Am 3. April 2001 erschienen Alanis Morissette und Don Henley vor dem Kongress, um die Musikindustrie zu retten. Henley, der Schlagzeuger und Leadsänger der Eagles, trug einen Nadelstreifenanzug. Morissette, die Grammy-preisgekrönte Sängerin von „You Oughta Know“, trug ein rotes Oberteil und einen lila Ring. Ebenfalls anwesend war Hilary Rosen, Präsidentin und CEO der Recording Industry Association of America (RIAA); Shawn Fanning, der Mitbegründer von Napster; Ken Berry, Präsident und CEO von EMI Recorded Music; und Dianne Feinstein, die damals 67-jährige Senatorin aus Kalifornien. Der Justizausschuss des Senats hatte die Anhörung einberufen, weil man davon ausging, dass der Online-Filesharing die Lebensfähigkeit der gesamten Musikindustrie und die Zukunft der Kunst in Amerika gefährdete. Als einzige Musiker, die aussagten, hätten Morissette und Henley sich vielleicht dafür entschieden, den Chor ihrer Kollegen aus der Plattenindustrie zu wiederholen, die Piraterie zu beklagen und die Bemühungen der RIAA zu loben, sie zu stoppen. Stattdessen sagte Morissette, als sie sich vor die Mikrofone setzte, Folgendes: „Für die Mehrheit der Künstler hat sich die sogenannte Piraterie möglicherweise tatsächlich zu ihren Gunsten ausgewirkt.“ Ein Vorhang aus dunklem Haar bedeckte fast die Hälfte ihres Gesichts. „Der Grund, warum ich heute hier bin, besteht darin, Ihnen mitzuteilen, dass unsere Interessen nicht immer dieselben sind, obwohl diese Vermittler behaupten, die Urheber zu vertreten, und obwohl es sicherlich zeitweise eine gewisse Übereinstimmung der Ziele gegeben hat.“
Henley war noch weniger zweideutig. „Die Plattenindustrie hat am Rande herumgespielt, während die digitale Revolution ohne sie weiterging“, sagte er. Der Multimillionär und Songwriter begrüßte die Pläne von Napster, einen kostenpflichtigen Musikdienst zu schaffen; und obwohl er für umfassendere Vorschriften für Internetunternehmen plädierte, nutzte er seine Zeit vor dem Kongress, um die „heimliche Manipulation“ der Plattenindustrie bei Themen wie „Arbeit gegen Lohn“ anzuprangern, bei der sich Labels als Standardeigentümer der Aufnahmen von Künstlern betrachten – a Kampf, den amerikanische Musiker noch heute führen.
Diesen Sommer – zweiundzwanzig Jahre nach dieser Anhörung im Senat, einundzwanzig Jahre, nachdem Napster in den Bankrott gedrängt wurde, und zwanzig Jahre, nachdem die RIAA ein zwölfjähriges Mädchen verklagt hatte, weil es Lieder von Mariah Carey und Paula Abdul – Künstlern und ihren Künstlern – geteilt hatte „Vermittler“ versuchen erneut, die richtigen Bedingungen für den Umgang mit einer neuen Technologie, diesmal künstlicher Intelligenz, auszuarbeiten. Für die Branche sieht es ganz anders aus: Die Musikumsätze in den USA sind um 85 Prozent eingebrochen und wurden größtenteils durch Streaming-Dienste wie Spotify ersetzt – ein 29-Milliarden-Dollar-Unternehmen, an dem die großen Labels beteiligt sind, das aber lässt den meisten Künstlern Peanuts für die Auszahlung übrig. Es wird geschätzt, dass ein Act mehr als zehn Millionen Mal gespielt werden muss, damit er mit Spotify 50.000 Dollar verdienen kann.
Mittlerweile erinnert das Tempo der KI-Forschung an die Arbeit der Rhabarberbauern in West Yorkshire, deren Stiele so schnell wachsen, dass sie das Geräusch hören können, wie sie sich ausdehnen. Tools mit Namen wie So-Vits-SVC, mit denen KI-Faksimiles der Stimmen von Drake, Eminem und Jay-Z erstellt wurden, stellen eine Branche, die sich kaum davon erholt hat, vor neue Herausforderungen COVID-Ära Konzertbeschränkungen. Musikkünstler haben angesichts des Tempos, des Einflusses und des Wohlstands von Big Tech eine verständliche Bereitschaft gezeigt, sich hinter Big Media zu stellen. Angesichts der sehr realen Befürchtung, dass generative Werkzeuge die ohnehin schon prekäre wirtschaftliche Lage des Künstlerlebens weiter untergraben oder dauerhaft lähmen werden, warum nicht zulassen, dass weltweit tätige Labels, Studios und Verlage in ihrem Namen eintreten?
