Jerry Mitchell war ein 32-jähriger Broadway-Hoofer, der jeden Abend für Aufsehen sorgte, indem er fast nackt in „The Will Rogers Follies“ tanzte, als er eine Idee hatte: Seinen nackten Hintern für einen guten Zweck zu schütteln.
Es war 1992, kurz vor dem Höhepunkt der AIDS-Krise. Mitchell rekrutierte sieben fitte Mittänzer aus anderen Broadway-Shows, und an einem regnerischen Sonntagabend im Splash, einem inzwischen geschlossenen Schwulenclub in Chelsea, zogen sie sich abwechselnd an der Bar aus, um Geld für Broadway Cares/Equity Fights AIDS zu sammeln. Zwei Shows und ein Tablett mit Tequila Shots später hatten die Stripper-Anfänger 8.000 Dollar gesammelt – und das burleske Spektakel Broadway Bares war geboren.
„Es gab Leute, die verwirrt waren, warum wir eine Stripshow dazu benutzten, Geld für AIDS zu sammeln“, sagte Mitchell, der jetzt ein mit dem Tony Award ausgezeichneter Regisseur und Choreograf ist, in einem Telefoninterview. „Es kam aus einem Ort der Unschuld“, sagte er, und des Mangels: Er hatte nicht das Geld, um an großen AIDS-Wohltätigkeitsveranstaltungen teilzunehmen, „aber ich hatte den Antrieb und den Wunsch, meiner Gemeinde zu helfen.“
Broadway Bares wurde ein Hit, wuchs einem Etablissement nach dem anderen davon und wurde immer ausgefeilter, bis „wir nicht nur eine Wohltat waren“, sagte Mitchell. „Wir waren eine Broadway-Show.“ Am Sonntag feiert diese Show ihr 30-jähriges Bestehen im Hammerstein Ballroom in Midtown Manhattan mit Vorstellungen um 21:30 Uhr und Mitternacht.
Die Zusammenstellung der Veranstaltung – an der mehr als 500 freiwillige Theaterkünstler beteiligt sind, darunter Darsteller, Designer und Bühnenmanager, von denen viele in aktuellen Broadway-Shows beschäftigt sind – ist ein komplexes und hektisches Spiel der Logistik, gekrönt von einem letzten Probensprint, bei dem das gesamte, Eine One-Night-Only-Produktion kommt innerhalb weniger Tage zusammen.
Bei einer dieser Proben in dieser Woche in einem Studio in der Nähe des Times Square drehten sich fast 30 Tänzer, traten und taten so, als würden sie sich die Hosen vom Leib reißen. Laya Barak, die Regisseurin der diesjährigen Show und eine Schöpferin der Eröffnungsnummer, erinnerte alle daran, „scharf zu bleiben“ und „von der Schulter zu greifen“. Wichtiger war jedoch die Choreografie der Kleidung. „Was auch immer Ihr Abziehbild ist, das muss mit Ihnen reisen“, sagte sie einer Gruppe, was bedeutete, dass sie ihre weggeworfenen Schichten wegkarren mussten. Andere Gegenstände sollten an andere Tänzer weitergegeben oder von der Bühne geworfen werden.
„Trägst du einen Jock oder einen G-String?“ Sie bat einen Tänzer um seine Kleidung für die Show, die viel entblößt, aber vor frontaler Nacktheit zurückbleibt. Er war sich nicht sicher; Kostüme wurden noch gebaut und würden nicht vor Samstag fertig sein.
Das bedeutete, dass Collin Heyward, der Haupttänzer in einem anderen Stück, und seine Castmates erst am Tag vor der Eröffnung üben konnten, seine Kleider auszuziehen. Bei der Probe griff Heyward, der im Februar sein Broadway-Debüt in „Der König der Löwen“ gab, die Hip-Hop-Choreographie selbstbewusst an, gab jedoch zu, besorgt über das Strippen zu sein. „Es muss nahtlos sein“, sagte er. “Das ist ein zusätzlicher Druck.”
