrücke von Schriftstellern, Historikern, Arbeitern, Sport- und Kulturbegeisterten, Künstlern und solchen mit Bezug zum abgebildeten Ort. Die Kunst stammt aus einer großen Sammlung, die Elie Hirschfeld, der Immobilienentwickler und Sohn von Abe Hirschfeld, und seine Frau Sarah Hirschfeld, Ärztin und Forscherin, dem Museum versprochen haben.
„Dies war eine Möglichkeit, die Öffentlichkeit einzuladen, um sie nicht nur zu passiven Empfängern dessen zu machen, was an der Wand steht, sondern zu tatsächlichen Teilnehmern“, sagte Ikemoto.
Sie bat einen Rektor der St. Patrick’s Cathedral, ein Aquarell des im Bau befindlichen Gebäudes zu kommentieren; ein Schlepperkapitän, um eine Kreidezeichnung des New Yorker Hafens zu besprechen; eine Schülerin, die ihre Gedanken zu einer Darstellung der Stuyvesant High School teilt; und ein Baggerleiter, um über ein Gemälde von Baggerarbeiten im East River zu sprechen (er bemerkte sofort, dass John Henry Twachtmans Darstellung der Baggerarbeiten im 19.
Diskussionen darüber, was Museumslabels sagen sollten – und ob es sie überhaupt geben sollte – werden in Institutionen seit Jahrzehnten geführt. Die Wörter werden der einzige Kontext sein, den viele Besucher für die Kunst haben, die sie sehen, und viele Kuratoren sind der Meinung, dass die Anzahl der Wörter streng begrenzt werden sollte, um die visuelle Kraft der Kunst zu bewahren.
In einer Zeit intensiver Selbstbefragung von Institutionen zu Fragen von Rasse und Gleichheit sagen Kuratoren, dass ein kurzes Museumslabel einige der existenziellen Fragen herauskristallisieren kann, denen sich Institutionen derzeit stellen: Wer ist in der Lage, maßgeblich über dieses Werk zu schreiben? Für wen ist dieses Etikett geschrieben? Und wie geben wir diese Plattform an Leute weiter, die sie noch nicht hatten?
Ulysses Grant Dietz, Chefkurator am Newark Museum of Art, als er 2017 nach fast vier Jahrzehnten dort zurücktrat, sagte, einige Experten auf seinem Gebiet hätten sich lange geweigert, das Abschreiben von Etiketten an die Öffentlichkeit weiterzugeben, weil sie befürchteten, es würde die Macht der kuratorischen Autorität verwässern. Diese Angst scheint ein wenig nachgelassen zu haben, sagte er, da die Museumswelt die Notwendigkeit, sich von einem Ansatz abzuwenden, bei dem die Perspektive der Kuratoren als das A und O präsentiert wird, besser versteht.
“Wir sind jetzt sehr vorsichtig, wenn die Geschichte nur als Tatsache präsentiert wird”, sagte Dietz. “Wir sind uns sehr bewusst, dass die Geschichte von den Verantwortlichen geschrieben wird, und die Öffentlichkeit ist sehr misstrauisch.”
Ikemoto, der ein Teil der hawaiianischen Ureinwohner ist, sagte, es sei nicht ungewöhnlich, dass Museen indigene Menschen einladen, sich zu indigener Kunst zu äußern. In ihrer Ausstellung sagte Ikemoto, sie wolle, dass indigene Menschen die euro-amerikanische Kunst kommentieren und eine Perspektive einbringen, die neben solchen Werken selten berücksichtigt wird. (Das Metropolitan Museum of Art tat etwas Ähnliches, als es viele Etiketten im amerikanischen Flügel mit Kommentaren von indigenen Künstlern, Gelehrten und Führern – von denen einige keinen Kunsthintergrund haben – angepasst oder erweitert hat, um Voreingenommenheit zu beseitigen.)
In ihrem Museum fügte Ikemoto unter einem Reginald Marsh-Gemälde „Construction, Steel Workers“, das den Bau eines Wolkenkratzers zeigt, ein von Steven Thomas geschriebenes Etikett bei, der Mohawk Akwesasne und ein ehemaliger Stahlarbeiter ist, eine Anspielung auf die Mohawk-Eisenarbeiter, die half beim Aufbau der Stadt. Er schreibt mit der sensorischen Autorität von jemandem, der in einer ähnlichen Szene anwesend war, und bemerkt, wie „man den Wind durch das Stahlskelett des Gebäudes pfeifen hört“.
Es ist eine signifikante Abkehr von einem traditionellen Stil von Wandtexten, der darauf abzielt, kuratorische Objektivität zu projizieren. Manchmal nehmen die Stimmen von außen eine viel stärkere Position ein als ein Kurator und verleihen dem Kunstwerk eine Spannung, die für manche Besucher möglicherweise nicht existiert hätte.
Carlos Nadals Gemälde „Columbus Circle, New York City“ enthält die hoch aufragende Marmorstatue von Christoph Kolumbus, einer Figur, die aufgrund seines Erbes als europäischer Kolonisator, dessen Reisen zur Dezimierung führten, im ganzen Land aus ähnlichen Ehrenpositionen entfernt wurde der amerikanischen indigenen Bevölkerung.
Neben dem Gemälde beschreibt Willow Lawson, eine Schriftstellerin, ihre Erfahrung, als sie an der Statue vorbeiging, als jemand, der Ojibwe und Dakota ist, und macht eine starke Aussage über die schmerzhafte Geschichte hinter dem Denkmal.
„Wenn ich an der Columbus-Statue vorbeigehe, erinnere ich mich gerne an die Ureinwohner Manhattans – die indigenen Männer und Frauen, deren Fußstapfen für den diagonalen Weg des Broadways durch den Columbus Circle und über die Insel verantwortlich sind“, sagte sie. Sie fügte hinzu: “Ich würde gerne sehen, dass die Statue entfernt wird.”