Die Antwort liegt in den Streikposten, die von WGA-Streikenden gehisst werden, und in dem Stöhnen, das jedes Mal entfesselt wird, wenn ein Musiker seinen Scheck über die Streaming-Lizenzgebühren erhält. Wachen Sie eine Woche lang auf und sehen Sie, dass die Universal Music Group Apple und Spotify gebeten hat, KI-Unternehmen daran zu hindern, die Musik ihrer Künstler zu löschen; Wenn jemand anderes aufwacht, stellt er fest, dass dasselbe Unternehmen Pläne für eine Zusammenarbeit mit einem KI-Musik-Startup namens Endel angekündigt hat. Nicht nur die wirtschaftlichen Interessen der Künstler weichen von denen der großen Labels und Konzerne ab, sondern oft auch ihre kreativen Interessen. Wie die Druckmaschine, die Fotografie und das Internet stellt die generative KI ein komplexes Werkzeugset dar, das Künstler selbst in den kommenden Jahren und Jahrzehnten nutzen werden. Wir sollten uns nicht nur um unseren persönlichen Geldbeutel kümmern, sondern auch um den Stand unserer Technik – und der aktuelle Moment erfordert von Träumern, Spielern und Schreibern, ungewöhnlich nachdenklich, taktisch und klug zu sein.
Es ist leicht, sich überfordert zu fühlen. Es gibt eine talmudische Fülle an rechtlichen Fragen, die durch generative KI aufgeworfen werden. Sollten Künstler entschädigt werden, wenn ihre Arbeit zum Trainieren eines neuronalen Netzwerks verwendet wird? Was ist, wenn diese neuronalen Netze neue Werke hervorbringen? Wer verdient was und in welchem Kontext? Wenn GPT-5 auf die Inhalte aller Bibliotheken der Welt trainiert wird, wer wird dann bezahlt, wenn ich es darum bitte, eine Detektivgeschichte „im Stil von ‚Mrs. Dalloway‘“? Ist es nur Virginia Woolf? Was ist mit Agatha Christie und Raymond Carver? Was ist, wenn ich versuche, die Detektivgeschichte zu verkaufen – wer wird dann bezahlt? Wem schreibe ich Gutschrift? Und kann die Geschichte überhaupt urheberrechtlich geschützt sein – oder schlummert sie, wie das gestrandete Selfie eines Makaken, in einer legalistischen Unterwelt?
Während Experten dieses Gewirr entschlüsseln, gibt es eine warnende Geschichte aus der Ära von „Kevin – Allein zu Haus“ und dem ersten Golfkrieg, als Künstler versuchten, eine ganz andere generative Technologie zu unterdrücken: das Sampling. Bis 1991 die Vertreter des Sängers Gilbert O’Sullivan wegen Biz Markies Song „Alone Again“ verklagten, war Sampling wohl der fruchtbarste Raum in der amerikanischen Kultur. Acts wie Public Enemy und De La Soul hatten Hip-Hop-Meisterwerke veröffentlicht, indem sie einige, aber nicht unbedingt alle Samples auf Platten wie „Fear of a Black Planet“ und „3 Feet High and Rising“ lizenzierten. Avantgardisten wie Negativland und die Residents nutzten die „Fair Use“-Doktrin des Urheberrechts, um einige der bekanntesten Musikstücke der Welt in Originalkompositionen zu verwandeln. Das O’Sullivan-Urteil hat das alles geändert. „Du sollst nicht stehlen“, schrieb Richter Kevin Thomas Duffy in seiner Stellungnahme und stellte eine klare Verpflichtung für Beatmaker dar, Lizenzen mit Künstlern und Musikverlegern auszuhandeln. Während die Beastie Boys zwei Jahre zuvor Berichten zufolge 250.000 Dollar für die Lizenzierung der Samples bei „Paul’s Boutique“ ausgegeben hatten, berechneten Forscher in der Zeit nach O’Sullivan, dass dieselben Lizenzen etwa 19,8 Millionen Dollar kosten würden.
