In M. Night Shyamalans neuem Film „Knock at the Cabin“ stellt ein Paar, das mit seiner Adoptivtochter im ländlichen Pennsylvania Urlaub macht, fest, dass es nicht allein ist. Eine Gruppe von Reisenden beobachtet sie von den Bäumen aus und greift in das Grundstück ein. Die Filme von Shyamalan sind voll von solchen ungebetenen Hausgästen. Die große Wendung in „The Sixth Sense“ (1999) – der, der seinen Regisseur zum zuverlässigsten amerikanischen Markennamen für narrative Tricks seit O. Henry machte – findet seine Wurzeln in einer Hausinvasion: Ein nackter, abgemagerter Geisteskranker taucht auf Das zerbrochene Schlafzimmerfenster von Bruce Willis. Eindringlinge – ob menschlich, monströs oder außerirdisch – spielen in „Unbreakable“, „The Village“ und „The Visit“ ähnlich beunruhigende Versatzstücke. Sogar Shyamalans auffälliges Will-Smith-Fahrzeug „After Earth“ (2013), in dem ein abstürzendes Raumschiff und futuristische Monster zu sehen sind, dreht sich emotional um eine Rückblende mit einem zerstörten Familienhaus. Der neue Film ist eine Adaption des Romans „Die Hütte am Ende der Welt“ von Paul Tremblay. Shyamalans Titel fehlt der apokalyptische Oberton, aber er hat einen zusätzlichen Hauch von spielerischer Böswilligkeit der urbanen Legende: Dieses „Klopfen“ ist das schreckliche Geräusch, wenn man den Falschen hereinlässt.
„Das sind nur meine Befürchtungen, Alter“, sagte mir Shyamalan kürzlich über Zoom. „Ich habe geheiratet, als ich zweiundzwanzig war, und ich habe drei Mädchen. Wir stehen uns alle unglaublich nahe. Meine Eltern wohnen in der Nähe; Meine Schwester wohnt in der Nähe. Wir haben die Familieneinheit super eng gehalten, im Mittelpunkt von allem. Die Angst vor „Wo ist Ihre Tochter?“, „Sie sollte zu Hause sein“ oder „Sie hat nicht angerufen“ – das ist es, was mich zum Schreiben anregt. Es arbeitet sich durch diese Ängste und verbindet sie dann mit einer Art übernatürlicher Manifestation.“ Shyamalan rief von seinem Familiensitz in Pennsylvania aus an, einem weitläufigen Anwesen, das seine Geschäftsbüros und seinen Schnittplatz beherbergt. Er saß an einem Schreibtisch vor einer Steinwand im Inneren, die mit Familienfotos und einem kleinen roten Basketball, einem Zeichen seiner bekennenden NBA-Fangemeinde, gesäumt war. In einer Ecke erinnerte mich ein schwarzer, mit seinem Namen geschmückter Regiestuhl an die Hitchcock-Kameen, die Shyamalan seit „The Sixth Sense“ in seinen Filmen gemacht hat – darunter eine im 2021 erschienenen Sleeper-Hit „Old“ als unheimlich allwissender Filmemacher.
