Mit seiner säuerlich verspielten Satire „Triangle of Sadness“ schießt der schwedische Regisseur Ruben Östlund Fische in ein Fass und zeigt sie mit Abenteurerstolz. Er nimmt es mit den leichten Zielen der ahnungslosen Reichen und ihrer glamourösen Entourage auf und liefert eine Handvoll Kaffeetisch-Einblicke und Möchtegern-Schandtaten, die auf den Millimeter genau kalkuliert erscheinen. Es ist ein Film von gezielter Demagogie, der seine leichtfertige politische Haltung den Vorurteilen des Arthouse-Publikums entgegenstellt; Weit davon entfernt, diese Ideen zu vertiefen oder diese Annahmen in Frage zu stellen, schmeichelt es dem gleichgesinnten Publikum, während es mit der Anmaßung des Filmemachers von freidenkender, subversiver Kühnheit prahlt. Natürlich gewann „Triangle of Sadness“ (das am Freitag in den Kinos anläuft) bei den diesjährigen Filmfestspielen von Cannes die Goldene Palme, den höchsten Preis.
Die Protagonisten sind zwei Models, Carl (Harris Dickinson) und Yaya (Charlbi Dean). Ihre Beziehung ist geprägt von Streitigkeiten um Geld, was die lässige Prekarität ihres Berufs widerspiegelt. Carl wird bei einem Vorsprechen vorgestellt, bei dem ein Dutzend oder mehr männliche Models ohne Hemd herumstehen, während sie von einem Wrangler vorbereitet werden, der sie auf Befehl posieren und emote lässt; Die Modelle wechseln zwischen den fröhlichen Ausdrücken, die Massenmarktkleidung verkaufen, und den mürrischen Ausdrucksformen der High-End-Designermode. Carls Vorsprechen ist eine Qual der Oberflächlichkeit und der genauen Prüfung. (Der Titel des Films bezieht sich auf die Falten zwischen seinen Augenbrauen, und man hört Botox von seinen potenziellen Arbeitgebern flüstern.) Bei einer Modenschau, bei der er Zuschauer ist, wird sein freier Platz in der Hackordnung der Szene durch eine Runway-Show-Kerfuffle betont über Sitzgelegenheiten. In solchen Momenten zeigt sich Östlunds sicherste Art: In seiner besten Form ist er ein Filmemacher mit feinen Details – zarten Indizien ergreifender Demütigungen, die die Charaktere grausamen Wahrheiten über sich selbst aussetzen – die er in Szenen und Bildern von sauberer Präzision umsetzt. (Die Szene, die sich um Sitzgelegenheiten dreht, mit einer langen, langsamen Kamerafahrt, hätte Teil eines Stummfilms sein können.)
Aber Östlunds stärkster Anzug und seine stärkste Neigung stehen im Widerspruch zueinander; Seine scharfen Beobachtungen fließen in seine Bemühungen um Gesellschaftskritik und politische Philosophie ein. Als Yaya und Carl darum streiten, den Scheck in einem schicken Restaurant abzuholen, entladen sich die ausgedehnten Verfahren in zwei schnell gelieferten Zeilen: Carl sagt, dass sie viel mehr Geld verdient als er; Yaya antwortet, dass ihre Karriere wahrscheinlich kürzer sein wird, besonders wenn sie schwanger wird. Der Film ist sardonisch über das Modeln, aber es gibt nichts Satirisches in seiner Sicht auf das Geschäft oder den selbstbewussten Platz des Paares darin. Der Film versucht, seine Reichweite mit Yayas Nebenjob als Social-Media-Influencerin zu erweitern, was dem Paar eine Kabine auf einer Yachtkreuzfahrt für eine Handvoll unbeschwerter Reicher verschafft, aber diese Handlung, die den Film übernimmt, veranlasst Östlund, seine Figurengruppe in einen soziologischen Querschnitt gebrauchter Typen zu verwandeln.
Das Wahrzeichen der Kreuzfahrt ist das Team von mit Sturmwaffen bewaffneten Wachen, die auffällig auf dem Deck postiert sind. Die Mannschaften der Arbeiter unter Deck sind fast alle nicht weiß – die Reinigungsmannschaft besteht hauptsächlich aus südostasiatischen Frauen und die Arbeiter im Maschinenraum hauptsächlich aus schwarzen und braunen Männern. Als die Kreuzfahrt losgeht, trifft sich das Servicepersonal, etwa ein Dutzend junge Weiße in knackigen Uniformen mit weißen Hemden, unter dem Kommando der fröhlich martialischen Paula (Vicki Berlin), die sie ermahnt, zu sagen: „Ja, Sir, “ und „Ja, Ma’am“, mit herzlichem Enthusiasmus und niemals nein zu sagen – selbst wenn ein Gast nach einer illegalen Substanz oder einem „Einhorn“ verlangt. (Leider fügt diese aufwändige Szene einer ähnlichen Szene mit Mitarbeitern eines Sommerhotels in Busby Berkeleys „Gold Diggers of 1935“ wenig hinzu – komplett mit ihren rassenbasierten Unterscheidungen.)