Es gab viele Nutznießer des O’Sullivan-Urteils, aber nicht unbedingt so viele, wie Sie vielleicht denken. Sicher, Tracy Chapman hat eine halbe Million Dollar von Nicki Minaj erhalten. Ja, Mick Jagger und Keith Richards haben mit „Bitter Sweet Symphony“ von Verve noch einmal ein Vermögen verdient – schon einmal aufgeben ihre Songwriting-Credits, als wäre ihnen der Preis peinlich. Samples sind so teuer geworden, dass es sich nur Superstars leisten können, irgendetwas Erkennbares zu lizenzieren, und die meisten kleineren Künstler verzichten überhaupt auf deren Verwendung. Viele der aufregendsten Sample-basierten Musiker der Welt, wie Burial und Against All Logic, scheinen darauf zu vertrauen, dass sie von den Urheberrechtsinhabern unbemerkt bleiben. Andere, wie der verstorbene, großartige J Dilla, verlassen sich auf Handschlagabkommen, deren Gültigkeit nicht garantiert ist.
Das Nettoergebnis ist nicht dass mehr Musiker bezahlt werden. Es ist so, dass eine viel, viel kleinere Liste von Musikern immer höhere Beträge erhält. Wenn es für einen Künstler keine Möglichkeit gibt, eine Platte wie „Paul’s Boutique“ zu lizenzieren, werden Platten wie „Paul’s Boutique“ nicht mehr produziert. Vergleichen Sie dies mit den Regeln für Coversongs: Jeder kann einen Coversong von jemand anderem aufnehmen, ohne um Erlaubnis zu bitten, und zahlt dafür eine angemessene, feste Lizenzgebühr, die vom Federal Copyright Royalty Board festgelegt wird (normalerweise 9,1 Cent pro verkauftem Titel). Whitney Houston singt Dolly Parton. Johnny Cash singt Nine Inch Nails. Songwriter verdienen nicht viel Geld pro Transaktion, aber die niedrigen und vorhersehbaren Kosten bedeuten, dass es viel, viel mehr Transaktionen gibt – mehr Einnahmen für die Urheber und auch mehr Musikgenuss.
Dies ist wichtig, da Künstler darüber nachdenken, wofür sie im Streit um generative KI kämpfen sollen. Die von Unternehmen wie OpenAI und Stability AI verwendeten Trainingsdaten enthalten urheberrechtlich geschütztes Material. Diese Unternehmen behaupten, dass dies eine faire Nutzung darstelle. Doch im vergangenen November reichte eine Gruppe von Programmierern eine potenziell richtungsweisende Klage wegen Urheberrechtsverletzung ein; im Januar folgte eine Gruppe bildender Künstler. Getty Images verklagte im Februar. Wie der Fernsehautor David Slack twitterte: „Wenn Sie mein Auto stehlen und es dann zerlegen und mit Teilen von Millionen anderer Autos, die Sie gestohlen haben, zusammenbauen, um ein ‚neues‘, ‚originales‘ Auto zu bauen, wissen Sie dann was? Du hast trotzdem mein verdammtes Auto gestohlen.“
Slack hat Recht, denn wir sollten nicht zulassen, dass Autodiebe unsere Autos stehlen und wieder zusammenbauen. Aber Lieder oder Romane oder „Simpsons“-Screenshots sind keine Autos, und es gibt einen wesentlichen Unterschied zwischen dem Schreiben von „Yellowjackets“-Fanfiction, dem Herumalbern mit ChatGPT und dem Aufbocken des Dodge Caravan meines Nachbarn. Im April ging ein Musiker namens Ghostwriter977 mit einem Originalsong namens „Heart on My Sleeve“ viral. Ghostwriter977 hat den Track selbst geschrieben – die Melodie und die Texte geschrieben, die Musik arrangiert und sogar den Gesang übernommen. Allerdings nutzten sie eine KI-Audiosoftware, um ihre Stimme zu verändern und nicht nur die Tonhöhe oder den Hall, sondern die gesamte Gestalt ihres Raps zu modulieren. Entscheidend war, dass Ghostwriter977 Software verwendete wie jemand ganz Besonderes klingenoder eigentlich zwei verschiedene Personen: zuerst der kanadische Rapper Drake und später im Lied der ebenfalls kanadische Popstar The Weeknd.
Drake und The Weeknd sind beide bereits vor Nachahmern geschützt: Ihre sogenannten Publizitätsrechte verhindern, dass jemand anderes Musik unter ihrem Namen verkauft. Es gibt sogar eine Rechtsprechung, die eklatante Nachahmungen der Gesangsstimme eines bestimmten Künstlers verbietet. Welche neuen Präzedenzfälle brauchen wir daher?