LaToya Ruby Frazier dokumentiert ‘The Last Cruze’ bei CAAM

Gewerkschaften haben in den Jahrzehnten nach der Großen Depression der 1930er Jahre die amerikanische Mittelschicht aufgebaut, so die allgemeine Weisheit, und ein Berg von Beweisen stützt diese Behauptung. Doch in dieser Hinsicht sieht es seit vielen Jahren düster aus.

Ein Beispiel ist das Herzstück einer scharfen und bewegenden Installation von LaToya Ruby Frazier im California African American Museum im Exposition Park. „The Last Cruze“ zeigt die verheerende Schließung eines Autowerks von General Motors im Jahr 2019 im einst soliden Mittelklassedorf Lordstown, Ohio. Frazier, der in der Nähe von Pittsburgh, weniger als 160 Kilometer südöstlich, aufgewachsen ist, berichtet über die unzähligen Auswirkungen der Schließung auf die Arbeiter, von denen die meisten mit UAW Local 1112 verbunden sind.

Der Anteil der amerikanischen Erwachsenen, die in Haushalten mit mittlerem Einkommen leben, ist laut dem Pew Research Center von 61 % im Jahr 1971 auf 51 % im Jahr der Schließung der GM-Fabrik gefallen. Die Gewerkschaftsmitgliedschaft ist auf die untere Teenagergrenze gesunken, ein steiler Rückgang, der dazu beigetragen hat, das ruinöse Wohlstandsgefälle zu schaffen, das uns heute plagt und alles von der Kriminalitätsrate bis zum Funktionieren der Demokratie selbst beeinflusst.

Bekanntermaßen maßgeblich an den Schlägen in den letzten 40 Jahren war die plötzliche Entlassung von mehr als 11.000 streikenden Arbeitern der Berufsfluglotsenorganisation durch die Reagan-Regierung im Jahr 1981. Offene Saison wurde für die organisierte Arbeiterschaft erklärt.

In ihrem großartigen kürzlich erschienenen Buch „The Sum of Us: What Racism Costs Everyone and How We Can Prosper Together“ skizziert die Analystin für soziale Gerechtigkeit, Heather McGhee, definitiv einen anderen, aber eindeutig verwandten Faktor, der sich über viele Jahre entfaltete: „Irgendwo entlang der Linie , hörten die Weißen auf, die Institutionen zu verteidigen, die wie kaum eine andere ihren Wohlstand über Generationen ermöglicht hatten.“

Gewerkschaften waren eine grundlegende Institution, in der die Unterstützung zusammenbrach. In letzter Zeit erlebten sie eine Veränderung des Schicksals, wobei Präsident Biden der gewerkschaftsfreundlichste Vorstandsvorsitzende seit Jahrzehnten und Kunstmuseen (und Zeitungen) unter denen waren, die einen gewerkschaftlichen Boomlet geschaffen haben.

McGhees überzeugende Beobachtung, die die rassistisch formulierten Ursachen für diesen größeren Zusammenbruch der allgemeinen Gewerkschaftsunterstützung untersucht, kam mir in den Sinn, als ich Fraziers aufschlussreiche dokumentarische Erzählung bei CAAM ansah. Die Installation umfasst 67 Fotografien und ein Video; das Array der Gewerkschaftsarbeiter verkörpert eine multirassische Demokratie.

Die Standbilder sind schwarz-weiß, ein Signal für die Allianz mit der ehrwürdigen Tradition der prägnanten sozialdokumentarischen Kameraführung, die Ende des 19. Jahrhunderts von Künstlern wie Jacob Riis und Lewis Hine ins Leben gerufen wurde. (Riis dokumentierte New Yorks steigende Flut von arbeitslosen und unbehausten Einwanderern und Hine die brutale Kinderarbeit, die einst in der profitablen Industrie üblich war.) Schwarzweiß steht außerhalb der üblichen kommerziellen und volkssprachlichen Geschichten, in denen Farbfotografien zur Routine geworden sind.

Das Video ist in Farbe. Einschließlich eines Kommentars zum letzten Chevy Cruze-Auto, das vom Fließband in Lordstown rollte – daher der Titel der Show – deutet es auf die zunehmende Autorität des Fernsehens im Dokumentarfilm-Genre hin.

Neben dem Fotodisplay in LaToya Ruby Fraziers Installation läuft in einem kleinen Raum ein Video.

(Elon Schönholz)

Überraschenderweise verschmelzen diese dokumentarischen Kameraerbe mit der Installationskunst. Dies sind keine gerahmten Bilder, die an einer Wand hängen. Um die Fotografien zu zeigen, die meisten von ihnen Porträts von GM-Arbeitern, deren Biografien und Arbeitsgeschichten in begleitenden gedruckten Texten dargestellt sind, baute Frazier eine architektonische Konstruktion, die sich über die gesamte Galerie erstreckt. Die Struktur verleiht der Show ein regelrechtes Rückgrat.