Mit etwa einem Dutzend Tanzroutinen, jede mit ihrem eigenen Choreografen, ist Broadway Bares eine hochkarätige Plattform für aufstrebende Tanzschaffende. Die Routinen verwenden eine Vielzahl von Stilen, darunter Hip-Hop, lateinamerikanische Tänze, Ballett und Luftkunst, die oft zu neuen Kombinationen zusammengefügt werden. Aber Burlesque bleibt der Kern des künstlerischen Ethos und der Haltung.
„Bei Burlesque geht es nicht nur darum, nackt zu sein“, sagte Mitchell. „Es geht darum, lustig zu sein. Der Humor ist das Herz.“
Trotzdem wird das Endspiel nackt. Und das hat seine Komplikationen.
Die „Bleistreifen“, wie die vorgestellten Tänzer genannt werden, können bis zu fünf Schichten haben, die entfernt werden müssen. Der erste ist einfach, wie ein Hut oder Mantel. „Dann wird es ein bisschen knifflig“, sagte Nick Kenkel, der seit fast 20 Jahren an der Show beteiligt ist und jetzt ausführender Produzent ist. Ein T-Shirt könnte weggerissen werden (vorbereitet mit einem kleinen Schnitt, um das Reißen zu erleichtern), gefolgt von einer Tänzerhose, aber „Sie müssen es so machen, dass die engen Boxershorts darunter nicht abspringen“, sagte er .
Sich um solch zerbrechliche Kostüme zu kümmern und ihr präzises Ablegen zu perfektionieren, ist eine neue Fähigkeit für Tänzer, die es eher gewohnt sind, sich auf Zählungen als auf das Ablegen von Kleidung zu konzentrieren. „Wenn Sie nicht stark genug ziehen, kann das den Streifen ruinieren“, sagte Jonathan Lee, stellvertretender Regisseur und einer der Choreografen von Broadway Bares.
Hier kommen die Kostümdesigner mit ihren Tricks und Werkzeugen ins Spiel, um Kleidung zu konstruieren, die „bequem zum Tanzen ist, aber nicht im falschen Moment kaputt geht“, sagte die Designerin Sarah Marie Dixey. Quick-Rig-Kostüme verwenden eine Vielzahl von Befestigungselementen, jedes mit Vor- und Nachteilen. Dixey bezeichnete sich selbst als „Anti-Velcro-Person“ und fügte hinzu: „Ich mag Druckknöpfe und Magnete sehr. Sie verheddern sich in nichts.“ Aus der Perspektive des Darstellers entstand ein Konsens: „Snaps“, sagte Lee. „Schnappt immer.“
Pannen sind unvermeidlich, aber „das sind Leute, die das die ganze Zeit machen“, sagte Dixey. „Nicht unbedingt Strippen, aber auf der Bühne stehen und Probleme im Moment lösen können.“
Abgesehen von der Mechanik war das Strippen „eine künstlerische Herausforderung für mich“, sagte Aubrey Lynch II, eine ehemalige Tänzerin des Alvin Ailey American Dance Theatre und „The Lion King“, die in mehreren frühen Broadway Bares-Shows auftrat und jetzt Dekan und Direktor von ist Ausbildung am American Ballet Theatre. Trotz anfänglichen Zögerns sagte Lynch, dass das, was er auf der Bühne erlebte, Freiheit war – was „meine Werkzeugkiste um eine weitere Leistungsebene erweiterte und mein Selbstwertgefühl auf seltsame Weise stärkte“.
Das ist eine Lektion, die Mitchell den Darstellern gerne beibringt. Er sieht das Ausziehen auf der Bühne nicht als einen verletzlichen Akt, sondern als einen ermächtigenden Akt. „Ihr seid auf dem Fahrersitz“, sagt er zu den Tänzern und erinnert sie daran, dass „das Publikum auf eurer Seite ist. Sie feuern dich an. Wenn du dich wohl fühlst, sind sie bequem.“
Die Broadway Bares-Routinen, die drei bis vier Minuten lang sind, vermitteln eine Mini-Erzählung und wurden von Dingen wie griechischen Mythen und Brettspielen inspiriert. Einige Choreografen haben den Tanz auch genutzt, um gesellschaftliche Themen zu kommentieren.
