Die sechsteilige, sechsstündige HBO Max-Serie „The Last Movie Stars“, ein Dokumentarfilm über Paul Newman und Joanne Woodward unter der Regie von Ethan Hawke, ist ein Werk uneingeschränkter Hagiographie, ja sogar Kanonisierung. Der Ton der Verehrung geht über die beiden Protagonisten (die bis zu Newmans Tod 2008 fünfzig Jahre lang verheiratet waren) hinaus und umfasst auch die Schauspieler, mit denen sie gearbeitet haben, und die Regisseure und Autoren, die ihre Kunst gefördert haben. Doch Hawke, der selbst zu den kreativsten und neugierigsten Schauspielern der Zeit gehört, verwandelt seinen Film (der am Donnerstag fällt) in ein Fest, das das Beste aus den schwierigen Umständen seiner Produktion macht – nämlich dem COVID Pandemie.
Der Dokumentarfilm besteht aus drei Hauptelementen: Ausschnitte aus den Filmen der Schauspieler, anderes Archivmaterial (einschließlich des eigenen der Familie) und Zoom-Auftritte von Hawke und seinen Schauspielerfreunden, die im Soundtrack des Films weitaus mehr vorkommen als in den Bildern auf der Leinwand. Newman hatte geplant, eine Abhandlung zu schreiben, und einen Freund beauftragt, Interviews mit seinen Freunden, Kollegen und Familienmitgliedern aufzunehmen; Später hatte Newman Bedenken und zerstörte (buchstäblich verbrannt) die Audioaufnahmen. Aber seine Familie hatte Tausende von Seiten mit Interviewprotokollen, die sie Hawke übergaben. (Ein Buch, das auf diesen Transkripten basiert, „Paul Newman: The Extraordinary Life of an Ordinary Man“, wird im Oktober erscheinen und etwas von der Autobiographie realisieren, die Newman geplant hatte.) Mit den Transkripten in der Hand rekrutiert Hawke seine eigenen Freunde „diese Audios zum Leben erwecken“ und beschreibt den entstandenen Film als „ein Spiel mit Stimmen“. Die anderen Schauspieler werden auf Zoom-ähnlichen Lo-Fi-Bildschirmen vorgestellt, und die Begegnungen sind auffallend sozial und warmherzig; Die Schauspieler sind lässig in häuslicher Umgebung gekleidet, und einige werden von Haustieren begleitet. George Clooney spielt Newman und Laura Linney spielt Woodward.
Abgesehen von der Kunstfertigkeit von Newman und Woodward, sagt Hawke, bewunderte er sie als Menschen; Schon als Teenager betrachtete er sie als „ethische Bürger“, schätzte ihr politisches Engagement (Newmans Aktivitäten waren besonders auffällig), ihre Philanthropie und ihr Familienleben, und er „fragte sich, wie es ist, zu sein Sie.” Newman wurde 1925 in Shaker Heights, Ohio, geboren; Woodward, 1930, in Thomasville, Georgia. Nach dem Militärdienst im Zweiten Weltkrieg, dem College und einer unglücklichen Zeit im Sportartikelgeschäft der Familie ging Newman nach New York, um dort zu schauspielern. Woodward, die es sich zum Lebensziel gemacht hatte, ein Filmstar zu werden, erreichte die Stadt ungefähr zur gleichen Zeit; Die beiden lernten sich 1953 als Zweitbesetzungen bei einer Bühnenproduktion von William Inges „Picnic“ kennen und lösten fast sofort eine Romanze hinter der Bühne aus. Newman war bereits mit Jackie Witte (von Zoe Kazan geäußert) verheiratet; Sie ließen sich 1957 scheiden und Woodward und Newman heirateten im folgenden Jahr.
Sowohl Newman als auch Woodward waren sehr aktiv in Live-TV-Dramen der fünfziger Jahre. Beide gingen bei Filmstudios unter Vertrag, und Woodward sorgte für den ersten großen Wurf: Für „Die drei Gesichter der Eva“ von 1957 gewann sie einen Oscar als beste Hauptdarstellerin. Newman war auch in den späten 1950er und 1960er Jahren beliebt und gefeiert, trat in Filmen wie „Die Katze auf dem heißen Blechdach“ und „Der Hustler“ auf und erreichte in Filmen wie „Hud“, „ Cool Hand Luke“ und „Butch Cassidy and the Sundance Kid“. Das Paar hatte drei Kinder (das erste von ihnen, Nell, geboren 1959), und Woodward reduzierte ihre Arbeit: Sie übernahm die Hauptverantwortung für die Erziehung ihrer Kinder und versuchte auch, Newmans drei Kinder aus seiner ersten Ehe in die Familie zu integrieren . Newman wurde Regisseur, um Filme zu machen, die Woodward starke Rollen boten; er verfolgte seinen politischen Aktivismus in Eugene McCarthys Präsidentschaftskampagne 1968; er wurde Rennfahrer; Er gründete mit Sidney Poitier und Barbra Streisand eine unabhängige Produktionsfirma, um Filme mit geringerem Budget freier zu machen, als es die Studios erlaubten.
