Der neue Film von Josephine Decker „The Sky Is Everywhere“ ist die Ausnahme, die die Regel bestätigt. Gewöhnlich bringt es die Natur der filmischen Autorenschaft eines Regisseurs mit sich, sich mit dem Drehbuch zu beschäftigen, unabhängig davon, was die Credits sagen. Decker ist eine der originellsten Regisseurinnen der Gegenwart – ihre Spielfilmkarriere begann mit „Butter on the Latch“, und die Uraufführung im Jahr 2013 war ein „Frühlingsopfer“-Moment für die wenigen Glücklichen, die dabei waren. Sie hat so etwas wie eine Spezialität: die Dramatisierung von Künstlerinnen und die Verflechtung ihrer kreativen und persönlichen Konflikte, die sie mit einer umfassenden filmischen Fantasie und einer furiosen Leidenschaft ausstattet. Das Thema wird in „The Sky Is Everywhere“ (ab Freitag auf Apple TV+) fortgesetzt, der Geschichte von Lennie Walker (Grace Kaufman), einer Highschool-Absolventin mit enormem musikalischem Talent, die vom plötzlichen Tod ihrer Schwester erdrückt wurde. Die Drehbuchautorin Jandy Nelson hat ihren eigenen gleichnamigen Roman adaptiert. Nelson ist auch ausführende Produzentin, und ihre Anwesenheit hat es Deckers Regieautorenschaft möglicherweise schwer gemacht, sich durchzusetzen – nichtsdestotrotz tut sie es in einigen der stärksten Momente der Aufführung des Films und insbesondere in den Bildern und Fantasy-Szenen des Films. die zu den Schätzen des neueren Kinos gehören.
Die Handlung von „The Sky Is Everywhere“ ist ein von Natur aus emotionsgeladenes Melodram. Lennie und ihre verstorbene ältere Schwester Bailey (in Rückblenden gespielt von Havana Rose Liu) wurden nach dem plötzlichen Tod ihrer Mutter von ihrer Großmutter namens Gram (Cherry Jones), die Künstlerin ist, und ihrem Onkel aufgezogen Big (Jason Segel), ein New-Age-Tüftler, in einem rustikalen Haus in einer ländlichen Gegend von Kalifornien, nicht weit von einem Redwood-Wald und einem geschäftigen Kleinstadtzentrum entfernt. Lennie und Bailey, die nur ein oder zwei Jahre alt waren, planten, zusammen zur Juilliard School zu gehen (Lennie ist ein begabter Klarinettist), aber Bailey starb plötzlich in der Schule an einem angeborenen Herzleiden. In ihrer Trauer gibt Lennie ihre musikalischen Bestrebungen auf (und überlässt ihre Solos in der Schulband der habgierigen Bienenkönigin Rachel, gespielt von Julia Schlaepfer). Sie entwickelt auch eine Beziehung zu einem neuen Kind in der Schule, einem anderen Musiker, Joe Fontaine (Jacques Colimon), der Trompeter und Gitarrist ist. Aber Baileys hinterbliebener Freund Toby Shaw (Pico Alexander) kommt immer wieder im Haus vorbei und in ihrer gegenseitigen Liebe zu Bailey entwickeln die beiden auch romantische Gefühle.
Tatsächlich ist „The Sky Is Everywhere“ eine Reihe quasi-musikalischer Variationen über das Thema Trauer. Es ist eine Geschichte über die unendliche Dunkelheit des ständigen und unverminderten Gefühls des Verlustes, über die Bemühungen, das Vergnügen inmitten der Qual wiederzuentdecken (und dies ohne Schuldgefühle, wenn man die Hingabe der Trauer verrät) und wie man den implosiven Kreislauf durchbricht des eigenen Schmerzes und sich wieder mit anderen verbinden. Es ist ein Film darüber, wie man lebt, wie man weiterleben kann, und es ist eine flüchtige Mischung aus großer intimer Tragödie, Coming-of-Age-Themen der Vorstadtbürgerschaft und dem kreativen Drang einer Künstlerin. Großartige Voraussetzungen allein sorgen jedoch nicht für großartige Dramatik, und das Drehbuch gibt den Charakteren nicht viel Substanz und lässt Decker und den Schauspielern nicht viel Arbeit. Es gibt kaum etwas in der Persönlichkeit und den Handlungen von Lennie und ihren Freunden und ihrer Familie, das nicht mit einer programmierten Einfachheit in den erzwungenen Marsch der Geschichte in Richtung Auflösung passt, und die Flachheit der Charaktere wird von der unerbittlichen Offensichtlichkeit ihrer Emotionen übertroffen Ausdruck.