In der diesjährigen Produktion mit dem Titel „XXX“ – ein Augenzwinkern sowohl auf das Alter der Show als auch auf ihre Frechheit – interpretierte Lee eine Superhelden-Nummer von der Veranstaltung von 2002 neu, um Charaktere wie Black Panther (getanzt von Heyward) und Shang-Chi mit Dancehall-Musik, Afro, einzubeziehen Beats und Stepping. „Ich wollte ehren, was wir in den letzten 20 Jahren erreicht haben“, sagte er.
Während die ersten Broadway Bares nur durchtrainierte Cisgender-Männer zeigten, waren bei der Veranstaltung im nächsten Jahr Frauen dabei. Spätere Iterationen zeigten Transgender-Darsteller, behinderte Tänzer und alle Ausdrucksformen von Sexualität. „Wir hatten sogar heterosexuelle Darsteller“, scherzte Mitchell. (Bei aller Repräsentation auf der Bühne bleibt das Publikum jedoch hauptsächlich schwule Männer.)
Als Jessica Castro dieses Jahr eingeladen wurde, einen Tanz zu kreieren, wusste sie, dass sie Body Positivity annehmen wollte. Sie besetzte ihren Star Akira Armstrong, eine Plus-Size-Tänzerin und Gründerin der Tanzkompanie Pretty Big Movement. „Es geht darum, alle Hintergründe, alle Körperformen, alle Typen zu feiern“, sagte Castro und fügte hinzu, dass sie das Strippen als einen Akt der Entscheidungsfreiheit empfand. „Es ist ein Ablegen all dieser Ideale, all dieser Konstrukte, die uns die Gesellschaft auferlegt hat.“
In den 30 Jahren der Broadway Bares-Shows ist AIDS zu einer behandelbaren Erkrankung geworden, insbesondere für diejenigen, die Zugang zu Gesundheitsversorgung und vorbeugenden Medikamenten haben. Aber die Verwüstung, die sie in New Yorks engmaschiger Theaterszene anrichtete, ist ein Teil der Broadway-Geschichte, der in die Mission der Show eingewoben ist.
Die Veranstaltung ist „sowohl eine Fundraising- als auch eine Bildungsmöglichkeit“, sagte Tom Viola, der Geschäftsführer von Broadway Cares, der am ersten Bares at Splash teilnahm. (Es hat bis heute mehr als 22 Millionen US-Dollar für Broadway Cares gesammelt, um Gesundheits- und Sozialdienste für Unterhaltungsfachleute sowohl lokal als auch landesweit zu unterstützen, was während der Coronavirus-Pandemie von entscheidender Bedeutung ist.)
Als Teil der Probenzeit hilft die Organisation den Tänzern, von denen die meisten die schlimmste AIDS-Epidemie nicht erlebt haben, „die Wut, den Kummer, den Verlust und das Stigma zu verstehen, die uns zuerst zum Handeln getrieben haben“, sagte Viola. Bei der dieswöchigen Probe erhielten die Tänzer Profile der begünstigten Organisationen und wurden ermutigt, ihre eigenen Online-Spendenbemühungen zu verstärken.
Und während Barak sich mit all den üblichen Elementen der Regie einer Show dieser Größenordnung beschäftigt, fragt sie sich auch: „Wie können wir diese Flamme in die Zukunft leiten, um weiterhin Geld für Broadway Cares zu sammeln und diese Tradition der Gemeinschaft fortzusetzen?“
Aber in der Zwischenzeit, zurück bei der Probe, war sie bereit für einen weiteren Durchlauf.
„Aus dem Hosenstreifen!“ Sie schrie.