Mit seinen zweiundfünfzig Jahren ist Shyamalan immer noch fit und leicht jungenhaft. Seine großen Augen passen zu seinem Status als Meister der Spannung, und er hat in jahrelangen Fotoshootings und Interviews gelernt, wie man sie geheimnisvoll blitzen lässt. Als farbiger Filmemacher, der vor Hollywoods Jahrtausend-Ära mit Vielfalt auftauchte, widersetzte sich Shyamalan der Definition durch Unterschiede, ohne sie herunterzuspielen. „Vielleicht, weil ich ein Einwanderer bin, weil ich immer so etwas wie das einzige indische Kind in der Schule war und all das Zeug, konnte ich mich nie richtig einfügen“, sagte er mir. 1970, im Alter von sechs Wochen, wanderte Shyamalan mit seinen Eltern, die Ärzte waren, aus Puducherry, Indien, in die Vereinigten Staaten aus. Er besuchte katholische Privatschulen, wo er teilweise als akademischer Überflieger auffiel. „Ein bisschen Außenseiter zu sein, war in Ordnung“, sagte er. „Du hast immer den Wunsch, akzeptiert zu werden, aber ich wollte sagen können: ‚Das sind die Wertesysteme, die mir am wichtigsten sind, und für die brenne ich das Haus ab.’ ”
Sprechen Sie lange genug mit Shyamalan über ein beliebiges Thema, und er wird es wahrscheinlich darauf zurückführen, wie er hofft, mit seinem Publikum in Kontakt zu treten. „Unsere Branche hat eine Reihe von Regeln“, sagte er. „Aber ich glaube – und vielleicht ist das naiv –, dass da noch ein weiteres Set darunter steckt, das das am Ende des Tages ersetzt.“ Wenn Sie sich an Ihre eigenen künstlerischen Prinzipien halten, fügte er hinzu: „Sie werden an diesem Tag vielleicht nicht gewinnen, aber Sie werden insgesamt gewinnen.“ Im Gespräch ist er souverän und doch entwaffnend transparent; er mag es, wenn seine Arbeit interpretiert wird, aber er will sie nicht auf eine Formel reduzieren. Sein offensichtlicher Stolz auf seine Filme wirkt weniger arrogant als umgänglich, und selbst seine bescheidenen Prahlereien sind von Selbstbeobachtung geprägt. „Weißt du, die Dinge laufen gut für mich und es macht mir Angst“, sagte er. „Ich wache jetzt jeden Morgen wirklich verängstigt auf, Bruder. Vielleicht sind es nur all unsere Paranoia, wenn du dankbar bist, wie ‚Oh mein Gott, es gibt einen Preis zu zahlen‘ oder so etwas, weißt du?“
Shyamalan erschien kürzlich in „The Late Show with Stephen Colbert“, um dem Moderator zu helfen, seine Sendung „Shyamalanify“ zu machen, was bedeutete, sich über die Tropen lustig zu machen, die sein öffentliches Image seit „The Sixth Sense“ definiert haben: seine Gabe für langsam brennende Angst; seine Kultivierung einer mystischen Offscreen-Persönlichkeit; seine Vorliebe für verdrehte Enden. Eine Zeit lang, in den späten Zweitausendern, war der Name M. Night Shyamalan so etwas wie eine popkulturelle Pointe, was vielleicht ein vorhersehbarer Preis für den Spielbergschen Hype war, der um sein frühes Werk entstand. Aber der Spott, den Shyamalan-Filme hervorriefen, hatte auch mit seiner besonderen Ernsthaftigkeit in einem von Ironie durchdrungenen filmischen Moment nach Tarantino zu tun. Als Drehbuchautor macht Shyamalan nicht wirklich Scherze oder Einzeiler; Nach der Veröffentlichung von „Old“ begann der Kritiker Sam Adams ein Twitter-Wirrwarr, als er scherzte, dass er es für mutig hielt, dass Shyamalan 25 Jahre lang Filme gemacht hatte, ohne zu lernen, wie man Dialoge schreibt. Es war ein billiger Schuss, der den Widersprüchen des Filmemachers dennoch etwas entgegensetzte. Shyamalans künstlerische Stimme zeichnet sich durch eine Mischung aus Eloquenz und Gestelztheit, Kühnheit und Zerbrechlichkeit aus. Ob Sie sie mögen oder nicht, Sie würden einen seiner Filme nicht mit dem eines anderen verwechseln.
