Die Vorstellung eines perfekten Films ist absurd, aber einige Filme schaffen eine ideale Synthese des Gesamtwerkes des Regisseurs. Wes Andersons neuester Film „Asteroid City“ ist ein solcher Film. Obwohl er die gleiche impulsive Ausschüttung kreativer Energie widerspiegelt wie seine anderen großartigen Filme, beinhaltet dieser Film eine einzigartige Balance seiner Hauptthemen, Stile, Ideen und Obsessionen – ein Gefühl, als würde er von seiner filmischen Leinwand ein paar Schritte zurücktreten und sie neu kalibrieren Beziehung seiner Kunst und seiner selbst zur Welt im Allgemeinen. „Asteroid City“ vermittelt das Gefühl einer Selbstzusammenfassung; Ohne ein Alter Ego in der Besetzung der Charaktere reflektiert er seine Methoden, seine künstlerischen Wünsche, seinen Standpunkt zum Kino. Es ist nicht unbedingt Andersons größtes Werk (was auch immer das bedeutet) und auch nicht sein persönlichster Film. Aber es ist diejenige, in der er sich durch seinen Rückzug intellektuell und emotional am präsentesten macht.
Der Schritt zurück ist in den Film durch eine Rahmenvorrichtung integriert, ein geniales Setup, das mir buchstäblich ein Lächeln ins Gesicht zauberte, als ich es zum ersten Mal sah – eine gefälschte Schwarz-Weiß-Fernsehsendung aus den Fünfzigern, die selbst ein schwindelerregendes Konfekt ist von metafiktionaler Laune. Bryan Cranston spielt den namenlosen Moderator der Sendung, einer Doku-Fiktion über die Entstehung und Produktion eines Theaterstücks namens „Asteroid City“. Der Moderator bezeichnet das Stück als nicht existent, einen Titel und eine Reihe von Details, die für die Zwecke der Ausstrahlung erfunden wurden. Anderson erfreut sich (und diese beiden Worte passen für so ziemlich alles, was er jemals gefilmt hat) an den Details von Live-TV-Übertragungen und präsentiert die Bühne, viereckig vor Videokameras, auf der ein Dramatiker namens Conrad Earp (Edward Norton) fleißig arbeitet Er tippte weiter, ohne auf die Anwesenheit eines Ansagers zu achten, der die Aktion beschrieb. (In einer senkrechten Ansicht zeigt Anderson auch die Anwesenheit eines Mitarbeiters direkt hinter der Bühne, der live mit Schlaginstrumenten und anderen Spielereien die Soundeffekte der Sendung kreiert.) Der Moderator geht die Liste der Künstler durch, die in der Sendung auftreten werden , darunter der Schauspieler Jones Hall (Jason Schwartzman) und die Schauspielerin Mercedes Ford (Scarlett Johansson), und spielt das Stück im September 1955, aufgeteilt in drei Akte.
Der größte Teil von „Asteroid City“ besteht jedoch aus genau diesem Stück – dem Stück, das angeblich nicht existiert. Es wird nicht in einem Theater aufgeführt, sondern im stark stilisierten dreidimensionalen Raum einer winzigen Wüstenstadt namens Asteroid City mit 87 Einwohnern, in der eine Gruppe von Außenseitern für etwas mehr als eine Woche zusammenkommt und Geschichte schreibt. Die Stadt – wenn überhaupt bekannt für ihren Meteoritenkrater und den Meteoriten, der ihn verursacht hat – empfängt bald eine Tagung sogenannter Junior Stargazers. Ihre wichtigsten Gastgeber und Sponsoren sind die Bundesregierung – insbesondere die Armee, vertreten durch General Grif Gibson (Jeffrey Wright), dessen Großartigkeit mit seinem kampferprobten tragischen Gespür einhergeht. Dort taucht ein Kriegsfotograf namens Augie Steenbeck (Schwartzman) mit seinem Highschool-Sohn Woodrow (Jake Ryan) und eineiigen Drillingen von etwa sechs Jahren (Ella, Gracie und Willan Faris) auf, die einen Tupperware-Behälter mit sich führen Die Asche seiner verstorbenen Frau (Margot Robbie), die drei Wochen zuvor verstorben war und deren Tod er seinen Kindern noch nicht mitteilen konnte.
