Bevor die diesjährige, von Streiks geprägte Herbstfilmsaison begann, fragten sich einige von uns, ob Telluride von allen großen Festivals im August/September dasjenige sein könnte, das am wenigsten sichtbar von der Abwesenheit von Hollywood-Schauspielern betroffen war. Bei den Filmfestivals in Venedig und Toronto würde es natürlich zu einem deutlichen Rückgang der Leistung der Stars kommen; Ersteres verlor sogar seinen Eröffnungsfilm, Luca Guadagninos „Challengers“, als klar wurde, dass Stars wie Zendaya und Josh O’Connor nicht über den roten Teppich laufen konnten. Aber es gab Grund zu der Hoffnung, dass Telluride, die seltene unauffällige Veranstaltung, bei der Prominente normalerweise unter eine gnädigerweise Paparazzi-freie Menge passen, den Schmerz weniger stark spüren würde.
Jetzt, ein paar Tage nach Beginn des Festivals, haben sich diese Spekulationen nur zur Hälfte als wahr erwiesen. Einerseits sind hier tatsächlich einige Schauspieler anwesend, darunter Emma Stone („Poor Things“) und Julia Louis-Dreyfus („Tuesday“), die sich jedoch peinlichst zurückhalten. Andere erhielten vorläufige Vereinbarungen, um aufzutreten und ihre Arbeit zu promoten, wie Maya Hawke, Star der Biografie „Wildcat“ von Flannery O’Connor (mehr dazu gleich), und Dakota Johnson, der Star von Christy Halls Two-Souls-In -a-taxi-Talkfest, „Daddio“. Als Inbegriff eines Low-Budget-High-Konzepts zeigt diese beeindruckend nachhaltige, aber oft irritierend überschriebene Echtzeitübung einen stets selbstsicheren Johnson als straßengewandten jungen Reisenden und Sean Penn als ihren sehr geschwätzigen Taxifahrer. Wenn Sie glauben können, dass sie nach fünf Minuten im Auto bleiben würde, ohne wegzurennen, könnte Sie das lange aufgeschobene Ziel der Reise durchaus bewegen.
Ansonsten ist der Mangel an Schauspielern, die vor Kinoleinwänden und Mikrofonen stehen, sicherlich spürbar. Die Intros vor der Vorführung und die Fragen und Antworten nach der Vorführung waren kürzer, gedämpfter und konzentrierten sich fast ausschließlich auf den Regisseur. Alle drei Karriere-Hommagen des Festivals gehen an Filmemacher (Yorgos Lanthimos, Wim Wenders und Alice Rohrwacher). Hätten die Streiks nicht stattgefunden, wäre mindestens eine dieser Ehrungen wahrscheinlich einem erfahrenen Schauspieler mit einem Film in der Liste überreicht worden.
Annette Bening im Film „Nyad“.
(Liz Parkinson / Netflix)
Könnte eine dieser Schauspielerinnen Annette Bening gewesen sein, der Star des raffinierten, inspirierenden, kontroversen Biopics „Nyad“? Vielleicht ja, denn Tellurides Ehrungen dienen oft dazu, die Aussichten eines Schauspielers auf Auszeichnungen zu maximieren, und „Nyad“ über die Marathonschwimmerin Diana Nyad wird eindeutig als Benings jüngster Versuch, einen Oscar zu gewinnen, angepriesen. Ob sich dieses Angebot als erfolgreich erweisen wird, bleibt am besten den Spekulationen anderer überlassen, obwohl man mit Sicherheit sagen kann, dass der Film, den Netflix später im Herbst veröffentlichen wird, vor einem härteren Kampf steht als die meisten anderen. Das Bild von Nyad, das in den letzten Wochen entstanden ist und über das mein Times-Kollege Josh Rottenberg in einem ausführlichen Artikel berichtet, ist das einer bemerkenswerten Sportlerin, die in der Vergangenheit ihre vielen Erfolge übertrieben hat – eine selbstverherrlichende Geißel der Marathon-Schwimmgemeinschaft .