„Triangle of Sadness“ macht sich nicht nur über Yayas Arbeit als Influencerin lustig; es macht Carl und Yaya zu frivolen Möchtegerns, die sogar noch bereiter für eine Vernichtung sind als die Reichen, mit denen sie verkehren, weil sie die gleichen Privilegien genießen, ohne ihre Seelen, sondern nur ihre Bilder zu verkaufen. Zu den hohlen Simulakren von Menschen, die sie auf diesem Narrenschiff umgeben, gehören Dimitry (Zlatko Burić), ein russischer Oligarch, der damit prahlt, „Scheiße“, dh Dünger, zu verkaufen; sowie ein britischer Waffenhändler namens Winston (Oliver Ford Davies) und seine Frau Clementine (Amanda Walker), die das internationale Verbot von Landminen und seine Auswirkungen auf ihr Vermögen beklagen. Es gibt auch einen freundlosen Softwareentwickler (Henrik Dorsin) und eine hochmütige Frau (Mia Benson), die darauf besteht, dass die Segel des Schiffes gewaschen werden müssen. (Das Schiff hat keine Segel.) In einer Charakterisierung, die Östlunds krassen Sinn für Humor offenbart, gibt es einen Witz über eine Frau namens Therese (Iris Berben), die durch einen Schlaganfall behindert und aphasisch ist und nur ihren Ehemann beim Namen nennen kann und sprich den Satz „in den Wolken” (“in den Wolken”).
Protagonist der Reise ist der Kapitän der Jacht (Woody Harrelson), ein Alkoholiker, der betrunken in seiner Kabine eingesperrt bleibt und eine Aufnahme der „Internationale“ schmettert, während er linke Texte liest (er erklärt, er sei kein Kommunist, sondern ein Marxist) und Er ignorierte die Bitten seiner Crew. Das Ergebnis seiner Nachlässigkeit ist die Planung eines formellen Abendessens für alle Gäste in der Nacht eines Sturms; Das Schiff schaukelt wild in den Wellen, was zu einer tragikomischen Seekrankheitsepidemie führt, komplett mit projektilartigem Erbrechen und einem buchstäblichen Shitstorm, der aus den Toiletten des Schiffes ausbricht. Spoiler-Alarm: Es klingt nach mehr Spaß, als es aussieht. Östlund mag nicht zögern, seine Figuren unglücklich zu machen, aber er schont das Publikum (oder behält vielmehr die Kinokasse im Auge) und sorgt dafür, dass die Exkrementszenen weit von Ekel fernbleiben; ihre Grobheit bleibt theoretisch.
Eine Handvoll kleinformatiger Szenen versetzt den Zuschauern leise, aber scharfe Stöße in die Rippen, wenn es um die unbekümmerte Zurschaustellung lässiger Macht geht. Carl, der eifersüchtig auf Yayas Augenzwinkern zu einem oberkörperfreien und gutaussehenden Decksmann (Timoleon Gketsos) ist, lindert seine Verärgerung, indem er eine geringfügige Beschwerde bei Paula einreicht, nur um die strafenden Folgen mitzuerleben. Dimitrys Frau Vera (Sunnyi Melles) macht aus ihrer Sympathie für Gleichberechtigung ein Spektakel und versucht, die Rollen zu vertauschen, indem sie einem Besatzungsmitglied (Alicia Eriksson) befiehlt, ihre Pflichten aufzugeben. (Das logische Rätsel ist schnell und schneidend.) Aber Östlunds grandiose Sensibilität dominiert leider den Film, sowohl in seinem politischen Bombast (wie in einer Szene, in der der Kapitän und Dimitry wild trinken, während sie bleierne politische Witze austauschen; Dimitry verlässt sich auf die gesammelten Werke von Ronald Reagan und Margaret Thatcher) und in der Hauptdrehung, die in der Mitte stattfindet. Ich werde nicht so viel verderben, außer zu sagen, dass eine bunt zusammengewürfelte Gruppe von Passagieren und Besatzungsmitgliedern auf einer einsamen Insel gestrandet ist und in einem Zustand knapp über dem der Natur, in dem Geld nutzlos und Machtverhältnisse drastisch sind, zu nacktem Überlebenskampf gezwungen werden auf eine Weise verändert, die absolut nicht überraschend und alltäglich ist, auch wenn sie zu einem cleveren Trickende führt.
Lediglich die gute Besetzung haucht den oberflächlichen Karikaturen des Films Leben ein, auch wenn das hektische, plakative Drehbuch die Darbietungen ins Klapprige drängt und Östlunds präzise, aber steife Regie wenig Raum für Erfindungsreichtum lässt. Insbesondere Berlins autoritäre Fröhlichkeit und Dolly de Leons unerschütterliches Durchsetzungsvermögen als leidgeprüfte Mitarbeiterin hinterlassen einen erlösenden Eindruck. Als Clementine, die Ehefrau des Munitionsherstellers, liefert Walker die beste Linie des Films mit dem perfekten, fröhlichen Gesang. Vor allem die Besetzung des Films wird von Charlbi Deans Tod im August im Alter von 32 Jahren an einer Lungeninfektion überschattet. Obwohl „Triangle of Sadness“ näher an Carl haftet, ist die launenhafte, schwer fassbare Yaya der dramatische Motor des Films, der ohne Deans labile, kühl-impulsive Leistung nahezu träge wäre. Nicht zuletzt hätte der Film ihr Ruhm gesichert; Es ist nicht abzusehen, wie viele Charaktere und Filme ihren Tod vor ihrer Empfängnis ausgeschlossen haben. ♦