Ein Teil dessen, was einige Beobachter trugen, war Shyamalans Versuch, seine eigene Medienerzählung zu kontrollieren. Im Jahr 2004 erschien er in einer Mockumentary des Syfy-Kanals mit dem Titel „The Buried Secret of M. Night Shyamalan“, einer schwerfälligen faux Hagiographie, die vorgab, sein unheimliches, möglicherweise paranormales Filmemachergenie zu untersuchen, aber in Wirklichkeit nur ein selbstherrlicher Werbegag war “Das Dorf.” Zwei Jahre später veröffentlichte Michael Bamberger „The Man Who Heard Voices“, einen Blick hinter die Kulissen von Shyamalans Entstehung von „Lady in the Water“ (2006), den Janet Maslin als „nicht nur einen Schnulzenartikel, sondern einen ganzen Film“ bezeichnete , ungewollt aufrührerisches Blätterteigbuch.“ Trotz Bambergers offensichtlicher Hingabe an Shyamalans Charisma offenbarte die Erzählung nichtsdestoweniger Gereiztheit und Unsicherheit in seinem Regieansatz – die Kehrseite seines prinzipientreuen, einnehmenden Selbstvertrauens. „Lady in the Water“ dreht sich um eine eigensinnige Nymphe namens Story (Bryce Dallas Howard), die im Pool eines Apartmentkomplexes in Philadelphia entdeckt wird und nach einem Weg zurück in ihre mythische Heimat sucht. Der Film zeigt Shyamalan in einer größeren Nebenrolle als üblich, als einen Mann, der durch Prophezeiungen erfährt, dass sein Schreiben dazu bestimmt ist, die Welt zu verändern, aber nicht bevor er zu seinem Märtyrertod führt. Überprüfung in der MalManohla Dargis, einer von vielen Kritikern, die den Film schwenkten, fragte sich, ob Shyamalan „seinen kreativen Mut verloren“ habe.
Es ist ein schmaler Grat zwischen Ernsthaftigkeit und Größenwahn, aber im Gespräch mit Shyamalan wird klar, dass „Lady in the Water“ von einem ehrlichen Ort kam. Der Film, der inzwischen so etwas wie Kultstatus genießt, schwelgt in seinen eigenen albernen Verwicklungen, und Shyamalans Instinkt, sich als Mann darzustellen, der versucht, Story zu beschützen – ein Wortspiel beabsichtigt – spiegelt seinen Glauben an die Erzählung als kostbares, zerbrechliches Gut wider. Er sagte mir: „In gewisser Weise war das mein Lieblingsfilm und der beste mich meiner Filme.“ Eines von Shyamalans bekanntesten Motiven ist die sintflutartige Taufreinigung – ein Konzept, das in seinen Höhepunkten zu finden ist, wie am Ende von „Lady“, das sich zu einer wunderschönen Aufnahme vom Boden eines Schwimmbeckens während eines Regensturms entwickelt, und „ Zeichen“, wo der außerirdische Bösewicht von einigen verschütteten Wassergläsern besiegt wird. „Ich schätze, ich bin sowohl in der katholischen als auch in der hinduistischen Religion aufgewachsen, wo Wasser so wichtig ist“, sagte Shyamalan. „Es könnte dich reinigen und ein Symbol für Wiedergeburt und Erneuerung und einen Neuanfang sein, oder es ist so mächtig, dass es dich einfach auslöschen könnte.“ Wenn er über einzelne Szenen oder Momente aus seinen Filmen sprach, klang er bewegt. Über „Lady in the Water“ sagte er: „Ich erinnere mich, dass ich die Zeile geschrieben habe, als Cleveland“ – der von Paul Giamatti gespielte Superintendent – „am Ende emotional wird, wenn er über seine Familie spricht. Er sagt: ‚Ich vermisse deine Gesichter, sie erinnern mich an Gott‘ oder so, und als ich das schrieb, verschluckte ich mich.“