Eine weitere Stargazerin ist eine Teenagerin namens Dinah Campbell (Grace Edwards), die von ihrer Mutter Midge Campbell (Johansson) dorthin gebracht wird, einem Filmstar, der sich in Asteroid City vor persönlichem Unglück versteckt und gleichzeitig eine Rolle in einem neuen Film probt – eine, in der sie eine besorgte Frau spielt, die sich das Leben nimmt und posthum als eine Art Geist über ihre Erfahrungen nachdenkt. Es ist kein großer Spoiler zu sagen, dass die geschiedene Midge und die frisch verwitwete Augie eine intensive Affäre haben – und dass Dinah und Woodrow auch eine zärtliche, liebevolle und schüchterne romantische Beziehung eingehen. Unterdessen taucht Augies Schwiegervater Stanley Zak (Tom Hanks), ein mit Pistolen bewaffneter und vom Golfsport besessener Anwalt, in seinem Cadillac-Cabrio auf, um die Asche seiner verstorbenen Tochter zurückzuholen und die vier Kinder zu seinem Haus zurückzubringen Rand eines Golfplatzes. Woodrow und Dinah bilden mit drei anderen jungen Erfindern (Ethan Josh Lee, Sophia Lillis und Aristou Meehan) eine Gruppe von Außenseitern, und die Eltern des Trios (Steve Park, Hope Davis und Liev Schreiber) sorgen für eine Art griechischen Refrain die Intrigen des Konvents. Inmitten der sich kreuzenden Strömungen von Arbeit und Liebe, intellektueller Kreativität und inniger Leidenschaft wirft ein UFO einen Außerirdischen in den Krater, um mit dem Meteoriten zu fliehen, und die Stadt – unter militärischem Kommando – wird zu diesem Zweck abgeriegelt (offiziell Quarantäne genannt). Sie halten eine völlige Vertuschung durch die Regierung aufrecht, die die Kinder selbst mutig brechen, indem sie die Nachrichten an die Welt weitergeben.
Anderson bringt diesen aufwändigen Wirbel einer Geschichte – mit seiner starken Trauer und seiner bedrückenden Vision der Regierungsmacht, seinem wundersamen Sinn für überragende Fremdartigkeit und seiner unersättlichen Leidenschaft für die Vitalität alltäglicher Taten – mit einer ästhetischen Leidenschaft auf die Leinwand, die seine widerspiegelt persönliche Hingabe. Er nimmt Momente der Erfahrung, seien sie kleiner oder großer, auf und lenkt durch eine umfassende Stilisierung die Aufmerksamkeit auf die überwältigende Fülle emotional kraftvoller, wenn auch verschwindender Details, die diese Momente unauslöschlich machen. Er erschafft sowohl Erfahrung als auch Erinnerung in Echtzeit und erzeugt so eine starke Nostalgie für die Gegenwart, eine Sehnsucht, jedes dieser Details in jedem dieser Momente einzufangen, einzufrieren und festzuhalten. Tatsächlich handelt es sich hierbei um einen Kunstgriff, der aus einer VHS-Kindheit hervorgegangen ist, in der winzige Details und eingebettete Besonderheiten immer wieder angeschaut und dadurch überproportional zu ihrer Bedeutung vergrößert werden können; Das Ergebnis besteht darin, die Unterscheidung zwischen Vordergrund und Hintergrund, Drama und Ornament aufzuheben und einen Film in ein einheitliches visuelles – und affektives – Feld zu verwandeln.
