Kaija Saariaho: 11 wesentliche Werke

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Auch Kaija Saariaho, die poetische und kraftvolle Komponistin, die am Freitag im Alter von 70 Jahren starb, war mit ihren Worten subtil und suggestiv.

„Schillernde, unterschiedliche Oberflächen, Stoffe, Texturen“, schrieb sie über ein frühes Werk in einer Sprache, die ihren Stil über 40 Jahre hinweg beschreiben könnte. „Gewichte, Schwerkraft. Geblendet sein. Interpolationen. Reflexionen. Tod. Die Summe unabhängiger Welten. Schattierung, Brechung der Farbe.“

Ihre Musik zittert und schimmert, aber es mangelt ihr nie an Eindringlichkeit; Üppig und oft bedrohlich, verschleiert in dunkle Geheimnisse, entwickeln sich ihre Stücke mit der muskulösen Geschmeidigkeit von Schlangen. Ihre Partituren können das Glitzern und Blenden des Blicks in die Sonne hervorrufen – ihre Schönheit, ihre Härte, ihr brennendes Nachbild –, aber auch das langsam schwindelerregende Aufwirbeln der Tiefen des Meeres.

Saariahos Anliegen waren fast vom Beginn ihrer Karriere bis zu ihrem viel zu frühen Ende klar: elektronische und akustische Instrumente in neue Alchemien von Farbe, Licht und Masse zu führen; die Schaffung brodelnder Stille; die Schnelligkeit, mit der scheinbare Solidität ins Nichts zerfällt. Hier sind 11 Werke, die einen Einstieg in ihre verführerische, wenn auch manchmal abweisende Welt bieten.

Als strenger Serialist ausgebildet, war Saariaho in den frühen 1980er Jahren dem Klangnebel spektralistischer Komponisten wie Tristan Murail und Gérard Grisey ausgesetzt. Dies, gepaart mit ihrer Zeit am Ircam, dem französischen Institut für elektronische Musik, führte sie von ihrem frühen musikalischen Weg zu einer Erforschung der Beziehung zwischen akustischen Instrumenten und elektronischen Klängen, die manchmal aufgenommen und manchmal live produziert wurden. In „Verblendungen“ (ein komplexes Wort, das unter anderem „Wahnvorstellungen“ bedeutet) begeben sich aufgenommene Klänge und ein Live-Ensemble gemeinsam auf eine Reise der allmählichen Auflösung von erdrückender Dichte zu spärlichen, zitternden Partikeln.

Die Hälfte eines zusammenhängenden Stückpaares (mit „… à la Fumée“) für großes Orchester – ihr Einstieg in das Komponieren für große symphonische Besetzungen – „Du Cristal“ hat auch einen entscheidenden Teil für Synthesizer, obwohl Saariaho die Elektronik und die Akustik integriert eine einzelne, sich bewegende, gefährliche Masse. Stränge von Soloinstrumenten tauchen aus einer wogenden Klangwolke auf, die zwischen Meditation und Gewalt schwebt.

Das seltene Werk von Saariaho, das keine elektronische Komponente enthält, „Graal Théâtre“ („Gralstheater“), ist ein eindringliches Violinkonzert in überschwänglich virtuosem Stil – seine kalligrafische Sololinie schießt zu Beginn zwischen Glocken und sanftem Dröhnen, das sich einfügt und unscharf. Gegen Ende explodiert die Begleitung, bevor sie den Geiger in den letzten Momenten allein lässt.

Vor ihrer ersten Oper wagte sich Saariaho an das Schreiben für Gesang und vertonte unter anderem Texte aus „Der Sturm“ – darunter Mirandas Bitte an ihren Vater Prospero, den von ihm verursachten Sturm zu beruhigen. Die Kammerbesetzung ist intim und anmutig, und der Gesang der Sopranistin ist sowohl ausdrucksstark als auch schlicht lieblich, mit einer Kombination, die diesen Komponisten seit langem fasziniert: zeitgenössische Farben gemischt mit der täuschend einfachen Formalität mittelalterlicher und Renaissance-Lieder.

