Kelly Clarksons Stimme war stets verschwendet für zuckersüße Balladen wie „A Moment Like This“, die Debütsingle, die sie 2002 veröffentlichte, nachdem sie die erste Staffel von „American Idol“ gewonnen hatte. In den zwei Jahrzehnten seitdem hat sich Clarkson als chamäleonische Sängerin erwiesen, die in der Lage ist, sich in einem breiten Spektrum an Musikgenres und Produktionsstilen zurechtzufinden. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität (und ihres stimmlichen Könnens), Ende der 2000er-Jahre, schien es ihr am besten zu gefallen, laute, lebendige Rocksongs vorzutragen, die sich dennoch in die Annehmlichkeiten des Pop-Radios einfügen konnten. Meiner Meinung nach war Clarkson wie eine Weiterentwicklung von Ann Wilson, der kraftvollen Frontfrau der Rockband Heart. Bei Live-Auftritten trat Clarkson ihren Gitarristen ins Gesicht, wenn sie hohe Töne schmetterte, ihre Haare in heftigem Tempo schwenkte und die Lautstärke auf über zehn drehte. In einer anderen Zeitlinie, in der das Gespenst von „Idol“ nicht ständig über Clarkson schwebte, hätte man von ihr als einer der größten Rocksängerinnen einer Generation sprechen können.
In den letzten Jahren hat die 41-jährige Clarkson ihre Aufmerksamkeit jedoch auf eine Tages-Talkshow namens „The Kelly Clarkson Show“ gerichtet, die sie wochentags vormittags mit der Souveränität von Everywoman moderiert. Abgesehen von einem Album mit Weihnachtsliedern hatte Clarkson im Jahr 2021 seit ihrem Soul- und R. & B.-inspirierten „Meaning of Life“ aus dem Jahr 2017 kein Album mit Originalmusik mehr veröffentlicht. Aber im Jahr 2020, nachdem sie die Scheidung eingereicht hatte Mit ihrem fast siebenjährigen Ehemann Brandon Blackstock deutete Clarkson neue Musik an und behauptete, sie schreibe das „persönlichste“ Album, das sie je gemacht habe. Letztes Jahr sagte sie, dass sie zwei Jahre lang an der Platte gearbeitet habe und dass sie die Weihnachtslieder gemacht habe, weil es eine freudige Abwechslung von der schwierigen Realität ihres Lebens gewesen sei. Dieses in Arbeit befindliche Projekt „Chemie“ ist endlich erschienen und es ist ein würdiger Eintrag in den Annalen der Trennungsalben, eine musikalische Geste, die neckt, verführt und – im Guten wie im Schlechten – der Öffentlichkeit ein Fenster bietet in eine Beziehung, die schlecht geworden ist.
Der vielleicht prägende Song von Clarksons bisheriger Karriere, „Since U Been Gone“, ist eine Trennungshymne, aber eine freudige – eine Ode an die Befreiung, die der Ausstieg eines Ex mit sich bringt. Die Wirksamkeit dieses Titels, der auf Clarksons zweitem Studioalbum „Breakaway“ erscheint, hing von der Fluidität dieses „U“ ab. Sowohl der Kummer als auch die Erleichterung darüber, ihn überlebt zu haben, wurden als universelle Gefühle zum Ausdruck gebracht. Der fragliche Ex war vage und formbar; Eine von Liebe gezeichnete Zuhörerin könnte ihr eigenes Ziel daran festmachen. „Chemie“ ist an einer solchen Universalität weniger interessiert. Das „Du“ auf diesem Album ist eine bekannte Einheit. Zuhörer, selbst diejenigen, die ihren eigenen Kummer auf Clarksons sich entfaltendes Dilemma projizieren möchten, werden in die Rolle des Voyeurs gedrängt. Das Album, zu dessen Produzenten Clarksons häufige Mitarbeiter Jason Halbert und Jesse Shatkin gehören, beginnt mit dem spärlichen „Skip This Part“, bei dem Clarkson mit brüchiger und intimer Stimme singt: „Can I Skip This Part / When I Fall to Pieces.“
Ein Trennungsalbum ist am besten, wenn es den gesamten Verlauf des Lebens mit einer anderen Person aufgreift – wie es war und sein könnte, sowohl die Wünsche als auch die Verzweiflung, die einsetzt, wenn der Wunsch scheitert. „Chemie“ ist in dieser Hinsicht erfolgreich. Die vierzehn Titel des Albums orientieren sich nicht an einer einzigen Stimmung oder Geisteshaltung. Sie sind nicht nur wütend oder trauernd oder resigniert. Einige Songs sind köstlich bissig, wie das robuste und polyphone „Me“, in dem Clarkson mit einem Köcher voller Pfeile zielt und in schnellem Tempo feuert: „Your insecurity was the dead of you and me“; „Ich habe dir nie Gründe genannt, du bist derjenige mit Geheimnissen“; und während einer Bridge, die mit einem Chor von Backgroundsängern anschwillt, „Ich wette, du spürst jede Nacht die Abwesenheit meiner Liebe.“ Andere Teile des Albums fungieren als eine Art dankbares Ausatmen, darunter das mitreißend eingängige „High Road“, das mit seinen Rufen elektronischer Synthesizer und klobiger Trommeln an ein Cyndi-Lauper-artiges Unterfangen der frühen Achtziger erinnert. In den Liedtexten beschreibt Clarkson, wie sie mit der öffentlichen Kritik am Scheitern ihrer Beziehung umgegangen ist: „Es ist nur mein Ego und mein Stolz / Ich lebe mein Leben in Verkleidung.“ Bei vielen Songs, darunter „Lighthouse“, der Big Sad Ballad des Albums, singt Clarkson in einem reißenden Strom, wie eine Person, die ihre Frustrationen und Schmerzen zu lange in sich behalten hat. Die Zeit hat ihre Angst reifen und mildern lassen und ihre wütenden Beschwerden in etwas Entschlosseneres und Trotzigeres verwandelt. Der Refrain des Liedes „Down to you“ enthält eine treibende Wiederholung des Satzes „Can’t bring me down“.