Das ist ein komplizierteres und interessanteres Porträt als das, das der Film bietet, auch wenn Bening und die Drehbuchautorin Julia Cox sich Mühe geben, Nyads nervtötende Offenheit hervorzuheben, eine Qualität, die niemand zu bestreiten scheint. Wenn man sich „Nyad“ im luftleeren Raum ansieht, würde man vermuten, dass das reale Thema so hartnäckig und schwierig ist, dass es die unschätzbar wertvollen Mitglieder ihres Support-Teams verärgert; Sie würden nicht vermuten, dass sie aktiv unehrlich sein könnte. Die Regisseure Elizabeth Chai Vasarhelyi und Jimmy Chin scheinen weit mehr Zeit damit verbracht zu haben, sich über die entmutigende physische Logistik Gedanken zu machen als über die ethischen Implikationen ihrer selektiven Porträts.
Aber hey, lass es uns mal zur Logistik hören. Die unglaublich anstrengende Erfahrung, die Nyad immer wieder durchmachen musste, als sie mehrere Versuche unternahm, eine 110-Meilen-Schwimmstrecke von Kuba nach Florida zu absolvieren, ist so unangenehm, wie man es sich nur wünschen kann, und manchmal sogar noch mehr. Vasarhelyi und Chin, zuvor bei Telluride mit den Dokumentarfilmen „Free Solo“ und „The Rescue“, haben eindeutig eine Begabung dafür, Extremsportarten nach Spannung und Aufregung zu streben. Und strategisch oder nicht, sie haben dafür gesorgt, dass das Herzstück des Films nicht Benings Auftritt als Nyad ist, so stark und wild er auch ist, sondern vielmehr Jodie Fosters wunderschöne Nebenrolle als Bonnie Stoll, die langjährige beste Freundin und treueste Verbündete der Schwimmerin . Es ist ihre heldenhafte Ausdauer, an die man nach diesem Film denkt.
Colman Domingo als Bayard Rustin im Film „Rustin“.
(Parrish Lewis / Netflix)
Mit „Rustin“, einem geradlinigen, aber mitreißenden Porträt des unterbewerteten Bürgerrechtlers Bayard Rustin (ein kraftvoller Colman Domingo), dürfte es Netflix leichter fallen, Kritiker und Wähler zu umwerben. Unter der Regie von George C. Wolfe („Ma Rainey’s Black Bottom“) konzentriert sich der Film auf die angespannten Vorbereitungen zum Marsch auf Washington am 28. August 1963, einem Meilenstein, der oft in Bildern von Hunderttausenden versammelten schwarzen Bürgern festgehalten wird vor dem Lincoln Memorial, wo Mahalia Jackson sang und Rev. Martin Luther King Jr. seine Rede „I Have a Dream“ hielt. Die Leistung des Films besteht darin, uns daran zu erinnern, dass Meilensteine immer das Ergebnis harter, oft undankbarer Arbeit sind, denen Konflikte vorausgehen und die von Kompromissen geprägt sind.
Das Drehbuch von Justin Breece und Dustin Lance Black (die für „Milk“, ein weiteres Porträt von Aktivismus in Aktion, einen Oscar gewannen) dramatisiert einen komplexen Wirbel aus Agenden und Allianzen, ideologischen Rissen und unbändigen Egos. Im Mittelpunkt dieses intersektionalen Eintopfs steht Rustin, ein schwuler Schwarzer mit Quäkerglauben, dessen Beharrlichkeit, Charisma und lebenslange Hingabe an den Pazifismus ihn zu einer der wichtigsten Figuren der Bürgerrechtsbewegung machen, auch wenn ihn das offene Geheimnis seiner Sexualität zu einer Belastung machte in den Augen vieler seiner Führungskollegen, darunter auch King selbst. (King wird von Aml Ameen gespielt; zum Ensemble gehören Johnny Ramsey, Glynn Turman, Chris Rock, Jeffrey Wright, Gus Halper, Audra McDonald und CCH Pounder.)
