Taylor Swifts 1989 erinnert mich an 2014, das Jahr seiner Veröffentlichung, das heißt, es erinnert mich an Tinder. Zu diesem Zeitpunkt erfreute sich die zwei Jahre zuvor gegründete Dating-App großer Beliebtheit: Sie verzeichnete täglich eine Milliarde „Swipes“, während Singles mit dem Daumen über Bilder von Fremden wischten, urteilten und beurteilt wurden. Tinder hat den klassischen, nervösen Nervenkitzel des Dating-Erlebnisses in ein Spiel verwandelt, das Millionen von Menschen gleichzeitig spielen können. Dann veröffentlichte Swift mit unheimlichem Timing ein Album, bei dem es um Spaß und wilde Romantik ging und das den Zuhörern dabei half, sich auf die nächste mögliche Ablehnung vorzubereiten.
Der anhaltende Erfolg von Swifts fünftem Album – jetzt als Neuaufnahme erhältlich Taylors Version– lässt einen leicht vergessen, wie perfekt es zu einem bestimmten kulturellen Moment passte. Vermarktet als ihre vollständige Wende vom Country zum „offiziellen Pop“, enthielt es die synthetischen Klänge ihres titelgebenden Geburtsjahres und die bewährten melodischen Tricks der Produzenten Max Martin und Shellback. Mit 12,3 Millionen verkauften Einheiten und drei Hot-100-Nr.-1-Hits („Shake It Off“, „Blank Space“ und „Bad Blood“) bleibt es ihre beliebteste Veröffentlichung, und die neu aufgenommene Version bescherte Swift gerade den größten Streaming-Tag für jeden Künstler in der Spotify-Geschichte. Doch die unglaubliche Reichweite des Albums hat auch seinen Ruf als Kunst untergraben: Viele Kritiker denken darüber nach 1989 ebenso liebenswert, aber generisch.
Die Wahrheit ist, dass das Album in seiner Spezifität unterschätzt wird. Swifts frühere Alben näherten sich der Romantik aus einer jugendlichen Perspektive und erzählten von märchenhaften Höhen und erdrückenden Tiefen; In vielen ihrer Lieder ging es darum, zu erkennen, dass Prinz Charming sie ausgebeutet hatte. Dann kam 1989, mit einem frischen Sound und einer neuen Sichtweise, ausgerichtet auf ein umfassenderes Generationsabenteuer. Sie sang über Flirts unter Gleichen, davon, ein guter Fisch in einem wimmelnden Meer zu sein – und trug so dazu bei, Pop als Erzählmedium voranzutreiben.
Die beiden Eröffnungslieder fingen das Schwindelgefühl ein, wenn man in eine neue Stadt zieht, auf eine heiße Party geht oder etwa zur gleichen Zeit wie jede andere Single Tinder herunterlädt. Der Idealismus von „Welcome to New York“, so knirschend seine monotone Melodie auch war, bildete den komplexen, frechen Hintergrund des Songs, „Blank Space“, der einen satirischen Blick auf einen Pool potenzieller Partner warf. Der harte Backbeat und der warme Refrain dieses Songs – „So it’s gonna be Forever / Or it’s gonna go down in Flames“ – vermittelten die Entschlossenheit, trotz unvermeidlicher Enttäuschung und, insbesondere für Swift, Missbilligung etwas Neues zu erkunden. Laut den Liner Notes der 1989 In der Neuveröffentlichung wollte sich Swift den Leuten widersetzen, die sie dafür verurteilten, dass sie „wie eine normale junge Frau ausgeht“.
Natürlich küssen die meisten normalen jungen Frauen keine Kennedys und Boybander. Aber Swift wusste immer, wie sie ihr eigenes seltsames Leben mit dem Zeitgeist verbinden konnte. Dating ist an sich schon eine nervenaufreibende Angelegenheit – aber im Jahr 2014 hat es sich wirklich weiterentwickelt und alle Arten von soziologischem Fachjargon in den Mainstream integriert. Jeder war Geisterbilder (bricht ab, indem er still wird) und versucht es DTR (Definieren Sie die Beziehung). Grenzen wurden durchlässig; Der Wunsch nach Engagement konkurrierte mit den grenzenlosen ersten Dates, die einem zur Verfügung standen. Swifts Titel „New Romantics“ war wie ein Manifest, das Chaos anzunehmen: „Wir brauchen Liebe, aber alles, was wir wollen, ist Gefahr / Wir schließen uns zusammen und wechseln dann die Seiten wie ein Plattenwechsler.“
Wechseln, Wischen, Surfen in der Ungewissheit – das sind komplexe Manöver, die eingängiger Dance-Pop einfangen muss, aber Swift hatte das nötige Songwriting-Können, um das hinbekommen zu können. Das Herz von 1989 lag in adrenalingeladenen Hymnen wie „All You Had to Do Was Stay“ und „How You Get the Girl“, die sich beide mit einem Seufzer an einen unentschlossenen Ex wandten Ihr Verlust. Bei „I Wish You would“ war Swift selbst die Seitenwechslerin und sang in einem ungleichmäßigen Rhythmus über zappeligen Gitarren. Der größte emotionale Schlag des Albums kam mit „Out of the Woods“, dessen spiralförmiger Refrain es wiedergab er liebt mich, er liebt mich nicht Nervosität ist genauso kraftvoll und ernst wie der Herzschmerz selbst.