Die Action schwankt zwischen süßlicher Munterkeit und rasender Melancholie, wobei die Höhen nicht mit einem Gefühl manischer Gefahr durchbrechen und die Furien nicht in Schlagdistanz zum Abgrund sind. Vor allem vermittelt es eine Vorstellung von YA-Literatur als geprüfte Literatur; Es gibt wenig zu sehen, was nicht durch das Nadelöhr von Hays Code passen würde, und die Protagonistin und ihre jugendlichen Kohorten kommen weder als die Vorstellung eines Teenagers von Teenagern noch als die eines Erwachsenen rüber – sondern als Darstellung von Teenagern, die mit der Schule fliegen würden Boards in den konservativsten Gerichtsbarkeiten. Es tut einer hervorragenden Besetzung keinen Gefallen; Kaufman hat eine nachdenkliche und energische Präsenz, eine ungeschminkte und leidenschaftliche Aufmerksamkeit, die jedoch allzu oft in den emotionalen Stereotypen des Films untergeht. (Segel, einer der Hauptdarsteller der letzten zwei Jahrzehnte, hat in letzter Zeit nicht genug Filme gemacht, und er findet die besten Zeilen des Films und verleiht ihnen eine ruhige, abgenutzte Ironie.) Doch trotz der schematischen Einfachheit einer Geschichte ist das so voller Motive und Emotionen von mechanischer Oberflächlichkeit und krampfhafter Süße, Decker verwirklicht es mit Bildern von ekstatischer Energie und leidenschaftlichem Erfindungsreichtum, mit freilaufenden Einfällen, die für kurze Zeitschläge vorgefertigte Gefühle in unmittelbare Erfahrungen verwandeln, dem Pre ein Überraschungselement verleihen -programmierte Emotionen und verwandeln die begrenzte Geschichte von Lennie in eine Vision von transzendentem Wunder. Es ist ein Film, der fast darauf wartet, in seine Highlights geschnitten und neu synchronisiert zu werden.
Bevor die Handlung beginnt, beschwört Decker in Zusammenarbeit mit der Kamerafrau Ava Berkofsky einen freischwebenden bildhaften Erinnerungsrausch durch Sonne, Licht, Wasser und Schein, mit einer herabstürzenden und wirbelnden Kameraführung. Dann, als die Erinnerung der Rückkehr schmerzhafter Trauer weicht, als Lennie allein in dem Zimmer sitzt, das sie mit Bailey teilte, fällt das Licht plötzlich in nächtliche Dunkelheit und der Himmel wird feurig inmitten einer wogenden Landschaft aus Papiercollagen. Während des gesamten Films, selbst in Szenen ausnahmsloser Action, eilt die Kamera vorwärts, stürzt rückwärts und wirbelt und schwenkt mit Dringlichkeit, um vertraute Situationen und Gefühle mit einer erhöhten und stilisierten visuellen Rhetorik zu energetisieren. Es gibt einen erstaunlichen Moment in einer Szene konventioneller Gewöhnlichkeit: ein Rückblick auf Baileys Trauerfeier in einer Kirche, während die Perspektive in einer majestätischen Kranaufnahme nach oben schwebt, die an Lennies gequälten und ekstatischen Blick nach oben gebunden zu sein scheint und privaten Emotionen eine himmlische Dimension verleiht .
Decker ist einer der großen choreografischen Filmemacher, und eine Fantasy-Tanzsequenz, die auf den Straßen der Stadt spielt – Lennies imaginäre Sicht auf Baileys lyrische Präsenz und magische Kraft – verbindet frei fließende Bewegungen mit energisch gemusterten Tänzen. Die Szene verbindet Baileys (und ihre vielen Freunde) Freude an der Bewegung mit Lennies Freude, sie in Bewegung zu beobachten, bis sie Lennie mit einem nicht weniger raffinierten ästhetischen Twist in die bittere Realität zurückholt. Deckers ungewöhnliche Vision vertrauter Ereignisse – ihre herabstürzende Kamera, scheinbar auf einer Drohne oder einem Kranich, die durch die Luft fliegt, um zu Lennie zu gelangen, der an ihrem Fenster Klarinette spielt; die wirbelnde Kamera unter dem sonnenbeschienenen Baldachin aus Redwood-Ästen – verstärkt ihre Kraft durch wilde Fantasien. Eine dramatisch tückische Szene, in der Lennie und Joe zusammen im Gras liegen und über Kopfhörer Bach hören, explodiert mit einer Urphantasie von grünarmigen Erdgeistern, die das junge Liebespaar mit Blumen schmücken. Eine Szene, in der Lennie flieht, um mit ihrer Trauer allein zu sein, erklärt in ihrem sintflutartigen Off-Kommentar, ist umso intensiver und beunruhigender für die Inkongruenz ihrer Gegenüberstellungen – schwere Möbel fallen und krachen um sie herum, als sie zu einer Wohnung wechselt -auslaufen, und sie rettet sich, indem sie durch eine Tür aus Sonne und Himmel taucht.
„The Sky Is Everywhere“ ist ein Film der inneren Vision, der Fantasie und Symbolik, der mit dem Drama koexistiert, auch wenn es nicht ganz damit verschmilzt. Zu den inhärenten Hemmungen einer kommerziellen Produktion kommen die Ausrüstung, die Crew und die Arbeitszeit, die die aufwändigeren Szenen des Films von akribisch konzipiertem und ausgeführtem Erstaunen ermöglichen. Solche Momente gedeihen und stellen die Möglichkeiten zur Schau, die sich einem Regisseur eröffnen, der sich dem Werkzeugkasten einer anständig budgetierten Produktion als Spielzeugkiste nähert. Sie sind ein Vorwurf gegenüber den Regisseuren noch üppiger finanzierter Produktionen, die, ob sie offen in der Fantasie arbeiten oder das Element der Fantasie in ihrem Realismus verfehlen, sich nicht einmal an die gewagten und schillernden Inspirationen heranwagen, die in Deckers filmischem Universum reichlich vorhanden sind.