„Manet/Degas“ an der Met, rezensiert: Ein intimer Triumph

Es begann, so heißt es in der Geschichte, mit einer Beleidigung, es sei denn, die Beleidigung war ein Kompliment – ​​bei ehrgeizigen jungen Künstlern weiß man nie. Édouard Manet war ungefähr dreißig, als er den Louvre besuchte und Edgar Degas traf, der nur zwei Jahre jünger war als er, aber so mürrisch wie ein Teenager. Degas hockte vor einem Velázquez-Gemälde der Infantin Margarita Teresa und versuchte, das Gesehene nachzuahmen. Manet, der geschwätzige Typ, blickte auf den Versuch seines Künstlerkollegen herab und sagte: „Wie dreist von Ihnen, ohne Vorzeichnung auf diese Weise zu radieren, ich würde es nicht wagen, dasselbe zu tun!“ Es war Anfang der 1860er Jahre, und gerade war eine zwei Jahrzehnte währende Freundschaft entstanden, die von endlosen unterschwelligen Sticheleien und ein paar regelrechten Hieben geprägt war.

„Kühn“ ist ein verrücktes Wort, aber ich meine das Beste, wenn ich sage, dass „Manet/Degas“, der weitläufige, aber intime Zweihandsong der Met, eine kühne Show ist. Für mich ist es wie ein Hauch frischer Luft, denn – das kann ich jetzt genauso gut zugeben – ich habe es oft leichter gefunden, seine Co-Stars zu respektieren als sie zu genießen. Ich weiß, dass ich mit Degas nicht allein bin: Die Strenge seiner Bilder grenzt an Hässlichkeit. (Dass sie so viele Schlafzimmer kleiner Mädchen dekoriert haben, ist eine der schärfsten Ironien der Kunstgeschichte.) Manet ist ein sanfterer Maler, der von vielen geliebt wird, aber sein Werk hat eine eigenartige Steifheit, die ich manchmal nur schwer in großen Mengen ertragen kann – das kann ich Es lässt sich nicht immer sagen, ob es vom Künstler, seinen Motiven oder von beiden kommt. Was folgt, sind die Gedanken eines reformierten Skeptikers, der immer noch nicht blind gegenüber den Schwächen dieser Künstler ist, sondern gelernt hat, sie bedingungslos zu lieben.

Das Treffen im Louvre, das fast zu perfekt klang, um wahr zu sein, war für die Pariser Verhältnisse des 19. Jahrhunderts nichts Besonderes. Diese Leute kannten sich alle, nicht nur die Künstler, sondern auch die Schriftsteller und Politiker. (Baudelaire, Mallarmé und Zola haben in dieser Show Gastauftritte, ebenso wie Antonin Proust, Manets Jugendfreund und späterer französischer Minister für bildende Künste.) Sowohl Degas als auch Manet stammten aus vornehmen Familien und tummelten sich im selben riesigen Meer an Verbindungen. Obwohl Degas vom Temperament her eher ein Einzelgänger und ein begeisterter Kritiker von Frauen und Juden war, scheint er dazu nicht in der Lage gewesen zu sein nicht jeden kennen. Als Manets Bruder die impressionistische Künstlerin Berthe Morisot heiratete, schenkte Degas ihm ein Porträt als Hochzeitsgeschenk; Manets Sohn arbeitete später für die Familie Degas. Degas malte auch Manet und zeichnete ihn mit dunkelbraunen Augenbrauen und buschigem Bart.

Anscheinend hat Manet den Gefallen nie erwidert. Die Kuratoren der Ausstellung, Stephan Wolohojian und Ashley E. Dunn, tun gut daran, dies und auch vieles andere über die Beziehung nicht zu sehr zu erklären. (Beachten Sie den fehlenden Untertitel im Namen der Show – nur Manet und Degas, vielen Dank.) Während Sie durch die Met gehen, kommen Ihnen unaufgefordert Theorien in den Sinn. Es könnte zum Beispiel sein, dass Manet Degas nie gemalt hat, weil er kein so begabter Porträtist war (ein Fünftel seines Oeuvres sind Stillleben), obwohl ich eine unausgesprochene Hierarchie der Rufe vermute. Während eines Großteils ihrer Freundschaft war Manet die größere Sache, zuerst für seinen Erfolg und dann für seinen Skandalerfolg gepriesen; Degas erfreute sich später großer Beliebtheit, doch Manet war zu diesem Zeitpunkt schon an Syphilis gestorben. In einigen Porträts an der Met spürt man, wie Degas seinen cooleren Freund mit einem mageren und hungrigen Blick anstarrt und darum bettelt, ebenfalls beäugt zu werden. Die aufschlussreichsten Stücke der Ausstellung sind jedoch zwei Köpfe, die dem Selbstporträt von Filippino Lippi nachempfunden sind. Manet steigert die Offenheit seiner Lippen und Zähne, aber nicht aus Grausamkeit; In diesem Gesicht steckt jede Menge Wärme. Die Version von Degas ist glatter, mit einem silbrigen Schimmer, der ebenso hübsch wie kühl ist. Sie waren erst in ihren Zwanzigern, aber sie wussten bereits, was für Künstler sie sein wollten.

Die Lippis sprechen einen wichtigen Punkt an, auf den „Manet/Degas“ unweigerlich zurückkommt: Große Maler sind nicht unbedingt gute Maler. Kunstliebhaber, die sich wahrscheinlich zu sehr auf den Philistertum „mein Kind könnte das“ einlassen, können diesbezüglich empfindlich sein, aber im Fall von Manet, einem ebenso großartigen wie technisch zweifelhaften Maler, kann man das nicht oft genug sagen. In vielen seiner frühen Arbeiten stoßen nah und fern aneinander – der Regenbogen in „Fishing“ (ca. 1862-63) ist so unecht wie die Kulisse für ein Mittelschultheaterstück – und seine Figuren scheinen nie wirklich zu stehen auf festem Untergrund, als hätte er sie aus dem Gemälde eines anderen herausgeschnitten. In den 1860er Jahren schnitt Manet einen großen Teil seines eigenen Gemäldes „Episode eines Stierkampfs“ aus, als Reaktion auf die Kritik, er habe die Perspektive verfälscht. Es ist die Art von Geschichte, die man in der Kunstmythologie selten findet: Avantgardisten sollen Kritikern gegenüber gleichgültig sein und Traditionen absichtlich entweihen. Im Fall von Manet, dem gefeierten Urmodernisten, der die Welt für flache, unvollendet wirkende Kunst sicher gemacht hat, ist das besonders verblüffend. Sicherlich verstand ausgerechnet er, was er getan hatte.