Wolfes Film ist vor allem deshalb fesselnd, weil er sich auf die Planung vor Ort konzentriert und auf die außergewöhnliche Bereitstellung von Ressourcen, die nötig waren, um den Marsch auf Washington in die Tat umzusetzen. Es ist bedauerlich, dass der eigentliche Marsch selbst, der mit einer wackeligen Mischung aus neuem und archiviertem Filmmaterial dramatisiert wird, in einem Film, der zwangsläufig den Mann über die Bewegung in den Vordergrund stellt, so verkürzt wirkt. Domingo reicht von gerechtfertigten, vernichtenden Verleumdungsreden bis hin zu schmerzvollen persönlichen Abrechnungen; Es ist eine mitreißende Darbietung, wenn auch eine, die durch die größtenteils vorhersehbaren Takte der Erzählung etwas beeinträchtigt wird. Entscheidend ist jedoch, dass Sie an seinen Rustin glauben, der Vorstandssitzungen spaltet und Koalitionen aufbaut, mit der beeindruckenden Gabe, Demonstranten zum Handeln zu bewegen.
Preisgekrönte Prestige-Biopics sind ausnahmslos Teil der Mischung bei Telluride, das mehr als seinen Anteil an Oscar-Gewinnern hervorgebracht hat, die sich als Prominente ausgeben. Hier erhaschte das Publikum seinen ersten Blick auf Renée Zellweger als Judy Garland in „Judy“ und Gary Oldman als Winston Churchill in „Darkest Hour“. Wenn man bedenkt, wie automatisch biografische Darbietungen zu Goldpreisen werden, war es erfrischend, „Wildcat“ kennenzulernen, ein nachdenkliches, prismatisches Drama über das Leben und Schreiben von Flannery O’Connor, das mit wenig Vorlauf in Telluride ankam. Unter der Regie von Ethan Hawke (der das Drehbuch zusammen mit Shelby Gaines geschrieben hat) ist der Film besonders wenig daran interessiert, einen literarischen Giganten des Südens in leicht lesbaren, schmackhaften und Clip-Reel-tauglichen Worten wiederzugeben. Eines der schärfsten Themen des Films ist, dass Schmackhaftigkeit ihre künstlerischen Grenzen hat.
Eine großartige Maya Hawke spielt die junge Mary Flannery O’Connor während ihrer prägenden Jahre als Schriftstellerin – eine schwierige Zeit, die durch ihre Beziehung zu ihrer Mutter (Laura Linney) erschwert wird, die die Faszination ihrer Tochter für das Bissige und Groteske nicht ertragen kann der Ausbruch des Lupus, der schließlich im Alter von 39 Jahren das Leben der Autorin fordern wird. Entscheidend ist jedoch, dass „Wildcat“ sich vor allem für O’Connors Werk selbst interessiert und seine biografische Erzählung mit Dramatisierungen ihrer Kurzgeschichten, darunter „Parker’s Back“, aufpeppt „, „Offenbarung“ und „Alles, was aufsteigt, muss zusammenlaufen.“
„Wildcat“ verwebt diese Geschichten mit einer Verspieltheit, die die düstere Stimmung merklich aufhellt (in einer cleveren Meta-Wendung spielen Maya Hawke und Linney eine Reihe von O’Connors Charakteren), und verbringt einige Zeit damit, die heikle Beziehung seines Themas zu enthüllen Religion: ihr Glaube an Gott, aber auch ihre Ablehnung der leichten Gnade. Der Film rückt auch den Rassismus in den Vordergrund, den sie in ihrem alltäglichen Leben in Georgia beobachtet und gegen den sie sich wehrt, und zwar in Szenen, die die jüngste Debatte über Rassismus in O’Connors Werk indirekt thematisieren (oder, je nach Sichtweise, umgehen).
In seinem Telluride-Intro beschrieb Ethan Hawke sich selbst stolz als „Nepo-Vater“ und bemerkte, dass seine Tochter Maya ihn mit der Regie und dem Co-Autor des Films beauftragt hatte. Aber „Wildcat“, der als nächstes auf dem Toronto International Film Festival gezeigt wird und bei Redaktionsschluss noch auf der Suche nach einem Verleih ist, widerlegt auch die Annahme, dass jede Familienzusammenarbeit ein Eitelkeitsprojekt sei. Es ist die Ernsthaftigkeit seiner Ambitionen und die intellektuelle Stärke seiner Auseinandersetzung mit seinem Thema, die diesen unter dem Radar liegenden Beitrag zu einem Muss machen.