Anderson füllt seine Besetzung mit gefeierten Schauspielern und anderen, die noch nicht gefeiert werden, aber in seinem Film ihren Coming-Out-Effekt erfahren, und er filmt sie mit uneingeschränkter Faszination und ungehemmter Begeisterung. „Asteroid City“ ist ein Film voller frontaler Gesichter. Es gibt derzeit keinen Regisseur, der so besessen von Gesichtern ist wie Anderson. Bei aller sorgfältigen Konstruktion und feinkörnigen Komposition der Darbietungen und Bilder seiner Filme ist er in seiner Aufmerksamkeit für Gesichter der Haupterbe von Cassavetes in der aktuellen Regisseurgeneration. Andersons kompromisslose Kompositionen ermöglichen es ihm, seinen Schauspielern ins Gesicht zu blicken; Darüber hinaus ist die direkte Konfrontation der Schauspieler, die einander durch den Blick in die Kamera anschauen und dadurch den Betrachter konfrontieren, eines seiner Hauptmotive. Andersons Schauspieler zu sehen bedeutet praktisch, in direkter persönlicher Beziehung zu ihnen zu stehen. Andersons Kino ist eine Steigerung der Liebe, einer intensiven Verbindung mit dem, was auf der Leinwand zu sehen ist.
Es stellt sich die Frage, warum so viele Kritiker Anderson vorwerfen, Emotionen durch die Eskapaden seiner Kunstgriffe zu unterdrücken, und warum sich diese kritische Haltung seit langem durchgesetzt hat und immer noch ernst genommen wird. Glücklicherweise liefert „Asteroid City“ mit seinem Rahmengerät die Antwort. Die von Cranston moderierte Sendung ist auch eine Geschichte des Theaters selbst, und nicht weniger als Charlie Chaplins „Limelight“ oder Joseph L. Mankiewicz‘ „All About Eve“ bietet Andersons Film einen entscheidenden Kontrast zwischen der Kunst des Theaters und der Kunst des Theaters Kino. Die Schwarz-Weiß-TV-Show, die den gesamten Film durchzieht, erzählt die Geschichte, wie Jones Hall, ein unbekannter Schauspieler, durch seine persönliche Verbindung mit dem Dramatiker Conrad Earp plötzlich berühmt wurde; Es zeigt, wie der berühmte Regisseur Schubert Green (Adrien Brody) das nicht existierende Stück auf die Bühne brachte, wie er sein Privatleben seiner Karriere opferte und wie auch seine turbulente berufliche Beziehung mit der Co-Starin des Stücks, Mercedes Ford, dazu führte zur Beförderung eines unerschrockenen Zweitbesetzungspartners (Ryan) in eine Hauptrolle (als Woodrow). Es zeigt auch einen intensiven, leidenschaftlichen Schauspieler-Workshop unter der Leitung des charismatischen Lehrers Saltzburg Keitel (Willem Dafoe). Dies ist natürlich eine Anspielung auf das Actors Studio und eine Umgebung, in der Schlüsselmomente des Stücks einer scharfsinnigen analytischen Prüfung und angeleiteten Improvisationen unterliegen.
Die schwarz-weiße Fernsehsendung ist eine Geschichte des Theaters, die hauptsächlich so gefilmt wird, als würde man sie nicht durch den forschenden, umherschweifenden und Intimität provozierenden Blick einer Kamera betrachten, sondern aus einer theatralischen, bühnengebundenen Distanz. Ja, die Kamera bewegt sich, und Anderson führt einige geniale Manöver dafür durch (wie bei horizontalen Kamerafahrten hinter der Bühne, um Schuberts provisorische Wohnräume zu zeigen). Aber er bietet nur wenige Nahaufnahmen, wahrt Distanz (manchmal verblüffend frustrierend) zu der mächtigen Besetzung, die er für die theatralischen Sequenzen zusammenstellt, und weist damit auf einen wesentlichen Unterschied zwischen dieser Theaterwelt und seiner eigenen filmischen Welt hin. Es ist der Erfolg solch wilder Darbietungen – und die Gleichsetzung von Wildheit mit Wahrhaftigkeit, von der Zurschaustellung von Gefühlen mit dem Gefühl von Gefühlen –, die sowohl die Methode als auch das Actors Studio in der modernen künstlerischen Mythologie verankert und Kritiker an die Art von Darbietungen gewöhnt hat Anderson erreicht.