„The Clamor of Ornament“, eine schillernde neue Ausstellung im Drawing Center, versammelt fast 200 Zeichnungen, Radierungen, Fotografien, Tuniken und Webarbeiten, um eine komplizierte Geschichte über kulturellen Austausch und Aneignung zu erzählen, die sich über fünf Jahrhunderte erstreckt.
Die Kuratoren definieren Ornament als „Verzierung, Oberfläche oder Struktur, die aus ihrem Kontext gehoben, überarbeitet, reproduziert und neu eingesetzt werden kann“. Diese weit offene Beschreibung gibt ihnen Raum für fast alles, und das tun sie: Es gibt Albrecht Dürer-Holzschnitte aus dem frühen 16 der Illustrator Tom Hovey zeichnete für eine Malbuchversion von „The Great British Bake Off“.
Ein ausgeklügeltes Ausstellungsdesign lässt Sie sich vorstellen, wie diese Schnörkel und Rüschen wie schwerelos um die Welt springen. Einer der Dürers, ein Spitzenrondell, das von Leonardo da Vincis Zeichnung eines osmanischen Designs inspiriert wurde, hängt neben einem Poster von Bob Dylan aus dem Jahr 1968 mit einem ähnlichen Kreis auf der Stirn; anderswo, in einer Reihe von Aquarellen und Holzschnitten aus dem 19. Jahrhundert, prallen Textilmuster zwischen Indien, Europa und Japan hin und her.
An Dylans Stirn und den anderen Kreisen, mit denen der Designer Martin Sharp die Haare des Musikers darstellte, ist natürlich nichts auszusetzen. Aber im 19. Jahrhundert, als solche Muster in Westeuropa der letzte Schrei waren, wurden sie mit rassistischen Vorstellungen vom „Orient“ in Verbindung gebracht – eine Fantasie, die konstruiert wurde, um genau die Menschen zu romantisieren, die diese Europäer eroberten und beraubten.
Sie können die Romantik in Joseph-Philibert Girault de Prangeys betörender silberner Daguerreotypie einer ägyptischen Moschee oder in einer Zeichnung, die dem persischen Hofarchitekten Mirza Akbar zugeschrieben wird, von der Art einer komplizierten Fliesenarbeit sehen die den englischen Architekten Owen Jones dazu inspirierte, eine buchlange Studie über künstlerische und architektonische Ornamentik zu schreiben. (Jones‘ Buch „The Grammar of Ornament“, veröffentlicht 1856, war die Inspiration für den Ausstellungstitel.)
Auch „Clamor of Ornament“ zeugt von der Rücksichtslosigkeit der Industrialisierung und des Kolonialismus – zumindest in der Kunst. Da ist die Zeichnung „das Rote Fort, Delhi, eingerichtet nach englischem Geschmack“; die stilisierte Kashmiri-Mango, die von Textilfabriken in der schottischen Stadt Paisley abgerissen wurde; die amerikanische Flagge, die in einem Navajo-Gewebe enthalten war, das hergestellt wurde, nachdem die Navajo auf ein Reservat beschränkt worden waren, wo sie Wolle importieren mussten. (In ihrem gelehrten Katalogaufsatz zitiert Emily King, eine Co-Kuratorin der Ausstellung, den Wirtschaftshistoriker Kazuo Kobayashi mit den Worten, dass in Indien hergestellte Baumwolle „das wichtigste Handelsgeschäft im Austausch gegen afrikanische Sklaven war“.)
Sie sehen auch Menschen, die Aneignung einsetzen, um sich gegen Unterdrückung und kulturelle Auslöschung zu wehren. Aber keiner dieser Austausche ist einfach. Der Harlemer Designer Dapper Dan, der hier auf mehreren Fotos zu sehen ist, leistete Pionierarbeit für eine neue Vision des schwarzen Stils, der Firmen- und Modelogos entlehnte – eine Innovation, die später selbst von genau diesen Unternehmen übernommen wurde. Die Künstlerin Wendy Red Star kommentiert historische Fotos von Crow-Diplomaten und gibt Federn und Haarschleifen wieder eine Bedeutung, die von zeitgenössischen weißen Amerikanern herabgesetzt und missverstanden wurde. Aber diese Bedeutung geht mit einer eigenen Gewalt einher. Eine Haarschleife, schreibt sie, steht für „die physische Überwindung eines Feindes und das Aufschlitzen seiner Kehle“.
Am Ende bringt die Ausstellung weniger ein Argument vor, als vielmehr eine ganze Reihe davon – ein konzeptionelles Geschrei, das die ohnehin schon überwältigende visuelle Erfahrung vertieft und verstärkt. Einerseits brauchen wir angesichts der immer hitziger werdenden und immer nuancierter werdenden Auseinandersetzungen um kulturelle Aneignung dringend Mahnungen wie diese, wie schwierig es immer noch ist, die Realitäten zu entwirren. Auf der anderen Seite habe ich mich als Besucher der Ausstellung letztendlich auf eine eigene Dekontextualisierung eingelassen, indem ich die schicken, aber informativen Wandetiketten, die von Studio Frith entworfen wurden, ausblendete und mich stattdessen auf die reinen Sinnesfreuden einer Klimaanlage konzentrierte Galerie gefüllt mit einer außergewöhnlichen Sammlung von schönen Objekten.
Einige Menschen fühlen sich vielleicht von den kräftigen Farben von Emma Pettways Gee’s Bend Quilt (2021), Toyohara Kunichikas Holzschnittserie „Flowers of Edo: Five Young Men“ von 1864 oder der temporären Wand angezogen, die mit einem französischen Muster aus dem 18. Jahrhundert namens „Reveillon Arabesque“ bedeckt ist 810.“ Aber ich fand mich zu den einfacheren, monochromen Gewissheiten von John Maedas trippigen typografischen Postern hingezogen; eines zickzackförmigen „Tapa Cloth Fragment“ aus Ozeanien; oder eines Exemplars eines Scrimshaw aus dem 19. Jahrhundert. Der kaum 15 cm lange gravierte Knochen zeigt einen dicht schraffierten Wal, der von verzweifelten Seeleuten umgeben ist, die ihren Walfänger zerstören. Es war berauschend, daran zu denken, dass die ganze kleine Szene voller Dramatik und Pathos nur ein weiterer Fleck frei schwebender Ornamente sein könnte.
Der Lärm der Verzierung: Austausch, Macht und Freude vom fünfzehnten Jahrhundert bis zur Gegenwart
Bis zum 18. September im Drawing Center, 35 Wooster Street, Manhattan; (212) 219-2166, DrawingCenter.org.