Newman war auch ein Alkoholiker, dessen Verhalten ihre Ehe belastete. Er war ein liebevoller, aber distanzierter Vater, und seine Beziehung zu seinem 1950 geborenen Sohn Scott war besonders angespannt. Scott missbrauchte Drogen und Alkohol und starb 1978 an einer Überdosis, ein Verlust, unter dem Newman schwer, aber, wie seine Freunde berichten, fast unsäglich zu leiden hatte. Seine Karriere setzte sich mit so gefeierten Filmen wie „Absence of Malice“ und „The Verdict“ fort; Nach acht Nominierungen als bester Hauptdarsteller gewann er schließlich diesen Oscar, weil er seine Rolle aus „Der Hustler“ in Martin Scorseses „Die Farbe des Geldes“ wiederholte. In den siebziger Jahren hatte Woodward als Schauspielerin in den Vierzigern das Gefühl, dass ihre Filmkarriere schrumpfte, und sie drehte mit großem Erfolg mehr Fernsehfilme. (Sie gewann drei Emmys aus neun Nominierungen.) In späteren Jahren widmete sich das Paar dem Theater (Woodward war der künstlerische Leiter des Westport Playhouse) und Philanthropie (Newman gründete eine Reihe von Sommercamps für todkranke Kinder und war Mitbegründer von a Produktlinie verpackter Lebensmittel zur Finanzierung wohltätiger Unternehmungen). 2007 wurde bei Woodward die Alzheimer-Krankheit diagnostiziert; Newman starb 2008 an Krebs.
Das ist im Wesentlichen die Geschichte, die Hawke im Laufe von sechs Stunden detailliert entwickelt. Die lebhaften Persönlichkeiten, die die Geschichte bevölkern, darunter Gore Vidal (Brooks Ashmanskas), Woodwards Tante Maude Brink (LaTanya R. Jackson) und Martin Ritt (Jonathan Marc Sherman), bringen pikante Details zum Vorschein; Newmans Töchter sprechen mit großer Liebe für ihre Eltern (und seine beiden Töchter aus seiner ersten Ehe bringen Liebe und Bewunderung für Woodward zum Ausdruck), sparen aber nicht an den Schmerzen des Familienlebens. Paul Schrader (der Hawke in „First Reformed“ inszenierte) macht eine faszinierende Beobachtung zu Newmans Leistung in „Hud“: Er hält sie für von immenser historischer Bedeutung, da er der Urahn aller späteren Hollywood-Antihelden ist. Hawke schafft es, die Informationsverfahren lebendig zu halten, und selbst wenn er Ausschnitte aus Newmans und Woodwards Filmen als visuelle Kulisse für biografische Diskussionen verwendet, zeigt er ein scharfes Auge für Momente, die die Kunstfertigkeit und Persönlichkeit der Schauspieler hervorheben.
„The Last Movie Stars“ ist jedoch eine Art Fehlbezeichnung; Die letzten Jahrzehnte haben Stars hervorgebracht, die sowohl Objekte öffentlicher Verehrung sind, als auch Namen, deren Engagement zuverlässig einen Film zustande bringt. Vielmehr waren Newman und Woodward (wie ihr Freund Vidal sagte) Überlebende des Studiosystems, Vertragsschauspieler, die zu einem freiberuflichen System wechselten, wo sie Projekte von Fall zu Fall in Absprache mit Agenten und Managern auswählten, nicht in Übereinstimmung mit dem Diktat des Studios Köpfe. Das Bedeutsamste und Einprägsamste an „The Last Movie Stars“ ist, wie er die Transformation der Filmindustrie selbst, den Platz der Schauspieler darin und die Art und Weise enthüllt, wie Newman und Woodward die sich ändernden Bedingungen – und sich ändernden Sitten – rund um die Karrieren ausgehandelt haben von Schauspielern. Das geheime Thema des Films ist der Status und die Rolle von Schauspielern – der Zweck von Filmstars. Es geht um Kontrolle, künstlerisch und professionell, und um Machtkämpfe im Filmgeschäft und in der Kinokunst; In dieser Hinsicht hat Hawke sowohl einen persönlichen Film als auch ein Symbol für den aktuellen Stand des Films gemacht.
Der Kampf, dem sich Schauspieler in ihrem Wunsch nach Rollen stellen müssen – um sie zu konkurrieren oder sich für eine Rolle zu entscheiden, um die Produktion eines bestimmten Films zu sichern – beinhaltet unvermeidlich Studiopolitik und Finanzierung. Newman erwies sich als brillanter Geschäftsmann, ein Manager seiner eigenen Karriere, indem er Rollen wählte, die seinen Ruf aufpolierten, während er gleichzeitig eine persönliche Marke schuf. (Auch hier betont Hawke, dass Newmans Selbstmanagement nicht im Widerspruch zu seinem künstlerischen Antrieb stand, sondern mit ihm synchron war – der Dokumentarfilm beleuchtet Übereinstimmungen zwischen den Rollen, die Newman spielte, und den realen Problemen, mit denen er konfrontiert war.)