Die Form der einzelnen Anzeigetafeln erinnert locker an eine Autotür, die nacheinander aufgereiht ist. In einem hellen, sicherheitsbewussten Rot-Orange lackiert, ahmt die sich wiederholende Form die Maschinerie eines Fließbands nach. Abgehängte Paneele wechseln sich mit bis zum Boden reichenden Paneelen ab und ergeben eine subtil animierte visuelle Bewegung.

Obenliegende, schmucklose Leuchtstoffröhren werfen ein grelles und wenig schmeichelhaftes Licht auf die Szene. Einzelne Geschichten in den Fotografien und Texten decken die Uferpromenade ab – Geschichten über Leid, Stolz, Familie, Verzweiflung, Freundschaft, Wut, Hoffnung, Desillusionierung und mehr.

Die Galerie ist mitternachtsblau gestrichen, was dem Raum eine gedämpfte Aura verleiht. (An dem Tag, an dem ich es sah, begannen andere Zuschauer, die die Show betraten, sofort zu flüstern.) Das Ensemble verwandelt sich in eine weltliche Kirche mit dem Fließband im Kirchenschiff.

An den Wänden an beiden Enden konzentriert sich eine große Foto-Blowup auf die abgenutzten Hände einer Frau. Eine Hand zeigt Schmuckstücke, die an ihre Arbeitsgeschichte erinnern, die andere ihren goldenen GM-Ruhestandsring. Das Rückgrat einzelner Geschichten verbindet beides. An der Seitenwand dazwischen zeigt ein Luftbild Arbeiter, die Schilder halten und vor dem Fabrikgebäude im Kreis um einen Fahnenmast stehen.

Auf den Schildern steht „Drive it home“, Teil einer letzten Werbekampagne für das beliebte, erschwingliche, nicht besonders attraktive, aber bald aufgegebene Automodell. Schnee bedeckt den Boden. Es ist eine Gottesperspektive auf winterlichen Stoizismus und drohenden Verlust.

LaToya Ruby Frazier, „The Last Cruze (Detail),“, 2019, Mixed Media

(Elon Schönholz)

An einer Seite befindet sich ein kleiner Raum mit einer einzelnen Bank und dem Video, das groß an die Wand projiziert wird. Zunächst wirkte der Raum zu eng, die riesige Videoprojektion bedrückend, die Lautstärke zu laut für die Arbeiter, die ihre Geschichten von der Fabrikschließung erzählen. Dieses Gefühl verflüchtigte sich jedoch schnell, als der Kontext die Erfahrung veränderte.

Der kleine Raum wurde zu einer Art privatem Beichtstuhl, angrenzend an die „Kirche“, wo Menschen auf einem Bildschirm die komplexen Realitäten ihrer Situation für Menschen entlasten, die sie nicht sehen können.

Das Videoformat ist ähnlich wie bei den Standfotos: Die Standbilder hängen an hängenden Displaywänden, die nur einen schmalen Raum lassen, um nur ein oder zwei Betrachter gleichzeitig aufzunehmen. Sie sind physisch nah und persönlich. Beim Durchlaufen des Line-Ups müssen die Besucher auf andere Zuschauer achten und sich an Bewegungen anpassen, die gleichzeitig gemeinschaftlich und individuell sind.

Die Ausstellung wurde von der Renaissance Society an der University of Chicago in Auftrag gegeben und ihre CAAM-Präsentation wird in Zusammenarbeit mit der USC School of Architecture und der Roski School of Art and Design durchgeführt. Es kommt mit einem kräftigen Buch, das die Ereignisse von Lordstown sehr detailliert aufzeichnet, hauptsächlich in den Worten der Menschen auf den Bildern.

Das Bemerkenswerte an Fraziers Installation ist das Gefühl von Intimität, das sie mit Bedacht erzeugt – eine Intimität, die für ein einfühlsames Verständnis der Verlegenheit dieser Arbeiter unerlässlich ist. Zwischen Betrachter und Betrachter entsteht ein gewisses Gleichgewicht.

Das ist bei der sozial einschneidenden Dokumentarfotografie nicht immer der Fall, die seit langem mit einem unerwarteten Rätsel zu kämpfen hat. Das Betrachten von Fotos kann eher der passive Endpunkt der Erfahrung sein als ein Ansporn zum Handeln. Fraziers fantasievolle Verschmelzung von dokumentarischer Kameraarbeit mit Installationskunst hat eine wirkungsvolle Formensprache gefunden, um die Machtverhältnisse zu verschieben.