So verletzlich sie auch waren, strahlten diese Songs auch Unbesiegbarkeit aus, oder was Swift in seinen neuen Linernotes als „die richtige Art von Naivität“ beschreibt. Dieses flotte Gefühl hat das Album geprägt Pop genauso wie die Synthesizer-Beats und explosiven Refrains. Die Country-, Folk- und Rock-Traditionen, auf die sich Swift zuvor stützte, strebten nach einem Gefühl der Zeitlosigkeit, aber sie kanalisierte nun Einflüsse, die mit diesem Begriff gleichbedeutend waren Einweg. Ein besserer Begriff hätte sein können robust: Prüfsteine wie Debbie Gibsons „Only in My Dreams“ und Madonnas „Borderline“ bewegen sich an der Oberfläche des Herzschmerzes und sagen dem Zuhörer, dass Liebe – einschließlich der Liebe zum Leben selbst – stärker ist als Verlust.
Pop-Titanen der frühen 2010er Jahre wie Katy Perry und Lady Gaga verkauften ebenfalls Motivationsschüsse, wenn auch schrill und abstrakt. Als er sich ihnen anschloss, verzichtete Swift nicht auf Details, Erzählung oder Ironie. Hören Sie sich an, wie sie es selbst auf der raffinierten Single „Style“ schaffte, sich in eine Dialogszene zu schmiegen, die voller angedeuteter Hintergrundgeschichten war („Er sagt: ‚Was Sie gehört haben, ist wahr, aber ich kann nicht aufhören zu denken‘). „Über dich und mich“ / „Ich sagte: ‚Ich war auch schon ein paar Mal dort‘“), ob aus dem wirklichen Leben oder völlig fiktiv. Das Album verschmolz den Singer-Songwriter-Archetyp mit dem der herrschsüchtigen Diva und machte so ein Modell populär, das die jungen Stars von heute für selbstverständlich halten.
1989 (Taylors Version) bricht leicht den jugendlichen Bann. Die Produktion des Originalalbums hatte die helle Künstlichkeit von Candy Crush, aber Swift und ihr aktueller Studiopartner Christopher Rowe entschieden sich bei der Neuaufnahme für einen geräumigeren Live-Band-Sound. Die Snares auf „Blank Space“ klingen wie echte Instrumente und nicht wie auf einer Leinwand arrangierte Beats, was den Reiz des Songs als freche Hommage an den zeitgenössischen Hip-Hop irgendwie untergräbt. Im Original „Shake It Off“ wirkte Swift wie eine lustige Cartoon-Version ihrer selbst, aber in der neuen Version wird die Illusion durchbrochen: Swift ist nur ein Sterblicher, der bewusst abgelenkte Texte von einer hallenden Bühne singt.
Dann wieder, 1989 vermittelte immer eine Fantasie, die ein Ende haben musste. Fünf Bonustracks, die „aus dem Tresor“ entnommen wurden, zeigen die Emotionen, die Swift im Originaldokument weggelassen hat: Traurigkeit, Burnout, ein verzweifelter Hunger nach Stabilität. Alle für sich genommen sind sie solide Songs, aber sie sind auch eintönig, im mittleren Tempo und besiegt auf eine Art und Weise, wie die meisten 1989 war nicht. Bei „Say Don’t Go“ tut es schrecklich weh, geisterhaft zu werden: „Deine Stille lässt mich schreien, schreien.“ Der provokante Titel „‚Slut!‘“ täuscht über eine stille, bewegende Subversion des Originals hinweg 1989‘s Unruhe: Die Texte beschreiben nur eine weitere Affäre, aber der Sound vermittelt ein Verlangen nach bequemer, dauerhafter Hingabe.
Hat Swift beim Schreiben dieser Musik an Tinder gedacht, oder bringe ich mein eigenes Gepäck zum Nachhören mit? Hinweise deuten darauf hin, dass sie sich die Telefone ihrer normalen Freunde ausgeliehen hat: Auf dem Bonustrack „Is It Over Now?“ Sie erhascht einen flüchtigen Blick auf das „Profil“ eines Ex auf dem Gesicht eines Fremden (eine mögliche Doppeldeutigkeit?) und verweist verärgert auf „300 peinliche Blind Dates“ (hatte Taylor Swift jemals ein Blind Date?). In jedem Fall, 1989 brachte auf charmante Weise die gemeinsame Erfahrung von Dating als Marktplatz auf den Punkt. Sogar das Unwohlsein, das in der neuen Version des Albums lauert, ist nachvollziehbar: Begehrt zu sein macht Spaß, aber irgendwann hört man auf, eine Ware sein zu wollen.