Als seine Karriere in den frühen zwanziger Jahren am Tiefpunkt war, schlug Shyamalan eine generative neue Richtung ein, indem er eine Found-Footage-Horrorkomödie, „The Visit“, mit einem Budget von nur fünf Millionen Dollar selbst finanzierte. Er setzte auf seine Fähigkeit, sich an eine Form anzupassen, die seinen üblichen Big-Budget-Studioproduktionen entgegensteht, und endete mit einem genreübergreifenden Hit. „The Visit“ ist ein düster-komisches Riff auf die Klischees der Brüder Grimm und verwendet einen genialen formalen Trick eines unfähigen Teenager-Kameramanns aus der Ich-Perspektive, um dem echten Regisseur zu erlauben, knifflige, Kubricksche Kompositionen einzusetzen: Eine statische Aufnahme einer Küche wird gehalten bis es mit bedrohlicher Häuslichkeit ausstrahlt. Bei aller Bescheidenheit mag der Film Shyamalans Meisterwerk sein, der seine Besessenheit von unzuverlässigen Erzählungen und unsicheren Räumen nimmt und sie rücksichtslos gegen den Zuschauer einsetzt. „‚The Visit’ war wirklich wie ein Neustart für mich“, sagte Shyamalan. „Wenn ich ein NBA-Spieler wäre, würde ich einfach wieder Streetball spielen gehen.“
Ein Jahr später enthüllte der „Sixth-Sense“-ianische Psychothriller „Split“ (2016) – über einen Serienmörder mit mehreren Persönlichkeiten – Shyamalans beste Wendung seit Jahren: Er wurde als reiner Psycho-Horrorfilm verkauft Eigentlich eine Stealth-Fortsetzung des beliebten Films „Unbreakable“ aus dem Jahr 2000 mit Willis und Samuel L. Jackson in den Hauptrollen. Mit seinen Rahmen im Comic-Stil und dem allgegenwärtigen Gefühl von launischer, tausendjähriger Angst nahm „Unbreakable“ die Marvelisierung des amerikanischen Kinos effektiv vorweg, und „Split“ gab Shyamalan seine eigene Art von freistehendem Superhelden-Franchise. Der dritte Film der Reihe, „Glass“ (2019), dreht sich um den gebrechlichen „Unbreakable“-Mastermind, gespielt von Jackson, der jetzt als tragischer Antiheld neu besetzt wurde. Shyamalan umgeht gekonnt Blockbuster-Tropen, um eine Kombination aus Hochfahren-Schrägstrich-Kritik des Superhelden-Genres zu schaffen; Er entschied sich sogar dafür, auf große Action-Höhepunkte zu verzichten. „Ich sagte immer wieder: ‚Das ist der Marvel-Film’“, erinnert sich Shyamalan. „Wir stolpern, bevor wir zum Ende kommen.“
„Knock at the Cabin“ ist vollgestopft mit Shyamalanian-Insignien: ein beengter Ort, eine parabelartige Erzählung, kosmische Einsätze, ein überraschender Abschluss. Aus einem bestimmten Blickwinkel sieht der Film fast wie eine Selbstparodie aus, weshalb es interessant ist festzustellen, dass es sich um eine seiner seltenen Eigenschaften handelt, die aus fremdem Material entwickelt wurde. Shyamalan war ursprünglich nur als Produzent angestellt, aber nachdem die anfängliche Produktion gescheitert war, kamen die Rechteinhaber zurück und fragten ihn, ob er es selbst machen wolle. „Ich fing gerade an, die Bilder zu sehen, und es war ein bisschen so, als könnte ich mich nicht zurückhalten“, sagte Shyamalan.
Das erste Bild des Films – eine extreme Nahaufnahme einer Heuschrecke – setzt eine Reihe ominöser Kraftdynamiken in Gang. Das Insekt ist hilflos im zärtlichen Griff der achtjährigen Wen (Kristen Cui), deren Amateur-Entomologie-Expedition durch das Erscheinen einer Gestalt unterbrochen wird, die sie ihrerseits in den Schatten stellt. Es ist der massige, aber leise sprechende Leonard, ein Lehrer der zweiten Klasse, der mit großer Präsenz von einem kleinstimmigen Dave Bautista gespielt wird. Der Größenunterschied ist rührend, aber auch beängstigend: Wenn sie sich die Hand geben, sieht es aus, als würde Wens Arm aus seiner Gelenkpfanne springen. Tatsächlich täuscht Leonards sanfter Riese über eine Bedrohung hinweg, obwohl Wen und ihre Eltern – Eric (Jonathan Groff) und Andrew (Ben Aldridge) – möglicherweise nicht damit rechnen konnten. Er ist mit einer Gruppe von Gefolgsleuten zur Hütte gereist, um ein Opfer für die Menschheit zu erzwingen: Die Familie muss eines ihrer Mitglieder töten, um das Ende der Welt abzuwenden. Leonards Job ist es nicht, Schaden zuzufügen, sondern einen überzeugenden Pitch zu machen.