So sinnlich Saariahos Musik auch sein mag, so schwebt der Klang des Refrains in diesem siebenteiligen, 22-minütigen Werk wie Lichtbalken, dessen Ränder rauchig verschwimmen. Die Stimmung ist jenseitig; Das Thema sind Reisen, die sich eher existenziell als körperlich anfühlen. Elektronische Klänge grollen in „Memory of Waves“; Auf den Tod, das Thema des vorletzten Abschnitts, folgt die hypnotische Entfaltung von „Arrival“.

Für ihre erste Oper schuf Saariaho in Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Amin Maalouf eine stilisierte Vision des Lebens des Troubadours Jaufré Rudel aus dem 12. Jahrhundert, der sich in eine Gräfin verliebt, die er nie getroffen hat. Es herrscht üppige Kontemplation; Es gibt wenig Handlung, aber in der Zurückhaltung wallt die Leidenschaft auf, mit Anklängen an mittelalterliche Harmonien und nordafrikanische Rhythmen.

Bei all ihrem Können im Umgang mit großen Ensembles haben Saariahos Soli – einschließlich dieses Miniatursatzes für Cello – einen besonderen Fokus und eine besondere Freiheit, eine eher menschliche als mythische Skala. Und wie bei Bachs Cellomusik hat die fast unaufhörliche Bewegung hier den unheimlichen, unerwarteten Effekt, zum Nachdenken anzuregen.

Nur wenige zeitgenössische Komponisten haben so viel Energie wie Saariaho darauf verwendet, für die Flöte zu schreiben, die sie für ihre ergreifende Beredsamkeit, ihren Nachhall des Primitiven und ihre menschliche Verbindung schätzte: den immer hörbaren Atem. Dieses Konzert wandert, traumhaft, flatternd und – im zweiten Teil – tanzend, seine Energie ist ansteckend.

Dieses vom Jäger der griechischen Mythologie und dem Sternbild, das seinen Namen trägt, inspirierte Stück ist ein majestätischer Einsatz eines weitläufigen Orchesters mit Orgel und beginnt als stimmungsvolles Nocturne, bevor es in tobende Wut übergeht. „Winter Sky“, der zweite Teil, ist so umfangreich wie sein Titel, mit dem Zittern unendlicher Sterne; und „Hunter“, das Finale, ist ein wilder Schuss.

Saariaho ließ sich von einem Zyklus mittelalterlicher Wandteppiche inspirieren, ein Klarinettenkonzert zu schreiben – eines, das seinen Solisten auffordert, sich im Aufführungsraum zu bewegen –, das rätselhaft nach den fünf Sinnen strukturiert ist: den kaleidoskopischen Farben von „Hearing“; „Sicht“ benommen und jammernd; „Geruch“ köchelnd; „Touch“-Alarm und so hell, wie Saariahos Musik nur sein kann; „Geschmack“ verunsichert und meckernd. Der sechste Abschnitt, dessen Titel in etwa „Allein nach meinem Wunsch“ bedeutet, ist eines der gruseligsten und schönsten Stücke in ihrem Werk, eine stille, desorientierende Höhle voller jenseitiger Rufe und Antworten.

„Innocence“ wurde vor der Pandemie geschrieben, was dazu führte, dass sich die Premiere auf 2021 verzögerte, und ist so dicht geplottet wie „L’Amour de Loin“ spärlich war. Saariahos Meisterwerk ist die krasse, aber sensible Geschichte einer Schießerei an einer internationalen Schule und ihre Echos Jahre später. Sie lenkt souverän die verzweifelte Stimmung in einer Mischung aus Gesang, Sprechen (in sieben Sprachen) und unheimlichen finnischen Volksgesängen. Alle diese unterschiedlichen Gesangswelten werden durch das Orchester verbunden, das sich sanft und geschmeidig um die Sänger legt – ohne sie explizit zu unterstreichen, nie in Konkurrenz zu treten.

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