Der zarteste Raum, den das Album einnimmt, liegt irgendwo zwischen Traurigkeit und Sehnsucht, zwischen Trauer über das, was war, und Aufregung darüber, was als nächstes kommen könnte. Wenn Sie schon lange in eine Person verliebt sind und sich dann katastrophal von der Liebe zu dieser Person getrennt haben, kann es schwierig sein, die Möglichkeit, weiterzumachen, zu verstehen. Die bloße Vorstellung könnte Gefühle der Verleugnung, der Ablehnung, einer Art Unglauben hervorrufen. Der Titelsong des Albums ist ein ängstliches Liebeslied. Vor dem Hintergrund einer leicht gespielten Akustikgitarre singt Clarkson: „Ich vertraue dir nicht wirklich und ich vertraue mir nicht / Du weißt schon, die Chemie kann sich an dich heranschleichen.“ In „Ich hasse Liebe“ ermahnt Clarkson den kitschigen Liebesfilm „Das Notizbuch“, weil er voller Lügen ist, während sie die Scheidungs-Liebeskomödie „Es ist kompliziert“ preist: „Du kannst Gosling behalten, und ich nehme Steve Martin“, sagt sie spricht in einem gehetzten, verärgerten Ton. (In dem Lied ist übrigens Steve Martin am Banjo zu hören.) Es ist ein alberner lyrischer Abstecher, der auch echte Fragen über die Absurdität des Verlangens aufwirft.
Ein Markenzeichen von Clarksons früheren Alben war ihre klangliche Konsistenz. Oft schien es, als hätten sie und ihre Produzenten mit einer umfassenden Idee für eine Soundvorlage („Ein großes Rock-Album!“ oder „Ein Neunziger-Jahre-Soul-Album!“) begonnen und jedes Projekt von dort aus aufgebaut. Im Vergleich dazu ist die „Chemie“ stilistisch stärker verstreut und es fällt ihm an einigen Stellen schwer, kollidierende Klangideen in Einklang zu bringen, manchmal innerhalb eines einzelnen Tracks. Die Dissonanz funktionierte für mich bei dem Song „Rock Hudson“, der mitten im Lied seinen eigenen Schwung kurzschließt, mit vielschichtigem Gesang über einer Kollision von Schlagzeug und kreischenden Gitarren (und an einer Stelle einer Synthesizerlinie, die beunruhigend nach „Stranger“ klingt). „Things“-Titellied). An anderen Stellen war der Mangel an Zusammenhalt erschreckend, wie in dem bereits erwähnten „I Hate Love“, das mit Martins sanftem Banjo-Zupfen beginnt, bevor es sich in eine elektronische, schlagzeuglastige Eskapade verwandelt.
Was mir an „Chemie“ am besten gefällt, ist die Art und Weise, wie effektiv sie Clarksons öffentliche Rolle als „Genau wie du“ nutzt. Der Kellyoke-Teil ihrer Talkshow ist beliebt, weil er geschickt mit der Vertrautheit spielt, die Clarkson seit ihren „Idol“-Tagen ausstrahlt: Locker, frei und lustig, er ähnelt in etwa dem Gefühl, mit einem Freund Karaoke zu machen (Sie wissen schon, der einzige Freund, der es kann Genau genommen wirklich gut singen). Aus dem gleichen Grund wirkte jedoch eine im letzten Sommer veröffentlichte EP mit Clarksons Karaoke-Covern seltsam träge. Beim Polieren und Produzieren in einem Aufnahmestudio verloren die Songs den spontanen Charme, der die Persönlichkeit von Kelly Clarkson ausmacht. Im Gegensatz dazu bewahrt „Chemie“ erfolgreich die Aura zwischenmenschlicher Intimität, die Clarkson seit zwei Jahrzehnten beim Publikum kultiviert. Ein Teil des Reizes des Albums besteht darin, wie ernst es ist und den Hörer in die dunkleren Ecken von Clarksons Leben eintauchen lässt. Das ist natürlich eine Illusion. Selbst in ihrer verwundbarsten Form gelingt es Popkünstlern immer noch, eine Art Zaubertrick zu vollbringen. Aber der Trick funktioniert hier, vielleicht besser als je zuvor bei Clarkson. Als Zuhörer hat man das Gefühl, den Versuch eines Veteranen nach Resilienz in Echtzeit zu beobachten. ♦